Histórico
Obras que estuvieron en cartel y que ya forman parte de nuestra amplia base de datos
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TRAILER 300 EL X 50 EL X 30 EL (ENG) from Toneelhuis on Vimeo. [/et_pb_text][/et_pb_column][/et_pb_row][/et_pb_section]
TEATROS DEL CANAL
FC Bergman / Toneelhuis presenta
300 EL x 50 EL x 30 EL
11 y 12 de noviembre de 2016 a las 20 horas
Teatro y cine se entrelazan en un lenguaje que sacude directamente en las tripas
El estreno absoluto de 300 el x 50 el x 30 el tuvo lugar el 28 de enero de 2011 en Amberes y la pieza no ha dejado de girar alrededor de todo el mundo desde entonces. Los días 11 y 12 de noviembre se podrá ver en la Sala Roja de los Teatros del Canal dentro de la programación del Festival de Otoño a Primavera de la Comunidad de Madrid. “300 el × 50 el × 30 el es la historia de un grupo de personas, de una comunidad que trata de dar respuesta a la pregunta de qué es un colectivo o cómo la gente vive en sociedad, pero lo hacen de una manera bastante fundamentalista. Habla de religión. Y del miedo a perder el control sobre nuestras propias vidas. Pero debemos decir que se trata de un proyecto inusual para FC Bergman, porque es nuestra pieza más narrativa hasta la fecha. La “viabilidad de la vida” es otro de los asuntos que se abordan casi literalmente en 300 el x 50 el x 30 el. El protagonista principal, un soldado solitario, cree que puede manejar el destino con sus propias manos. Los demás no. Los demás no se hacen responsables de sus propias vidas porque creen que eso es algo que está fuera de su alcance. En FC Bergman, nos sentimos más conectados con el soldado, que intenta controlar su vida, aunque sepa que no va a ser posible. Al final, eso es exactamente lo que vemos: que nunca funciona. Es una historia maravillosa, sabemos él no va a tener éxito, pero también vemos que lo está intentando”.Thomas Verstraeten & Stef Aerts
FC Bergman creó 300 el x 50 el x 30 el para el Antwerpse Kleppers Festival de 2011 en el corto plazo de un mes. Con un elevado número artistas invitados, seis extras y una población entera sobre el escenario, el colectivo belga -considerado como una de las formaciones más interesantes de la escena contemporánea europea de los últimos tiempos- sacó a escena un pueblo unido por la amenaza de una inminente inundación. Lo que ocurre dentro de las casas se muestra en una gran pantalla. Teatro y cine se entrelazan de forma espectacular y hablan un lenguaje que te sacude directamente en las tripas. Un evento en vivo toma forma, un espectáculo visual se desarrolla. Ningún esfuerzo ha sido poco para poner en pie 300 el x 50 el x 30 el. Una población entera rodeada por un oscuro bosque de pinos envueltos por la niebla ha sido construida sobre el escenario. Con la mirada fija en el público, un pescador se sienta inclinado sobre un estanque. La luz se funde con las pequeñas casas de madera y le imprime un resplandor íntimo a la escena. El olor de las hojas esparcidas sobre el suelo se siente entre la audiencia y, durante un instante, parece como si el mundo real estuviera allí adentro. Un equipo de vídeo se pasea por el borde del escenario, permitiendo que el público pueda ser testigo de lo que ocurre dentro de las casas a través a tres grandes pantallas. Vemos a un anciano en la cama y una cena familiar en la que se masca la tragedia; a una pareja que ha perdido todo síntoma de inhibición el uno frente al otro y a varios amigos que experimentan con juegos sádicos con el más vulnerable del grupo. Todas son situaciones extremas: divertidas y exageradas, pero también repulsivas. Encierran la verdad de una sociedad que todos reconocemos como muy parecida a la nuestra. La gente de esta pequeña y hermética comunidad aguarda ansiosamente una inundación. Esta espera hace que afloren aspectos de su carácter que normalmante la gente prefiere mantener ocultos para sí misma. Un estado de ánimo sombrío y varias escenas inteligentes aunque también desagradables ayudan a crear una atmósfera siniestra. Como si se tratase de un thriller, la cámara sigue a una joven mientras se adentra en el oscuro bosque, a través de las ramas y de la niebla, con una luz blanca deslumbrante que ilumina su cara distorsionada. Las imágenes son impresionantes y hermosas. Una sensación de malestar desciende sobre la audiencia, se posa en todas partes y nos inquieta, aunque los intérpretes nos arrancan también carcajadas gracias a su audacia.
