Histórico
Obras que estuvieron en cartel y que ya forman parte de nuestra amplia base de datos
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EL PÚBLICO
Teatro de La Abadía y Teatre Nacional de Catalunya presentan
EL PÚBLICO
de Federico García Lorca Dirección: Àlex Rigola
Del 25 de noviembre al 18 de diciembre en el Teatro de La Abadía
Dirigido por Àlex Rigola, El público es un texto de enorme belleza poética sobre la honestidad, un texto adelantado a su tiempo, que orbita sobre el irrefrenable deseo amoroso — “¿y si yo quiero enamorarme de un cocodrilo?”— y creativo —“¡hay que destruir el teatro o vivir en el teatro!”—.
El público vuelve a La Abadía. El año pasado gozó de una acogida extraordinaria, esa pieza del supuesto teatro irrepresentable de Lorca se desveló como “onírica pero perfectamente inteligible”, de una “enigmática belleza convulsa”, con “poderosas imágenes”, “poesía nocturna y turbulenta”. “El público de Rigola hace historia”, “El público es, como el amor, una obra desbordante”. Lorca escribió esta obra en 1930, 56 años antes de que pudiera verse representada. Ahora, La Abadía recupera, de la mano del director Àlex Rigola, este texto adelantado a su tiempo, que orbita sobre la homosexualidad y la cultura contemporánea. Álex Rigola se atreve con esta compleja obra de Federico García Lorca y nos presenta su particular adaptación de una historia de lucha entre la vida exterior y la interior, la realidad y la alucinación, el amor homosexual y el deseo reprimido en la que posiblemente sea la obra más SURREALISTA del autor. En vísperas del 80º aniversario de la muerte del escritor andaluz, El público se desvela como piedra de toque de un teatro contemporáneo que interpela al espectador: dónde pone los límites, hasta dónde quiere llegar, en su vida afectiva, espiritual y profesional. Un juego de máscaras, ficción y realidad, en el que las identidades se encuentran en continua metamorfosis. Si 'Poeta en Nueva York' representa un punto de inflexión en la poesía de Federico García Lorca, 'El público' marca un cambio de rumbo en su escritura teatral. Aquí vemos a un Lorca innovador , muy diferente al tono de sus piezas más populares, que elige el disfraz del teatro para hablar de la homosexualidad, de la vida y, desde el profundo desgarro, de sí mismo. Nao Albet, Jesús Barranco, David Boceta, Juan Codina, Rubén de Eguía, Óscar de la Fuente, Laia Duran, Irene Escolar, María Herranz, Alejandro Jato, Jaime Lorente, David Luque, Nacho Vera y Guillermo Weickert, darán vida a esta apasionada reflexión sobre el teatro y su capacidad de transformar al espectador que orbita sobre la homosexualidad y la cultura contemporánea. Coproducida entre el Teatro Nacional de Cataluña y el Teatro de La Abadía. Lorca quiere que el PÚBLICO se vea reflejado como en un espejo, y en cierto modo denuncia al público convencional, es decir, a “la burguesía frívola y materializada, que no quiere que se les haga pensar sobre ningún tema moral”. Y el concepto del PÚBLICO no se limitará al contexto del teatro, sino que, en un complejo e íntimo juego de significados, simboliza también aquel sector de la sociedad que reacciona violentamente ante “las verdades más inocentes”. EL PÚBLICO plantea una doble trama: una amoroso-íntima y otra artístico-social. Por un lado se sirve del amor homosexual —una FORMA más de amor—, para REIVINDICAR EL AMOR como suceso esencial que se manifiesta más allá de los márgenes de lo establecido, y que supera las barreras de identidad, género, voluntad humana o convencionalismos que lo constriñen. Por otro lado, expone la CONTRAPOSICIÓN ENTRE DOS TIPOS DE TEATRO: el que pone de manifiesto un drama auténtico, en el cual va implicada la intimidad del autor (teatro bajo la arena) y aquella representación convencional, del gusto de una determinada audiencia o taquilla que prefiere no enfrentarse con la verdad del escenario (teatro al aire libre).SINOPSIS
Un texto de gran belleza poética sobre la honestidad en el plano personal y artístico “¡Hay que destruir el teatro o vivir en el teatro!”, exclama Lorca en esta obra, con la que aspiraba a iniciar un nuevo camino. Y de eso precisamente habla: del valor para romper con el pasado, con las inercias, la tradición, la represión —tanto en plano artístico como en el afectivo— y emprender aquello que uno realmente desea. El público, escrito en 1929-30, habla del teatro y habla del deseo, a través de un juego de máscaras, en el que se superponen ficción y realidad, en el que las identidades se encuentran en continua metamorfosis, persiguiendo sin cesar la Autenticidad, la Honestidad y la Libertad. Una ocasión para adentrarse, de la mano del director Àlex Rigola y un amplio reparto, en la indómita imaginación del poeta granadino.
FICHA
Reparto: Nao Albet Caballo Blanco 1 / Estudiante 2 / Pastor Bobo Jesús Barranco Hombre 2 / Dama 1 David Boceta Hombre 1 (Gonzalo) / Desnudo Rojo Juan Codina Director de Escena (Enrique) Rubén de Eguia Hombre 3 / Dama 2 Oscar de la Fuente Caballo Negro / Prestidigitador Laia Duran Caballo Blanco 3 / Pastor Bobo / Dama 4 Irene Escolar Julieta / Estudiante 3 / Señora (Madre de Gonzalo) María Herranz Elena / Dama 5 Alejandro Jato Figura de Cascabeles (Enrique) / Traje Blanco de Arlequín / Estudiante 1 Jaime Lorente Figura de Pámpanos (Gonzalo) / Traje de Bailarina / Estudiante 4 David Luque Centurión / Enfermero Nacho Vera Criado Guillermo Weickert Caballo Blanco 2 / Dama 3 José Luis Torrijo Voz del Emperador Dirección Àlex Rigola Espacio escénico Max Glaenzel Iluminación Carlos Marquerie Vestuario Silvia Delagneau Música Nao Albet Colaboración dramatúrgica Eleonora Herder Ayudante de dirección Carlota Ferrer Iluminación Carlos Marquerie Escenografía Scenik y equipo de La Abadía Realización de vestuario Ángeles Marín y equipo de La Abadía Foto del cartel: David Ruano Producción: Teatro de La Abadía y Teatre Nacional de Catalunya Fechas y horarios: Del 25 de noviembre al 18 de diciembre De miércoles a viernes, 20:30h. Sábado, 18:30h. Domingo, 19:30h. en el TEATRO DE LA ABADÍA [button link="https://es.patronbase.com/_TeatroAbadia/Productions/16AD/Performances" newwindow="yes"]COMPRAR ENTRADA[/button] [learn_more caption="PRENSA" state="open"]- Álex Rigola estrena una imprescindible puesta en escena de El público - Miguel Gabaldón
- Tiritando bajo el polvo - Marcos Ordóñez
- "El público": ¿Para qué estamos aquí, amor? Para vivir - Antonio Hernández Nieto
- Cuando la doctrina desata su cabellera - El País
- Irena Escolar y Alex Rigola en Cultura en 24h.