FICHA
Producción: FC Bergman Creación e interpretación: Stef Aerts, Joé Agemans, Bart Hollanders, Matteo Simoni, Thomas Verstraeten y Marie Vinck Intérpretes invitados: Wim Verachtert, Paul Kuijer, Gert Portael, Herwig Ilegems, Shana Van Looveren, Celine Verbeeck, Marijke Pinoy, Gert Winckelmans, Ramona Verkerk, Arne Focketeyn, Flor Decleir, Matthieu Sys, Luc Agemans y Cas van Neef Vestuario: Judith Van Herck Cámara de vídeo: Thomas Verstraeten Director de producción: Celine van der Poel Director de producción técnica: Ken Hioco Técnicos de escenografía: Niels Antonissen, Kobi Gruyaert y Fik Dries Iluminación: Henk Vandecaveye Sonido y vídeo: Paul Van Caudenberg Escenografía: FC Bergman Productor ejecutivo: Toneelhuis Duración aprox: 1 hora y 10 minutos Fechas y horarios: Días 11 y 12 de noviembre de 2016, a las 20 horas en los TEATROS DEL CANAL [button link="https://entradas.teatroscanal.com/janto?Nivel=Evento&idRecinto=TDC&idEvento=300FOPTC2016&id_origen=MET" newwindow="yes"]COMPRAR ENTRADAS[/button]TRAILER 300 EL X 50 EL X 30 EL (ENG) from Toneelhuis on Vimeo. [/et_pb_text][/et_pb_column][/et_pb_row][/et_pb_section]
ESPACIO GUINDALERA
presenta
JUAN SIN MIEDO
Versión de Álex Tormo a partir del cuento de los Hermanos Grimm
Sábados a las 17:00h
La Caja del Terror inaugura su programación infantil con un cuento de los Hermanos Grimm sobre el miedo, el amor y la responsabilidad que conlleva crecer: Juan sin miedo.
El miedo es uno de los problemas infantiles que más preocupan a madres y padres. Pero quién no tiene miedo en este mundo, qué adulto no se enfrenta o se oculta diariamente en todos los que encierra dentro de su corazón. Una versión libre de uno de los cuentos de hadas de los Hermanos Grimm contenidos en sus Cuentos para la infancia y el hogar―después de la Biblia de Martín Lutero la obra en lengua alemana más conocida en todo el mundo e incluida, además, en el Programa Memoria del Mundo de la Unesco en 2005―: Cuento del que fue a aprender lo que era el miedo, popularmente conocido como Juan sin miedo. Creada y dirigida por Álex Tormo ―vinculado a la sala Guindalera con numerosas obras e imbuido en el teatro infantil con éxitos como Cuento de Navidad, Los viajes de Gulliver o la dirección de piezas como Momo, de Ende, El sueño de Titania y Peer Gynt―, en esta versión propia envuelta en el mundo mágico de los Hermanos Grimm y en el peculiar e imaginativo estilo del actor madrileño ―humor, fantasía y amor al teatro y la literatura―, Juan, que no le teme a nada y quiere conocer qué es el miedo, sale en su busca hacia un castillo embrujado de Transilvania, donde un rey ha prometido que quien logre pasar una noche se casará con la princesa y le será entregado un cofre lleno de tesoros. Con una escenografía cuidada y “encantada”, la participación del público en sencillos y asombrosos juegos de magia, un títere para ser manipulado por el espectador, música y canciones ―pues “el que canta su mal espanta”― y divertidos personajes que los niños tendrán que interpretar en escena (entre otros, una linda brujita que quiere crear pócimas especiales para montar un restaurante, una momia que pretender ser enfermera y un esqueleto al que le castañean los dientes de hambre y frío), quién sabe si Juan encontrará el miedo o si nada será lo que parece; si de repente Juan tendrá que enfrentarse a responsabilidades, al hecho de crecer… O quizá a que aparezca el amor, o a perderlo... O si ya todo está en nuestro corazón. Como en los cuentos, que protegen los pequeños misterios de la vida y nos inducen a iluminarlos. [caption id="attachment_37673" align="aligncenter" width="700"]
JUAN SIN MIEDO[/caption]
El mensaje de casi todos los cuentos es que hay que ser valeroso, que no quiere decir que sea negar el miedo o no sentirlo. “Coraje”, del latín Cor, significa corazón. Por eso tener coraje o ser valiente es vivir con el corazón. Como este Juan, héroe que se enfrenta a todos los problemas que le surgen con humildad, humor y determinación, con curiosidad, con ganas de superarse. En definitiva, con la esperanza de saber quién es. “La vida es deseo y los deseos nos llevan al encuentro con los demás, nos enfrentan a lo incierto y lo desconocido del mundo”. Por eso todos temblamos sin saber la razón, quizá porque “la vida también es el temblor de lo desconocido"
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SALA AZARTE
La Vidriera Producciones presenta
LOVE SONG, EL MUSICAL
de Roberto Guerra Dirección: Alejandra Nogales
Domingos a las 20h.
‘LOVE SONG, el musical’ es el resultado de más de diez años de vida, de historias de amor, de ilusiones y decepciones del autor, que se entrelazan en una conmovedora, erótica y divertida puesta en escena. Combinando teatro, cabaret y stand-up comedy - al más puro estilo americano-, los personajes interactúan con el público haciéndole partícipe de sus miedos, egos, prejuicios y deseos; de su amor, algo que nos afecta a todos. Hoy en día, la indiferencia, la soledad y el miedo al compromiso hacen más fácil conseguir sexo que encontrar el amor. Peligro y Azul no están tan lejos de esta realidad. El mundo de la noche, de las drogas y del alcohol unen a un hombre de negocios que lo tiene todo menos tiempo y a un hombre de “otro tipo de negocios” que lo quiere todo y le sobra tiempo. Ambos entrarán en el juego de la seducción y el amor confundiendo los términos, los límites. Las drogas y el alcohol les desinhiben, quizá demasiado, y a la vez les muestra la realidad.
FICHA
Dirección: Alejandra Nogales Autor: Roberto Guerra Producción musical: Bruno OG Producción audiovisual: Sebastián Ventura Coach vocal: Lorena Joaquín Voz coros en estudio: Tania Castillo Estudio de grabación: Panema S.L Diseño y realización de escenografía y vestuario: La Vidriera Producciones Fotografía: Álvaro Serrano Sierra Diseño de cartel: Elisa Forcano Producción general: La Vidriera Producciones REPARTO Alejandro San Martín: Peligro Eduardo de Tena: Azul Fechas y horarios: Domingos a las 20h. en la SALA AZARTE [button link="http://bit.ly/2fZaWh4" newwindow="yes"]COMPRAR ENTRADAS[/button][/et_pb_text][/et_pb_column][/et_pb_row][/et_pb_section]
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EL TRATO[/caption]
SALA TÚ
LA MATILDE TEATRO presenta
EL TRATO
Texto y dirección Pinar Bermudo
Sábados 23h.
La ópera prima de Pinar Bermudo, 'El trato', ha prorrogado su estancia en la Sala Tú de Madrid los sábados de octubre a las 23h.
Todo comienza cuando la Muerte se va de vacaciones...