- Atención obras - Alex Rigola se atreve con "El público"
- "El público": ¿Para qué estamos aquí, amor? Para vivir - Antonio Hernández Nieto ( Huffington Post)
https://www.youtube.com/watch?v=PztX27jgSiI&w=640&h=360 [/et_pb_text][/et_pb_column][/et_pb_row][/et_pb_section]
TEATROS DEL CANAL
El Príncipe de Maquiavelo Protagonizado por Fernando Cayo
Del 16 de octubre al 8 de noviembre en la Sala Negra de Los Teatros del Canal
FERNANDO CAYO protagonizará EL PRÍNCIPE de Maquiavelo. Con dirección de JUAN CARLOS RUBIO y producida por TALYCUAL PRODUCCIONES.
A partir de textos de las obras más conocidas de Maquiavelo
El príncipe de Maquiavelo funde textos de las obras más conocidas del autor italiano, dándole voz a un fascinante personaje para demostrarnos que el poder, de cualquier ideología y época, obedece siempre a las mismas reglas, sea cual sea el fin, sean cuales sean los medios.
500 años después, El príncipe sigue siendo objeto de debate. ¿Es un manual escrito para que los gobernantes sepan cómo manejar al pueblo o es un aviso al pueblo acerca de cómo somos manejados por los gobernantes? La ambigüedad es una constante en la obra y vida de Maquiavelo y no habría que diferenciar la una de la otra.
Tras su paso este verano por los mejores festivales de teatro clásico de este país, donde ha cosechado tanto el éxito de la crítica teatral como las ovaciones del público que ha agotado todas las localidades, llega El Príncipe de Maquiavelo, la primera adaptación al teatro de este ensayo filosófico que firma el prestigioso y reconocido dramaturgo Juan Carlos Rubio, quien además de convertir el texto político en una dramaturgia teatral se ha encargado de la dirección escénica del espectáculo.
Nicolás Maquiavelo, el escritor del texto originario y el protagonista de la función, es encarnado por uno de los mejores y más completos actores del panorama nacional, Fernando Cayo, quien da vida a este personaje a través de un monólogo que condensa en 70 minutos fragmentos de la obras de El Príncipe, Discursos sobre la primera década de Tito Livio, El arte de la guerra, La Mandrágora y correspondencia personal de Nicolás Maquiavelo.
SINOPSIS
Maquiavelo escribe El Principe en 1513 mientras se encuentra encarcelado. Su objetivo es mostrar como los príncipes deben gobernar, según las distintas circunstancias, y cómo pueden mantenerse exitosamente en su poder, a costa de cualquier acción. La conservación del estado obliga a obrar “contra la fe, contra la caridad, contra la humanidad y contra la religión”. Para ello se requiere dejar de idealizar gobiernos inexistentes y aceptar que el ejercicio real de la política contradice con frecuencia la moral y que jamás puede guiarse por ella. Cinco siglos después… ¿No es aterrador pensar que, pase el tiempo que pase, las reglas del poder son siempre las mismas…? En estos momentos de convulsión política, de mentiras, de corrupción, de abusos, echar una mirada al pasado nos puede ayudar a comprender mejor el presente. [caption id="attachment_14199" align="aligncenter" width="582"]
EL PRíNCIPE . Fotografía: Sergio Parra[/caption]
TALYCUAL PRODUCCIONES ha producido tres obras de Juan Carlos Rubio. Todas ellas, con gran éxito. RAZAS de David Mamet (2010), EL PEZ GORDO (2009), montaje con el que recibió diversos premios, como los tres que la Hispanic Organization of Latin Actors (H.O.L.A.) le concedió tras su paso por Nueva York y Miami. Así mismo recibió la nominación a Mejor Dirección en los premios ACE NEW YORK (Asociación Cronistas New York) . Y LAS HERIDAS DEL VIENTO (2013).
Por su parte, a Fernando Cayo le hemos visto recientemente en 'De ratones y hombres', 'Los hijos de Kennedy' y 'Rinoceronte'.
Tras su paso por el Festival de Teatro Clásico de Alcalá de Henares, EL PRÍNCIPE realizará una gira antes de recalar en los Teatros del Canal el 16 de Octubre.
FICHA
Autor: Nicolás Maquiavelo Versión y Dirección: Juan Carlos Rubio Actor: Fernando Cayo Espacio escénico: Eduardo Moreno Iluminación: José Manuel Guerra Vestuario : Derby 1951 Espacio sonoro: Sandra Vicente Asesor de voz: Vicente Fuentes Productor : Bernabé Rico Ayudante de dirección: Chus Martínez Fotografía y Diseño cartel: Sergio Parra Distribución: SEDA (Servicios Especializados en Distribución Artística) Producción: TALYCUAL Producciones Fechas y horarios: Del 16 de octubre al 8 de noviembre en la Sala Negra de Los TEATROS DEL CANAL Facebook: elprincipelaobra DESCARGAR DOSSIER[button link="https://entradas.teatroscanal.com/janto/?Nivel=Evento&idRecinto=TDC&idEvento=PRINCIPE"]COMPRAR ENTRADAS[/button]
EL PRÍNCIPE DE MAQUIAVELO_Clip_1 from TALYCUAL on Vimeo.
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La Celia / Ivanna Rossi[/caption]
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TEATRO MARQUINA
Teatro Maipo presenta
LA CELIA
de Santiago Castelo Dirección de escena: Emilio Sagi Con Ivanna Rossi
¡¡¡ 8 ÚNICAS REPRESENTACIONES !!! Del 16 de enero al 7 de febrero de 2017
Vuelve el exitoso musical homenaje a la vedette Celia Gámez
LA CELIA debutó en Madrid en el mes de octubre con éxito de público: todas las localidades para las funciones realizadas en los Teatros del Canal se agotaron. El 16 de enero LA CELIA regresa a Madrid.
Producida por el Teatro Maipo de Buenos Aires con mucho éxito durante dos temporadas: cosechó tres premios ACE, tres premios Hugo, dos premios Trinidad Guevara y un premio Florencio Sánchez. El 15 de octubre se estrenaba en la Sala Verde de los Teatros del Canal LA CELIA, un espectáculo musical escrito por Santiago Castelo, dirigido por Emilio Sagi y protagonizado por la cantante, actriz y bailarina argentina Ivanna Rossi. La actriz estará acompañada en escena por tres músicos y cuatro bailarinas. El espectáculo cuenta con los decorados de Daniel Bianco, la coreografía de Sibila y el vestuario de Renata Schussheim. Jordi López se ha encargado de los arreglos musicales. En una excepcional recreación de Celia Gámez, Ivanna Rossi hilvana sus éxitos, sus amores y sus escándalos con 14 de sus canciones más emblemáticas, entre las que se cuentan Los nardos, La novia de España, Copacabana, El Pichi, El beso y Luna de España. La joven vedette argentina Celia Gámez llegó a Madrid en 1925 con apenas 21 años y merced a un hecho fortuito se convirtió de la noche a la mañana en “La Celia”, estrella absoluta de la revista que reinó en los escenarios de España durante más de 50 años. En una excepcional recreación de ese personaje, Ivanna Rossi hilvana sus éxitos, sus amores y sus escándalos con 14 de sus canciones más emblemáticas. Ivanna Rossi es una conocida cantante, actriz y bailarina argentina que lleva subida a los escenarios desde los 4 años. Comenzó en un popular programa infantil que fue cantera de muchas estrellas y ahora es protagonista de musicales como Los miserables, Peter Pan, todos podemos volar, El hombre de La Mancha o Mina… che cosa sei?…Sobre Celia Gámez
Escrito por Santiago Castelo, este musical cuenta la vida de Celia Gámez, que con apenas 20 años y después de una corta temporada como cantante en el teatro Maipo de Buenos Aires, partió en 1925 hacia España acompañando a su padre a cobrar una herencia. Viajando en tren hacia Madrid, mientras cantaba tangos para divertir a los pasajeros, alguien que estaba organizando una gran fiesta benéfica la escuchó y, prendado de su voz y su simpatía, la contrató inmediatamente. A esa fiesta acudió nada menos que Alfonso XIII, el rey de España, quien cautivado por esa jovencita tan particular le facilitó el camino a una fama casi instantánea. Fama que perduró más de 50 años, durante los cuales fue la reina indiscutida del teatro, la revista y la zarzuela españolas, que apenas interrumpió un fugaz regreso a Buenos Aires, donde se refugió, huyendo de la Guerra Civil Española, hasta 1938, año en que regresó a España para continuar con sus triunfos. En 1984, ya retirada, regresó a su Buenos Aires natal, donde muy poca gente la conocía y donde después de actuar en un par de espectáculos, falleció en 1992 a la edad de 87 años, víctima del Alzheimer. [caption id="attachment_20528" align="aligncenter" width="699"] La Celia / Ivanna Rossi[/caption]
FICHA
Dirección de escena: Emilio Sagi Texto: Santiago Castelo Idea y producción artística: Lino Patalano Arreglos y dirección musical: Jordi López Diseño de espacio escénico: Daniel Bianco Diseño de vestuario e imagen: Renata Schussheim Diseño de iluminación: Juanjo Llorens Diseño coreográfico: Sibila Reparto: Jimena González, Virginia Kaufman, Virginia Módica, Pilar Rodriguez Rey. Voz: Ivanna Rossi Fechas y horarios: Del 16 de enero al 7 de febrero de 2017 Lunes y martes a las 19h. en el TEATRO MARQUINA [button link="http://bit.ly/2jdvwsg" newwindow="yes"]COMPRAR ENTRADAS[/button][/et_pb_text][/et_pb_column][/et_pb_row][/et_pb_section]
TEATRO DE LA ABADÍA
Guindalera Teatro presenta EL AÑO DEL PENSAMIENTO MÁGICO Del 16 al 27 de noviembre
El Año del Pensamiento Mágico es una historia real de amor y pérdida que la autora Joan Didion vivió, y con la que nos muestra su intento por encontrar un sentido a la muerte, la enfermedad, la memoria, la precariedad de la cordura y la vida misma.
- El 6 de mayo de 2015 se estrenó ‘El Año del Pensamiento Mágico’ en la Sala Margarita Xirgú del Teatro Español, obra basada en el best-seller de la autora norteamericana Joan Didion. La obra obtuvo excelentes críticas y en octubre se pudo ver en la Sala Guindalera.
- La actriz Jeannine Mestre se enfrenta a este complejo texto, bajo la dirección de Juan Pastor, en una nueva producción de Guindalera Teatro
- ‘El Año del Pensamiento Mágico’ es un texto conmovedor, sincero, irónico sobre una experiencia personal, que se convierte en universal
- La obra podrá verse en el Teatro de La Abadía del 16 al 27 de noviembre de 2016.
EL AÑO DEL PENSAMIENTO MÁGICO[/caption]
NOTA DEL DIRECTOR
El Año del Pensamiento Mágico es una historia real de amor y pérdida que la autora Joan Didion vivió, y con la que nos muestra su intento por encontrar un sentido a la muerte, la enfermedad, la memoria, la precariedad de la cordura y la vida misma. La protagonista nos relata los recuerdos más íntimos de su experiencia vital ante la pérdida de sus seres queridos, colocándonos un espejo encantado, como en un cuento de hadas, para que descubramos la verdad sobre nosotros mismos, lo que probablemente nos sucederá a lo largo de la vida. Y lo hace deslizándose suavemente sobre su pasado y presente, de forma conmovedora, sin sentimentalismos ni dramatismos, con ironía, humor mordaz y un extraordinario sentido musical en el uso de sus palabras, conformando una sonata rica en matices. Una experiencia intensamente personal que, no obstante, se convierte en algo universal. También provoca múltiples reacciones inesperadas, estableciendo una tensión entre lo que se dice y lo que no se dice, y por momentos lo que ocurre llega a ser gracioso, más gracioso de lo que podríamos esperar. Pero también llega a ser desconcertante, sobre todo si uno se pregunta por qué alguien tan obviamente inteligente aparece actuando de una forma tan estúpida.Juan Pastor
[author] [author_image timthumb='on']http://estaticos.elmundo.es/assets/multimedia/imagenes/2015/05/17/14318823653337.jpg[/author_image] [author_info]Jeannine Mestre,Trabajó para la televisión alemana durante dos años con Albert Boadella y José Luis Gómez. Con José Luis Gómez participó en Lysístrata, de Aristófanes (1972), Gaspar, dePeter Handke (1973) y Woyzeck, de Georg Buchner (1976). Posteriormente intervino, entre otros, en espectáculos como: Veraneantes, de Gorki (dir. Carlos Gandolfo, 1970); Antígona, de Jean Anouilh (dir. Miguel Narros, 1975); Sueño de una noche de verano, de Shakespeare (dir. David Perry, 1980); El mito de Edipo Rey, de Sófocles (dir. Stravros Doufexis, 1982); Don Álvaro o la fuerza del sino (dir. Francisco Nieva, 1984); Kabaret paratiempos de Krisis, de Karl Valentin (dir. Guillermo Heras, 1984); Savannah Bay, de Marguerite Duras (dir. Hermann Bonnín, 1986); Kvetch, de Steven Berkoff (dir. José Pascual, 1986); Motor, de Álvaro del Amo (dir. Guillermo Heras, 1988); Eclipse total, de Hampton (dir. Roberto Villanueva, 1988); Els gegants de la muntanya, de Luigi Pirandello (dir. Xicu Masó, Teatre Lliure, 1990); A la glorieta, de Jane Bowles (dir. Simone Benmussa, compañía de J. M. Flotats, 1992); Roberto Zucco, de B.