SINOPSIS
La Muerte quiere irse de vacaciones y para ello necesita que alguien ocupe su lugar. El elegido será Enrique, el cual morirá a las 21:10h de un ataque al corazón a no ser que acepte un trato con la Parca: “Hacer su trabajo”. Éste accederá, lo que no sabe es que será más difícil de lo que se imaginaba. El trato es una comedia que nace de algo que todos nos hemos cuestionado más de una vez. La Muerte. ¿Cómo será eso de morirse? ¿Se sentirá algo?… Éstas y otras preguntas se resuelven a lo largo de la obra: La muerte es fácil y divertida.“En El trato irrumpe el más severo de los personajes, el más grave, ése que siempre está esperándonos y que puede presentársenos en cualquier momento para anunciarnos que no habrá más momentos. Pinar Bermudo consigue convertirlo en personaje de comedia. Ocurre que esta joven autora y directora tiene olfato para construir situaciones descacharrantemente paradójicas y oído para la frase que descuajeringa la situación solemne. Tiene mucho Pinar, sí, de ese don tan escaso que se llama gracia. Una gracia tierna, nunca cínica. También la tienen sus estupendos cómplices Carlos Corchero, Agustín Mateo, Javier Galán e Irene Maquieira. Todos ellos consiguen que nos riamos con tres pequeños seres humanos, tan parecidos en su fragilidad a cualquiera de nosotros, y con aquel otro, inhumano, que, cansado de serlo, viene a proponer, a proponernos, un extraño trato.” Juan Mayorga[caption id="attachment_37657" align="aligncenter" width="700"]
EL TRATO[/caption]
FICHA
Espacio escénico, Sonoro, Dramaturgia y dirección Pinar Bermudo Luces y vestuario La Matilde Teatro Reparto Carlos Corchero, Javier Galán, Irene Maquieira y Agustín Mateo Una producción de LA MATILDE TEATRO Fechas y horarios: SÁBADOS 23.00H SALA TU [button link="http://bit.ly/2dNJlLL" newwindow="yes"]COMPRAR ENTRADAS[/button] [/et_pb_text][/et_pb_column][/et_pb_row][/et_pb_section]PAVÓN TEATRO KAMIKAZE
Buxman Producciones y Kamikaze Producciones presentan
TODO EL TIEMPO DEL MUNDO
Dramaturgia y dirección Pablo Messiez
Del 10 al 28 de enero de 2018
"Si el pasado está hecho de relatos y el futuro está hecho de deseos, ¿en qué lugar entre las palabras y las cosas se encuentra nuestro presente?"
TODO EL TIEMPO DEL MUNDO se estrenó el 18 de noviembre de 2017 en el Teatro Palacio Valdés de Avilés y se podrá ver en el Pavón Teatro Kamikaze Del 10 al 28 de enero de 2018 Considerada como una de las voces más interesantes del teatro español contemporáneo, Pablo Messiez escribe y dirige TODO EL TIEMPO DEL MUNDO. Una reflexión sobre ese pasado que nos llega a través de relatos y ese futuro al que nos conectan los deseos. La obra, basada en sus recuerdos de su abuelo, es una reflexión sobre la memoria y la sucesión de hechos que constituyen nuestra existencia. ¿Qué pasaría si todo el mundo olvida algo que sucedió realmente? El tiempo y el recuerdo han sido el punto de partida que ha inspirado al dramaturgo y director Pablo Messiez en la creación de su ultima pieza. Todo el tiempo del mundo es un montaje onírico de tinte autobiográfico protagonizado por la compañía Grumelot, que ya trabajó junto a Messiez en Los brillantes empeños, y por la actriz María Morales, protagonista de la última obra del argentino La Distancia. La vivencia personal del autor y el misterio de la estructura lineal del tiempo han llevado a Messiez a plantear algunas de las cuestiones clave de Todo el tiempo del mundo, que, como él mismo afirma, “son preguntas que siempre me han inquietado”: ¿Qué pasa si algo que ocurrió en nuestro pasado lo olvidamos y, además, ningún testigo lo recuerda? ¿Qué pasa si algo que sucedió todo el mundo lo olvida? ¿Se podría decir entonces que sucedió? ¿Dónde está? Si todo el mundo olvida algo, ¿es como si ese algo estuviera muerto, como si nunca hubiera existido? Una obra "que habla de cómo los recuerdos son un poco una construcción, lo que queda como recuerdo es aquello que elegimos contar, aquello que decidimos nombrar" afirma Messiez. Coincidiendo con el estreno absoluto de Todo el tiempo del mundo, la editorial Continta Me Tienes lanzará este mes de noviembre el libro Las palabras de las obras, escrito por Pablo Messiez, con epílogo de Fernanda Orazi, dentro de su colección Escénicas. Las palabras de las obras es el libro donde se reúnen las obras dramáticas más destacadas escritas por el dramaturgo: Muda (2010); Los ojos (2011); Las plantas (2012) y Todo el tiempo del mundo (2016).NOTA DE PABLO MESSIEZ
A partir de la historia de mi abuelo, que, como el señor de la obra, se llamaba Flores y tenía una zapatería de señoras en la que pasé más de una tarde de mi infancia, comencé la escritura de este texto sobre el tiempo y los relatos. Si alguien tiene una experiencia de la que no hay testigos y la olvida. ¿Eso ha pasado? ¿Es acaso nuestra historia algo más que una serie de relatos compartidos? Si el pasado está hecho de relatos, y el futuro está hecho de deseos, ¿cuál es la materia del presente?.Pablo Messiez
SINOPSIS
Todo el tiempo del mundo tiene un componente autobiográfico, remontándose a la infancia de Pablo Messiez, cuyo abuelo, de nombre Flores y también vendedor de zapatos de señoras como el protagonista de la obra, es germen principal de su escritura. Flores es un zapatero de señoras. Cada noche, al cerrar su zapatería, recibe la vistia de extrañas personas que le cuentan su futuro, le revelan detalles de su pasado o llegan, incluso, a desvelar sus historias presentes. Algo sucede cada noche con el tiempo, cuando no hay testigos, que hace que todas estas historias convivan a la vez, superponiendo pasados y futuros en un presente contínuo, en el que el señor Flores intentará comprender quien es.FICHA
Dramaturgia y dirección Pablo Messiez Ayudante de dirección Javier L. Patiño Luces Paloma Parra Escenografía y vestuario Elisa Sanz Dirección de producción Jordi Buxó y Aitor Tejada Reparto Carlota Gaviño, Rebeca Hernando, Javier Lara, María Morales, José Juan Rodríguez, Íñigo Rodríguez Claro y Mikele Urroz Una producción de Buxman Producciones y Kamikaze Producciones Fechas y horarios: Del 10 al 28 de enero de 2018 Miércoles, jueves y sábado, 20:30 horas Viernes, 20:00 horas Domingos, 18 horas en el PAVÓN TEATRO KAMIKAZE- Pablo Messiez habla de "Todo el tiempo del mundo" en Cultura en 24h.
- Todo el tiempo del mundo. Sala Max Aub - David García Vázquez
- Dramedias con Paloma Cortina - Entrevista - Todo el tiempo de Pablo Messiez y María Morales
TODO EL TIEMPO DEL MUNDO de Pablo Messiez[/caption]
LEYENDO LORCA
Buxman Producciones presenta
LEYENDO LORCA
con Irene Escolar
#AbadíaConfinada 18 y 19 de abril, 2020 Sábado y domingo, 18:30 h
LEYENDO LORCA con Irene Escolar se estrenó en Madrid en el XXXIV Festival de Otoño a Primavera de la Comunidad de Madrid el 21 de octubre en la Residencia de Estudiantes.