‐M. Koltès (dir. Lluís Pasqual, Teatre Lliure, 1993); Lobas y zorras, de Francisco Nieva (dir. Juanjo Granda, 1998); Llanto por Ignacio Sánchez Mejías, de García Lorca (dir. Cristina Magnet, 1998); Los misterios de la ópera, de Javier Tomeo (dir. Carles Alfaro, 2000); Por un sí, por un no, de Nathalie Sarraute (dir. Luis Olmos, 2001); Coriolano, de Shakespeare (dir. Helena Pimenta, 2005); Flor de otoño, de Rodríguez Méndez (dir. Ignacio García, 2005); Trenes que van al mar, de Luis Araujo (dir. Carlos Martín, 2006); Función Beckett: La última cinta de Krapp,Qué palabra, Nana, Fragmento de Teatro II (dir. María Ruiz, 2006); Delirio a dúo, de Eugène Ionesco (dir.Salva Bolta, 2008 CDN); Tórtolas, crepúsculo y telón, de Francisco Nieva (Teatro María Guerrero 2008 CDN); La maquina de abrazar,de José Sanchis Sinisterra (dir Juan Pastor, 2010); La loba, de Lillian Hellman (dir Gerardo Vera, 2011). [/author_info] [/author]FICHA
Autor: Joan Didion Traducción: Juan Pastor Iluminación: Sergio Balsera Espacio escénico: Juan Pastor Vestuario: Teresa Valentín-Gamazo Ayudante de dirección: José Bustos Joyas: Chelo Sastre Telón dibujo: Antonio Pastor, digitalizado por David Benito Fotografía: Alicia González y David Benito Comunicación: Raquel Berini y Manuel Benito Jeannine Mestre interpreta a Joan Didion Una producción de GUINDALERA TEATRO S.L. Fechas y horarios: Del 16 al 27 de noviembre De miércoles a sábado, 19:30h. Domingos, 18:30h en el TEATRO DE LA ABADÍA DESCARGAR DOSSIER[button link="https://es.patronbase.com/_TeatroAbadia/Productions/16AF/Performances" newwindow="yes"]COMPRAR ENTRADA[/button]
[learn_more caption="PRENSA" state="open"]- La magia de Joan Didion se instala en el Teatro Español - ABC
- Sortilegio contra la pérdida - El País
- Jeannine Mestre como siempre: muy bien - El Mundo
- El Año Del Pensamiento Mágico - Jose Antonio Alba
- ‘El Año del Pensamiento Mágico’, o convivir con la pérdida - Hugo Álvarez
- El año del pensamiento mágico, Jeannine Mestre en el Teatro Español - Ábrete Sésamo
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TEATROS LUCHANA
K Producciones presenta
LA FLAQUEZA DEL BOLCHEVIQUE
de Lorenzo Silva Con Adolfo Fernández y Susana Abaitua
Viernes y sábado – 20:00 | Domingos: 19:30
K Producciones presenta La Flaqueza del Bolchevique. La adaptación teatral de David Álvarez de la novela homónima de Lorenzo Silva (finalista Premio Nadal 1997). En el 2003, Luis Tosar y María Valverde protagonizaron la adaptación cinematográfica de la misma.
La versión teatral que llega a los Teatros Luchana tras su paso por el Teatro Lara la pasada temporada está protagonizada por Adolfo Fernández ('Ejecución hipotecaria' Premio Max Mejor Autor Revelación) y Susana Abaitua.NOTAS DE DIRECCIÓN
¿El mal humor es humor? Si nos atenemos al malhumorado protagonista de La flaqueza del bolchevique, definitivamente sí. Poco importa que la versión teatral de la novela homónima tenga vocación de drama romántico frustrado. Que su condición “transgénero” le conduzca a la tragedia, para superarla. Que discurra cómodamente por terrenos cercanos a la sátira, la farsa y hasta el manifiesto sociopolítico. Al final, el humor puede con todo; el adjetivo “cómico” se adhiere con naturalidad a cualquier nombre previo. Uno de los caldos de cultivo más favorables para el humor es la hostilidad. El narrador de esta historia, de la que él mismo es parte activa, es un misántropo empedernido. Sus soflamas encendidas contra prácticamente todo, desde el deporte a la religión, pasando por la organización del trabajo, la autoridad o la industria automovilística, generan humor del bueno. Destilado en el alambique de la frustración y el desamparo. No siempre provoca risa. Son esas invectivas, además, una demanda desesperada de compañía, de comprensión y de amor. Cuando el amor aparece, con todos sus rasgos bien reconocibles, se esfuma al instante; en una pirueta trágica. O en una comparecencia del humor más negro. El grito se ahoga, pero sigue siendo grito. Y ese grito estaba pidiendo a gritos gritar en algún foro: un estrado, un púlpito o una esquina de Hyde Park. Nosotros hemos decidido darle el mejor de los espacios imaginables: un escenario. Adolfo Fernández y David ÁlvarezSINOPSIS
El protagonista y narrador de esta historia se empotra contra el descapotable de una irritante ejecutiva. Ciertamente, él se distrajo un poco, pero ella no tenía por qué frenar en seco ni escupirle todos los insultos del diccionario. Por ello, y para hacer soportables las tardes de aquel bochornoso verano, decide dedicarse “al acecho y aniquilación moral de Sonsoles”. Gracias al parte del seguro, consigue su teléfono, y así conoce a su hermana Rosana, una turbadora adolescente. Aunque no tiene ninguna fijación con las jovencitas, conserva un retrato de las hijas del zar Nicolás II. Le atrae especialmente la duquesa Olga y a menudo se pregunta qué debió sentir el bolchevique encargado de matarla. Sería ésta una obra absolutamente cómica si no fuera por el carácter inquietante que adquiere a medida que se complican las argucias del protagonista.
FICHA
Reparto: Adolfo Fernández y Susana Abaitua
Autor: Lorenzo Silva
Adaptación: David Álvarez
Dirección: Adolfo Fernández y David Álvarez
Diseño de escenografía: José Ibarrola
Iluminación: Pedro Yagüe
Sonido y música original: Mariano Marín
Servicios técnicos: TARIMA Logística de Espectáculo
Fotografía: Sergio Parra
Diseño gráfico: Minim Comunicación
Prensa y comunicación: María Díaz
Producción ejecutiva: Cristina Elso
Distrubución: Emilia Yagüe Producciones
Fechas y horarios: Viernes y sábado – 20:00 | Domingos: 19:30 en los TEATROS LUCHANA
DESCARGAR DOSSIER
[button link="http://bit.ly/2irYALR" newwindow="yes"]COMPRAR ENTRADAS[/button]
[learn_more caption="PRENSA" state="open"]
- “La flaqueza del bolchevique”: teatro de alta tensión y fascinante sensualidad - Horacio Otheguy Riveira (Culturamas.es)
- De flaquezas y de bolcheviques - Pepita la Nuit (Cosmopolitan)
- 'La flaqueza del bolchevique', ajustada e interesante adaptación al teatro de la novela de Lorenzo Silva - José-Miguel Vila (Diariocrítico.com)
- ‘La flaqueza del bolchevique’, a escena - El País
- “LA FLAQUEZA DEL BOLCHEVIQUE” AHORA EN TEATRO. - Coral Igualador Poveda (Revista Tarántula)
- Adolfo Fernández en Hora 25 - Cadena Ser
https://www.youtube.com/watch?v=SNqTwigUtDY&w=640&h=360 [/et_pb_text][/et_pb_column][/et_pb_row][/et_pb_section]
presentan
CERVANTINA
Basado en textos de Miguel de Cervantes Versión: Ron Lalá
TEATRO SALÓN CERVANTES
"¿Quién pondrá rienda a los deseos?" Cervantes (Novelas ejemplares)
Aliados de nuevo con La Compañía Nacional de Teatro Clásico, Ron Lalá continúa homenajeando a Cervantes con CERVANTINA.