Tras su paso por el Teatro Kamikaze. LEYENDO LORCA se podrá ver el #AbadíaConfinada 18 y 19 de abril, 2020 Sábado y domingo, 18:30 h
La Universidad Internacional Menéndez Pelayo llamó a Irene Escolar para realizar un homenaje a Federico García Lorca en el 80 aniversario de su fusilamiento. La actriz, que acababa de protagonizar El público, de Lorca, bajo la batuta de Álex Rigola -obra que se convirtió en uno de los montajes revelación de la pasada temporada- aceptó sin dudar la invitación. Para poner en pie este particular homenaje en forma de recital, Escolar ha elegido fragmentos de algunas de las piezas más afamadas del poeta granadino, entre ellas, Bodas de sangre, Doña Rosita la soltera, Yerma, Sonetos de amor oscuro o El público. Este otoño, la pieza, titulada Leyendo Lorca se sube de nuevo a los escenarios de la mano del XXXIV Festival de Otoño a Primavera y podrá verse el viernes 21 de octubre (con entrada libre hasta completar aforo) en la Residencia de Estudiantes, espacio que esta temporada se suma por primera vez al carro del festival madrileño.
Con el amor y la mujer como hilo argumental, la intérprete madrileña apunta que el mejor homenaje por el 80 aniversario del fallecimiento de Lorca es leer su obra: “sorprende cómo puede retratar tan bien a la mujer”. Considerada por la prensa especializada como una de las actrices jóvenes con más talento y personalidad de nuestro país, la actriz afirma que “sentía la necesidad de comunicar a través de la palabra de Lorca desde la sencillez”. Sin artifiosidad, se sirve de un único atril en escena y de su voz, con la idea de volver a las raíces, a lo sencillo. “Él decía: yo tengo una poesía amarga, pero está viva, y lo que quiero es haceros despertar”. Para introducir su recital, Escolar ha elegido, precisamente, un fragmento de uno de la textos más queridos del artista, Poeta en Nueva York:“Señoras y señores:
Siempre que hablo ante mucha gente me parece que me he equivocado de puerta. Unas manos amigas me han empujado y me encuentro aquí. Y hoy no tengo más espectáculo que una poesía amarga, pero viva, que creo podrá abrir sus ojos a fuerza de latigazos que yo le dé. De todos modos hay que ser claro. Yo no vengo hoy para entretener a ustedes. Ni quiero, ni me importa, ni me da la gana. Más bien he venido a luchar. A luchar cuerpo a cuerpo con una masa tranquila porque lo que voy a hacer no es una conferencia, es una lectura de poesías, carne mía, alegría mía y sentimiento mío, y yo necesito defenderme de ese enorme dragón que tengo delante, que me puede comer con sus trescientos bostezos de sus trescientas cabezas defraudadas. Y esta es la lucha; porque yo quiero con vehemencia comunicarme con vosotros ya que he venido, ya que estoy aquí, ya que salgo por un instante de mi largo silencio poético y no quiero daros miel, porque no tengo, sino arena o cicuta o agua salada. Lucha cuerpo a cuerpo en la cual no me importa ser vencido. Así pues, antes de leer en voz alta y delante de muchas criaturas unos poemas, lo primero que hay que hacer es pedir ayuda al duende, que es la única manera de que todos se enteren sin ayuda de inteligencia ni aparato crítico, salvando de modo instantáneo la difícil comprensión de la metáfora y cazando, con la misma velocidad que la voz, el diseño rítmico del poema. Porque la calidad de una poesía de un poeta no se puede apreciar nunca a la primera lectura, y más esta clase de poemas que voy a leer que, por estar llenos de hechos poéticos dentro exclusivamente de una lógica lírica y trabados tupidamente sobre el sentimiento humano y la arquitectura del poema, no son aptos para ser comprendidos rápidamente sin la ayuda cordial del duende. De todos modos, yo, como hombre y como poeta, tengo una gran capa pluvial, la capa del “tú tienes la culpa”, que cuelgo sobre los hombros de todo el que viene a pedirme explicaciones a mí, a mí que no puedo explicar nada, sino balbucir el fuego que me quema. Todo el teatro sale de las humedades confinadas. Todo el teatro verdadero tiene un profundo hedor de luna pasada. Cuando los trajes hablan, las personas vivas son ya botones de hueso en las paredes del calvario. Yo hice el túnel para apoderarme de los trajes y, a través de ellos, haber enseñado el perfil de una fuerza oculta cuando ya el público no tuviera más remedio que atender, lleno de espíritu y subyugado por la acción. Y demostrar que si Romeo y Julieta agonizan y mueren para despertar sonriendo cuando cae el telón, mis personajes, en cambio, queman la corona y mueren de verdad en presencia de los espectadores. Los caballos, el mar; el ejército de las hierbas lo han impedido. Pero algún día, cuando se quemen todos los teatros, se encontrará en los sofás, detrás de los espejos y dentro de las copas de cartón dorado, la reunión de nuestros muertos encerrados allí por el público. ¡Hay que destruir el teatro o vivir en el teatro! No vale silbar desde las ventanas. Y si los perros gimen de modo tierno hay que levantar la cortina sin prevenciones. Yo conocí a un hombre que barría su tejado y limpiaba claraboyas y barandas solamente por galantería con el cielo”. [caption id="attachment_37506" align="aligncenter" width="700"]
LEYENDO LORCA[/caption]
PROGRAMA
- Extracto sobre la conferencia de Poeta en Nueva York. - Extractos de escenas de la Novia y la Madre, de Bodas de Sangre. - Doña Rosita la soltera o el lenguaje de las flores. - Yerma. - Julieta y el Caballo Blanco, de El Público. - Canción del Pastor Bobo, por Nao Albet. - Si mis manos pudieran, El poeta pide a su amor que le escriba, Noche del amor insomne, Soneto de la dulce queja, de Sonetos del amor oscuro. - Grito hacia Roma, de Poeta en Nueva York. - Extractos de la Biografía de Federico García Lorca, de Ian Gibson. - Gacela de la Muerte Oscura, de Diván del Tamarit. - Extracto de la Madre de Gonzalo, de El Público.
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RICARDO III[/caption]
RICARDO III[/caption]
https://www.youtube.com/watch?v=CdaqH8MRAzI&w=640&h=360 [/et_pb_text][/et_pb_column][/et_pb_row][/et_pb_section]
TEATRO ESPAÑOL
Noviembre Teatro presenta
RICARDO III
de William Shakespeare
Versión Yolanda Pallín Dirección Eduardo Vasco
Del 1 de diciembre de 2016 al 15 de enero de 2017
El 1 de diciembre llega al Teatro Español un vendaval Shakesperiano. RICARDO III de la Compañía Noviembre Teatro ('Otelo', 'Hedda Gabler', 'El mercader de Venecia'). Con dirección de Eduardo Vasco, versión de Yolanda Pallín, vestuario de Lorenzo Caprile y un reparto encabezado por Arturo Querejeta. Charo Amador, Fernando Sendino, Isabel Rodes, Rafael Ortíz, Cristina Adúa, Antonio de Cos, José Luis Massó, José Vicente Ramos, Jorge Bedoya y Guillermo Serrano completan el reparto.