SINOPSIS
Cervantina es una nueva aproximación de Ron Lalá al universo del mayor autor de nuestras letras.
Una fiesta de piezas breves que reúne sobre el escenario las adaptaciones “ronlaleras” de diversas Novelas ejemplares, entrelazadas con las escenas más hilarantes de los Entremeses, fragmentos de las novelas ejemplares incluidas en el Quijote, además de piezas menos conocidas como el Persiles, la Galatea, el Viaje del Parnaso...
Una celebración del mejor Cervantes, eterno y cercano, con sabor al inconfundible sello de Ron Lalá.Después del rotundo éxito internacional de En un lugar del Quijote, la compañía da un pso más en su exploración del mundo literario cervantino a través de las herramientas de su lenguaje escénico: el humor, la poesía, el ritmo desenfrenado, la música en directo... Un diálogo abierto y sin complejos para contagiar a los espectadores la risa inteligente, sensible y honda de Miguel de Cervantes.
NOTA DEL DIRECTOR
Es tiempo de Cervantes. Su defensa de la libertad de acción y pensamiento, su ironía permanente y su lucidez casi premonitoria, tan necesarias en cualquier edad y época, dan fondo a sus mejores páginas, que parecen escritas hoy. Casi mañana. Cervantina propone una inmersión en esas páginas para redescubrir junto al espectador todos sus tesoros de gracia y hondura. Nuestro desafío es transformar en piezas breves, escenas, monólogos y canciones la flor y nata de una escritura inagotable. Mujeres libertarias, viejos celosos, pícaros caballerescos, perros que hablan, y hasta un licenciado que cree ser de vidrio. Cambios de nombre, de género, de estamento, de vida. Personajes que evolucionan y revolucionan. Todo muta en este mundo que parece de agua y aire. El agua que se arremolina, confunde, se desenreda y discurre en las múltiples tramas. El aire que fluye sobre nuestras cabezas y nos regala personajes que flotan en el tiempo, y que encontramos hoy en cualquier rincón habitado por hombres y mujeres, viejos o jóvenes. El desafío de Ron Lalá consiste en transformar en piezas breves, escenas, monólogos y canciones la flor y nata de la amplia literatura cervantina. Compartir con los espectadores, a través del permanente juego del teatro, la alegría amarga, la sonrisa aguda, la belleza del idioma desencadenado y sobre todo, la resistencia del pensamiento libre, a pesar de los prejuicios sociales de un país al borde de la(s) ruina(s). A lo largo de sus años y de los siglos, Cervantes, nuestro más profundo y esencial humanista, resiste y persiste en el discurso de la mejor virtud civil: el justo ejercicio del libre albedrío. Es tiempo de Cervantes.Yayo Cáceres
[caption id="attachment_21133" align="aligncenter" width="600"]
Íñigo Echevarría, Miguel Magdalena, Juan Cañas, Daniel Rovalher, Yayo Cáceres y Álvaro Tato[/caption]
- Vecinos y vecinas, ¡ya viene en camino la cervantina! - El País
- La sala - 'Cervantina', de Ron Lalá
- Ron Lalá reivindica la modernidad de Cervantes en 'Cervantina' - Las mañanas de RNE
- Cervantes sin caspa - Eldiario.es
- Que viva España, manos arriba - El País
- Concentrado chirigótico de Cervantes - Liz Perales (El Cultural)
- Cervantes, el virus de la libertad - Javier Villán (El Mundo)
LA PUERTA ESTRECHA
Viernes a las 21h.
¿Cómo sería tu vida si desde que naces supieras cuando vas a morir?
“En la mitología griega, ANANKE era la personificación de la inevitabilidad, la necesidad, la compulsión y la ineludibilidad. Ananké estuvo entrelazada con su compañero, la personificación del tiempo Chronos. Juntos dividieron la material sólida en sus partes constituyentes (tierra, cielo y mar), provocando así la creación del universo ordenado.
Ananké y Chronos permanecieron eternamente entrelazados como las fuerzas del destino y el tiempo que rodean el universo, guiando la rotación de los cielos y el interminable paso del tiempo”
El sábado 24 de octubre de 2015 se estrena en Madrid la obra de ficción ANANKE. La nueva producción de Think Twice se podrá ver en el Teatro La Puerta Estrecha desde el 24 de octubre.
ANANKE es una producción propia de Think Twice, supone su debut teatral en Madrid y una continuación a un cortometraje realizado y producido en Londres con el mismo título y temática. Había tanto material para desarrollar en este mundo tan especial al que nos traslada la historia de ANANKE, que con tan interesante premisa decidieron extenderlo y llevarlo a las tablas. Eva Nieto y Bea Poey son Think Twice. Se conocieron hace cuatro años en Londres. Desde ese momento, juntas han dejado volar su imaginación en distintos proyectos creando universos únicos no sólo con sus guiones, sino también a nivel visual en sus historias. Siempre trabajando en la búsqueda de nuevos retos y sobre todo, con la firme vocación de conseguir un buen espectáculo. Sin dificultad, se mueven entre diversas disciplinas artísticas explorando las posibilidades del videoarte, la performance, el cortometraje, la publicidad y, más recientemente, el teatro. Eva y Bea vuelven a su ciudad natal para contribuir, en este caso, con un pequeño grano de arena al teatro madrileño. El reparto lo forman Enrique Alcides, Begoña Mencía, Rodrigo H., Chus Pereiro, Susana Cerro y David Pareja.SINOPSIS
Nos transportamos a un hipotético futuro en el cual en el momento que nacemos también sabemos la fecha exacta de nuestra muerte. Es ciencia ficción, un género poco común en el teatro y por ello mismo, una oportunidad nueva y diferente de experiencia teatral. ANANKE nos habla de un mundo diferente, donde sus habitantes aprenden a vivir conociendo la fecha exacta de su muerte. A través de sus personajes conoceremos este fascinante mundo en el cual la muerte y la vida se afrontan de una manera completamente diferente a la que nosotros conocemos. Una mezcla entre realidad y ficción que no deja indiferente. Un argumento sobre el destino y lo inevitable. [caption id="attachment_24162" align="aligncenter" width="697"]
Ananke[/caption]
FICHA
Dirección y dramaturgia: Bea Poey y Eva Nieto Ayudante de dirección: Fernando N. Vengut Escenografía: Sofía Lastra Coreógrafo: Aleix Mañe Sáez Asesoramiento Sonido: Jesús Espada Zaragoza Asesoramiento iluminación: CMarcos G. Núñez Reparto: Enrique Alcides, Begoña Mencía, Rodrigo H., Chus Pereiro, Susana Cerro y David Pareja. Una producción de Think Twice Fechas y horarios: Desde el 24 de octubre de 2015 Viernes a las 21h. en LA PUERTA ESTRECHA [button link="http://www.atrapalo.com/tracking/A2-11428809-3-ficha/entradas/ananke_e303757/" newwindow="yes"]COMPRAR ENTRADA[/button]TEATRO KAMIKAZE
Kamikaze Producciones y MamaFloriana presenta
JUICIO A UNA ZORRA
Texto y Dirección: Miguel del Arco Con Carmen Machi
Del 19 al 29 Julio 2018
Juicio a una zorra es el mónologo de Helena de Troya, la Bella Helena, escrito y dirigido por Miguel del Arco e interpretado por Carmen Machi.
Juicio a una zorra, de Miguel del Arco. Estrenada en el Festival de Teatro Clásico de Mérida, JUICIO A UNA ZORRA regresa a Madrid con el Premio Valle-Inclán de Teatro y el Premio Ercilla, entre otros, bajo el brazo. Y lo hace en el Teatro Kamikaze, donde se podrá ver Del 19 al 29 Julio 2018. Miguel del Arco reescribe el mito clásico en un monólogo apasionado e intenso que nos presenta a una Helena ansiosa por reivindicar su dignidad. › Juicio a una zorra. Texto publicado por Ediciones Antígona. Un monólogo apasionado, deslenguado e intenso donde Helena de Troya, “la mujer más vilipendiada de la historia”, reivindica su dignidad y nos cuenta los acontecimientos que desencadenaron la Guerra de Troya apelando a la verdadera causa de su delito: “Yo solo tomé una decisión: amar a un hombre por encima de todo”.NOTA DEL DIRECTOR
Helena de Troya es, posiblemente, una de las mujeres más vilipendiadas de la historia. Lleva sobre sus hombros el peso de haber desencadenado la guerra más famosa de la antigüedad. Helena es un personaje sobradamente conocido. Sabemos que fue prometida a París a cambio de que él declarara que Afrodita era la más hermosa de las tres diosas en litigio, nos han contado el irresistible furor que produjo que huyera con Paris, es mítica su belleza divina… Pero en todos los episodios aparece como un personaje secundario. Un personaje que desencadena acciones de las que nunca es protagonista. Los poetas de la antigüedad la utilizaron para ensalzar el valor o la virtud de los héroes enloquecidos bajo el influjo de su peligrosa belleza, o para contrastar la situación de las mujeres a las que la lujuria y avaricia de Helena convirtió en víctimas. Si alguna vez algún poeta le dio voz, fue para ampliar los motivos para maldecirla. Fue maldecida por griegos y troyanos convencidos de haber sido arrastrados por su culpa a una guerra interminable. Por griegas y troyanas por ser la causa de la muerte de sus maridos y sus hijos. Y a partir de entonces, maldecida por la historia como representación de la mujer interesada e infiel. Helena se nos aparece desde “este limbo imperecedero en el que la coloca la imaginación de los hombres”. Un lugar al que ha sido condenada por la historia… por cómo ha sido contada la historia. Condenada también por ser la hija de Zeus, su única hija con una mortal, y por su insolente acercamiento a la belleza divina. Y así como Sísifo fuera condenado a subir eternamente una roca por la ladera de una montaña, Helena, lo fue al eterno deterioro: “una eternidad de fealdad para expiar sus culpas”. Pero ella se revuelve contra dios. Y se somete al juicio de los hombres con el único objetivo de “dejar de ser”. Un juicio en el que sabe que ha sido condenada de antemano. Pero la acumulación de dolor… y la cantidad de tiempo libre que deja la eternidad… la llevan a abordar su propio proceso. Pero esta vez quiere contar la historia con sus propias palabras. Esta vez será Helena quien elija las palabras que den forma a los hechos. Helena reivindica la necesidad de revisar quién escribe la historia. La suya, es la historia de una mujer enamorada que tomó una sola decisión en su vida: la de seguir al hombre que amaba. Se presenta ante nosotros, aquí y ahora, una Helena trasnochada, lenguaraz, borracha como una cuba por la necesidad de beber permanentemente la droga mezclada con el vino que ofreciera a Telémaco para aplacar su dolor. Una Helena sin miedo. Con ese valor que da el estar de vuelta de casi todo y no tener nada que perder. Una Helena convertida en una “ruina del tiempo”. Una Helena que desafía a los hombres y desafía a Dios. Una Helena que reclama el olvido. Las fuentes han sido muchas: La Ilíada, La Odisea, Las Troyanas, Helena de Eurípides… pero una vez asumidas dejé que la voz de Helena se hiciera fuerte con Carmen Machi en mi imaginación. La Machi es capaz de todo. Tiene todos los registros conocidos e incluso algunos de su única y exclusiva propiedad. Su registro cómico lo ha hecho sobradamente conocido la televisión pero, tal vez, no todos conozcan su registro trágico, ese capaz de hacer volar las palabras para hacer que el alma experimente una pasión propia con motivo de la felicidad y la adversidad en asuntos y personas ajenas.Miguel del Arco
JUICIO A UNA ZORRA ©Sergio ParraSINOPSIS
Juicio a una zorra Ante una larga mesa ceremonial repleta de botellas de vino y copas de cristal aparece una mujer de cabellera rubia, vestido rojo y tacones de vértigo. Es Helena de Troya, también conocida como Helena de Esparta, Helena la argiva, Helena la aquea o Helena la zorra. Porque quien ha pasado a la historia como la mujer más hermosa que ha pisado la Tierra, cuya inalcanzable belleza desencadenó la más célebre guerra de la Antigüedad, es también una de las mujeres más vilipendiadas que recuerdan las crónicas, la adúltera reina de Esparta. Al menos esa es la versión oficial. Pero ha llegado el momento de que la mirada femenina reescriba su propia versión del mito. “Yo solo tomé una decisión, posiblemente la única que tomé en mi vida. La de amar a un hombre por encima de todas las cosas. Los hechos que le siguieron fueron decisiones de hombres poderosos obsesionados con la posteridad y la riqueza”. Carmen Machi asalta el escenario para reclamar el derecho a elegir las palabras que conformen la historia de Helena y comparecer ante el público en busca de justicia. La mujer fatal que otros inventaron se convierte aquí en una reina marcada por el tiempo, el alcohol y el dolor que nos cuenta los acontecimientos que desencadenaron la Guerra de Troya, ajusta cuentas con Teseo y Menelao, reprocha sus actos a Agamenón, Ulises y Aquiles, y desafía al mismísimo Zeus, de quien ya no teme ni sus rayos. Y siempre con Paris, su único amor, en el recuerdo. “Esta noche voy a someterme voluntariamente a vuestro juicio a pesar de haber sido condenada de antemano. Pero esta noche las palabras que den forma a los hechos serán las mías”, explica Helena. Y levanta su copa de vino como si lanzara un brindis al cielo. [gallery ids="67784,40783,20482"]FICHA
Texto y dirección Miguel del Arco Música Arnau Vilà Iluminación Juanjo Llorens Sonido Sandra Vicente (Studio 340) Peluquería Sara Álvarez Fotografías Sergio Parra Producción Aitor Tejada Con Carmen Machi Una producción de Kamikaze Producciones y MamaFloriana Fechas y horarios: Del 19 al 29 Julio 2018 en el TEATRO KAMIKAZEEs un delito perderse esta función, donde CARMEN MACHI (por si alguien lo dudaba) obliga que a partir de ahora a que su nombre sea escrito en mayúsculas.
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- Entrevista a Carmen Machi - Atención obras
- Carmen Machi, patrimonio nacional - Marcos Ordóñez
- Carmen Machi, 'Juicio a una zorra' - El Ojo Crítico
- Excelsa Carmen Machi en ‘Juicio a una zorra’ - José Miguel Vil
TEATRO DE LA ZARZUELA
GALANTEOS EN VENECIA
DEL 10 AL 30 DE OCTUBRE
Zarzuela en tres actos de LUIS OLONA Música de FRANCISCO ASENJO BARBIERI Dirección musical CRISTÓBAL SOLER/JOSÉ SANCHÍS Dirección de escena PACO MIR
La historia transcurre en la Venecia del siglo XVI entre personajes disfrazados, conspiraciones y engaños. Se trata de una obra que mezcla escenas de intenso drama romántico con chispeantes situaciones de sainete y con el trasfondo político, siempre en un segundo plano, de las guerras rutinarias de la época entre venecianos y turcos.
Galanteos en Venecia se estrenó en el Teatro del Circo de Madrid en las Navidades de 1853. Entonces la música de Barbieri fue muy apreciada, por lo que se representó durante cerca de veinte años, incluso en Hispanoamérica. Esta será pues su primera recuperación desde aquellos años. Francisco Asenjo Barbieri, el compositor, ya dijo en su día lo mucho que le había gustado su resultado final. Su ambientación veneciana le ayudó a enriquecer su estilo, potenciando los elementos italianos. Muestra un gran empeño en adaptar la música a la letra, logrando una elegante estructura en las frases musicales y su partitura deja clara, una vez más, la calidad de su orquestación. Toda la prensa alabó la labor de Barbieri. En una curiosa mezcla, se había producido el encuentro de la nueva tradición lírica española con el mundo italiano. En definitiva, este desconocidísimo Barbieri tendrá aquí una segunda oportunidad de la mano de Cristóbal Soler y de Paco Mir, convertido en un «trepidante espectáculo del siglo XXI».ARGUMENTO
ACTO PRIMERO La ciudad de Venecia celebra una nueva victoria naval, y en medio de las fiestas se produce un confuso enredo por las excesivas galanterías de los soldados. El Conde Grimani, general veneciano, corteja a la joven Laura, haciéndose pasar por un conspirador necesitado de ayuda. Su esposa disfrazada (la Condesa Grimani) pretende sorprenderle en sus galanteos para lo que se aprovecha de don Juan, un capitán español que persigue a la misteriosa dama. La joven Laura cuida de su padre ciego, Marco, con la ayuda del alocado Pablo que ejerce como lazarillo del antiguo marino. Andrés, su prometido, regresa victorioso de las regatas y Laura le demuestra su fidelidad enseñándole la cruz de su madre que le dejó al partir. Cae la noche y tras el paso de la ronda, el Conde Grimani y don Juan comienzan a cantar simultáneamente bajo el balcón de Laura; sorprendidos se retiran sin reconocerse. Laura acude a su cita para ayudar al Conde, pero se desmaya al descubrir que el embozado es don Juan. El capitán español pide a Genaro, el criado del Conde, que le ayude a llevársela, pero este decide ser fiel a su señor y se la lleva al palacio. ACTO SEGUNDO Se celebra una fiesta en el palacio del Conde Grimani. La Condesa consigue entrar disfrazada gracias a la ayuda de Pablo, quien aprovecha las bromas de los cortesanos para emborracharse. Todos buscan a la misteriosa dama sin encontrarla. Don Juan se encuentra con la Condesa y piensa que es la desaparecida Laura, pero cuando aparece el Conde desvela su identidad ante la sorpresa de su marido y el desconcierto del capitán español que la presentaba como su conquista. Genaro entrega al Conde la cruz que perdió Laura cuando fue raptada, quien arrepentido promete liberarla. Su novio Andrés llega al palacio acompañado de Marco para solicitar al Conde el ascenso prometido. Al descubrir la cruz estalla enrabietado rechazando a su novia y ofendiendo al Conde, ante el desconcierto general. Don Juan defiende a Laura intentando así vengarse del Conde. En medio de la pelea aparece inesperadamente la Condesa que deja a Laura que se escape con don Juan. ACTO TERCERO Cubierta de la nave de don Juan, anclada en mar abierto junto a Venecia, donde el capitán español ha escondido a Laura y Andrés, huidos de la persecución del Conde. También han capturado a la Condesa con Pablo, acusados de espionaje. Laura llora porque su novio está dispuesto a volver a la guerra despechado para alejarse de ella. La Condesa aclara a don Juan su confusión, desvelando que es la esposa de su galanteador rival. Cuando llega el Conde dispuesto a asaltar la nave, don Juan intercede y todo termina felizmente, con la reconciliación de los jóvenes novios y la noble pareja. Don Juan se despide regresando a España, mientras se aleja en su barco.FICHA
Dirección musical: Cristóbal Soler / José Sanchís
Dirección de escena: Paco Mir
Escenografía: Juan Sanz y Miguel Ángel Coso
Vestuario: Ana María Güell
Iluminación: Nicolás Fischtel
Coreografía: Fuensanta Morales
Ayudante de dirección: Carmen Rosa
Ayudante de vestuario: Nuria Cardoner
Ayudante de iluminación: Tito Sainz de la Maza
Orquesta de la Comunidad de Madrid
Titular del Teatro de La Zarzuela
Coro del Teatro de La Zarzuela
Director: Antonio Fauró
Reparto: José Antonio López, Juan Manuel Padrón, Carlos Cosías, Cristina Faus, Sonia de Munck, Fernando Latorre, Antonio Torres, Santiago Nogués, Jacobo Muñoz, Adolfo Pastor, Pepín Tre.
Fechas y horarios: Días 10, 11, 13, 14, 17, 18, 21, 22, 24, 25, 27, 28 y 30 de octubre de 2015
20:00 horas (domingos a las 18:00 horas) en el TEATRO DE LA ZARZUELA
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TEATRO ESPAÑOL
Del 15 de octubre al 6 de diciembre
La actriz Carme Elias se atreve con su primer monólogo al reencarnar a Diana Vreeland, la famosa editora de moda en Harper’s Bazaar y Vogue. Al Galope es una traducción realizada por Jordi Sellent del texto original, Full Galop, de Mark Hampton y Mary Louise Wilson. La dirección corre a cargo de Guido Torlonia. Teatre Akadèmia se atreve con este proyecto gracias al apoyo y a la financiación de Elsa Peretti Foundation. La modelo y diseñadora Elsa Peretti, su presidenta, pudo conocer en persona a Diana Vreeland. Fue iniciativa suya el llevar a escena esta obra. Al Galope es una obra de teatro basada en la vida de Diana Vreeland, editora de las publicaciones Harper’s Bazaar y Vogue. El texto, en formato de monólogo, es el retrato de Vreeland en un punto de inflexión de su vida, cuando vuelve a Nueva York después de cuatro meses de viaje por Europa. Al Galope es una brillante y corrosiva obra escrita por Mark Hampton y Mary Louise Wilson sobre la vida de la famosa, excéntrica y poderosa periodista de moda que, desde la mitad de los años treinta estuvo en el centro de la vida neoyorkina e internacional. La versión original de Al Galope, titulada Full Gallop, se estrenó en el off Brodway en 1995, con una de sus autoras, Mary Louise Wilson, en el papel de Diana Vreeland. Entre 1995 y 1996 también se estrenó en Londres y París. El año 1997 se estrenó la versión italiana en el Teatro Goldoni de Florencia, dirigida por Guido Torlonia e interpretada por Adriana Asti. No se estrenó más fuera de los Estados Unidos hasta esta nueva versión catalana, que vuelve a Europa después de 15 años, en motivo del éxito del documental sobre Diana Vreeland The eye has to travel, de Lisa Immordino.SINOPSIS
AL GALOPE es un retrato de esta singular mujer en forma de monólogo. Nos situamos en agosto de 1971, en el apartamento de Vreeland en Park Avenue. Ella acaba de llegar de un viaje por Europa, que inicia después de ser despedida de Vogue. Decide organizar una cena improvisada deseando que uno de sus invitados la financie una revista propia. [caption id="attachment_20407" align="aligncenter" width="706"]
AL GALOPE[/caption]
FICHA
Dramaturgia: Mark Hampton y Mary Louise Wilson. Dirección Guido Torlonia Traducción Joan Sellent Diseño de escenografía Ramon B. Ivars Diseño de vestuario Andrés Andreu Diseño de iluminación David Bofarull Caracterización Eva Fernández Voz de Yvonne: Elsa Peretti. Interpretación: Carme Elias. Una producción de Teatre Akadèmia Patrocinado por Nando Peretti Foundation / Elsa Peretti Foundation. Con la colaboración del Departament de Cultura de la Generalitat de Catalunya. Fechas y horarios: Del 15 de octubre al 6 de diciembre de 2015 De martes a domingo 20.30h. Domingos 19.30h. en la Sala Margarita Xirgu del TEATRO ESPAÑOL [button link="https://www.ticketea.com/entradas-teatro-espanol-al-galope/?a_aid=AFFPAP-madridesteatro&a_bid=d191752a"]COMPRAR ENTRADAS[/button]Callao City Lights
GOYO JIMÉNEZ - EN VERDAD OS DIGO. MONÓLOGO en MADRID
Viernes y sábados hasta el 29 de abril en el Callao City Lights de Madrid
EN VERDAD OS DIGO es el 4º show de stand-up comedy escrito y dirigido por Goyo Jiménez. Estrenado hace años en La Chocita del Loro de Gran Vía. Se puede ver los viernes y sábados a las 23:30h. en Callao City Lights. Un espectáculo que gustará a mujeres y hombres, de todo género y condición, jóvenes, mayores, de media edad, altos o bajos, gordos o flacos, honestos o presuntos, con más o menos pelo. Ríete de las relaciones de pareja con uno de los humoristas más reconocidos del momento. Como autor y director de teatro, ha escrito y/o dirigido doce producciones, de las que ha se han realizado más de novecientas representaciones. A estas hay que unir sus cinco espectáculos de stand-up comedy, titulados: Aiguantulivinamerica, Pasado Imperfecto, Al Fin Solo, En Verdad os digo y Evoluzión. Goyo Jiménez regresa con su espectáculo, inédito en televisión, y titulado En verdad os digo. El considerado por público y crítica como mejor monologuista cómico del país, deleitará al público con su sorprendente, mordaz y desternillante visión de la realidad y de cómo nos engañan constantemente, sin nocturnidad ni alevosía. En palabras del autor: ¿Estás harto de que te mientan constantemente? ¿Cansado de que te sueltan patrañas cada dos por tres? ¿Hastiado de que te engañen como a un chino, cuando además todos sabemos que esa expresión es incierta, pues a los chinos no se les engaña con facilidad, a no ser que seas otro chino, el chino que manda en China, quiero decir, ése que los tiene a todos engañados? Si la respuesta es afirmativa, éste es tu espectáculo, porque gracias a En verdad os digo aprenderás no sólo a darte cuenta de cuándo te la están dando con queso, sino a escaquearte de las consecuencias de la mentira. ¡Incluso aprenderás a vengarte del cabroncete que te la quería colar, soltándole tú una bola aún más gorda! ¡No lo dudes! Ven a ver En verdad os digo y notarás como tu vida mejora sustancialmente, y como, además, te vuelves más guapo, más saludable y sales DEFINITIVAMENTE de la crisis. Y, si no es así, ¡juro que te devolveré el dinero!* *(LÉASE RÁPIDO Y CON VOZ DE ANUNCIO DE MEDICAMENTOS) Esta publicidad es subjetiva y no debe ser interpretada al pie de la letra. Puede que no salgas más guapo, ni más saludable, ni salgas definitivamente de la crisis. Lo único definitivo es que no de devuelve el dinero. Gracias. Fechas y horarios: Viernes y sábados a las 23:30h. Callao City LightsTEATRO GALILEO
Del 20 de septiembre de 2015 al 3 de enero de 2016
Cantatoo y los rescatadores de la música. Un fantástico musical familiar lleno de emoción y divertidas canciones, en que los niños, junto a los protagonistas, vivirán aventuras y sorpresas que les entusiasmarán. ¡Aprender y disfrutar entre risas y música!
Cantatoo y los rescatadores de la música es una idea original y música de Juan Manuel Alonso, dirección y texto del gran Alberto Frías que también ejerce de actor principal junto a Beatriz Fernández y Pablo Gallego. Coreografía de Javier Caraballo. Cantatoo está realizado por un nutrido grupo de creadores, psicólogos, logopedas y educadores, pensando en la Educación Infantil y en la música como herramienta para el aprendizaje.