RICARDO III ('The life and death of King Richard III') es una de las cuatro obras que William Shakespeare escribió sobre la historia de Inglaterra, en la que narra la llegada al poder de la casa Tudor y el declive de la familia York. La obra ha sido representada por notables intérpretes de todas las nacionalidades desde 1633, y ha sido llevada al cine en varias ocasiones desde que Laurence Olivier interpretase su versión en 1955, aunque recientemente apareció una copia de una película rodada en 1912 y protagonizada por el actor Frederick Warde.NOTA DEL DIRECTOR
Este es nuestro quinto Shakespeare, y como en anteriores temporadas, presentamos una de esas obras que han convertido a William Shakespeare en un dramaturgo que fascina a cada nueva época. Un autor que no conoce fronteras ni dogmas, y que aunque arrastre tantas referencias literarias como escénicas desde sus primeras composiciones, aparece siempre sobre el escenario como algo nuevo y extraordinario, renovando la esencia del propio teatro para fortuna de los que amamos el arte de Talía. Gloucester es el hombre sin moral, el maestro de la apariencia, un deforme capaz de desatar tormentas de sangre con un único propósito: el poder. Su peculiaridad como personaje le permite disfrazarse, ayudado por su retórica, y esconder lo que realmente es. Hay pocos personajes tan desproporcionados en su ambición, tan descarados en sus propósitos. Ricardo se alza frente a un espectador asombrado, que sólo espera el momento de una caída que compense el horror que ha contemplado. Hemos elegido Ricardo III, porque nos permite narrar una historia sobre el poder y la ambición ciega, sobre nuestra confianza y la falta de escrúpulos, sobre los fines y los medios, y, en definitiva, porque no está tan lejos de nosotros. La realidad que nos rodea contiene elementos suficientes para que asociemos esta historia truculenta a nuestras estructuras de poder, y podamos sacar conclusiones sin necesidad de excesivas explicaciones ni redundancias. Fieles al estilo de nuestra compañía, trabajaremos con el texto en primer plano, defendido por los actores —protagonistas absolutos del medio, a nuestro entender— y la música en directo. La característica sobriedad de nuestro trabajo, unida a nuestro amor por la palabra en escena han conformado un estilo —creemos que reconocible— que caracteriza nuestro trabajo. Nuestra postura es conocida. Creemos que ofrecer los clásicos al espectador es una responsabilidad, pero también una cuestión de disfrute artístico. La consideración de Shakespeare como un autor para eruditos nos parece un despropósito cultural. El bardo inglés, como nuestros autores del Siglo de Oro, escriben teatro para contar historias a la gente sencilla, entretenerla, enriquecer su espíritu y, en ocasiones, producir una reflexión. Creemos que el teatro debe ser, sin perder sus calidades ni sus virtudes, accesible; y para ello trabajamos. Tras Hamlet en el años 2004, Noche de reyes en el 2012, Otelo en el 2013 y El mercader de Venecia en 2015, continuamos nuestra dedicación shakesperiana representando la obra del malvado rey, el último de los York, y su vorágine violenta, tratando de entender la historia desde nosotros para representarla, y que finalmente sea, también, algo de ustedes.Eduardo Vasco
[caption id="attachment_37472" align="aligncenter" width="800"] RICARDO III[/caption]
SINOPSIS
Tras una larga guerra civil, Inglaterra disfruta de un inusitado periodo de paz bajo el reinado de Eduardo IV. Ricardo, duque de Gloucester, tras relatar la manera en que se ha producido la ascensión al poder de su hermano, revela su envidia y sus ambiciosos deseos. Él, jorobado y deforme, no se conforma con su estado y planea conseguir el trono a cualquier precio, eliminando todos los impedimentos que pueda encontrar en el camino. Detiene el cortejo que acompaña el cadáver del difunto Enrique VI, y consigue sosegar a su viuda, Lady Ana Neville, manipulándola y consiguiendo que acceda a comprometerse con él en matrimonio; será el principio de un camino lleno de crueldades. El siguiente paso será asesinar a su propio hermano Jorge, y deslegitimar al rey, consiguiendo alcanzar el trono con el beneplácito de su madre. A partir de ese momento, Ricardo inicia una cadena de asesinatos para afianzar su posición. La aparición de los fantasmas de sus víctimas será el prólogo del desastre que se avecina, augurándole desesperación y muerte. La batalla de Bosworth, en la que pronuncia la famosa frase «mi reino por un caballo», será el escenario de la derrota y muerte del rey Ricardo III. [caption id="attachment_37473" align="aligncenter" width="700"] RICARDO III[/caption]
FICHA
REPARTO Ricardo Arturo Querejeta Margarita / Duquesa Charo Amador Buckingham Fernando Sendino Isabel Isabel Rodes Clarence / Stanley Rafael Ortíz Ana / Duque de York Cristina Adúa Hastings / Richmond Toni Agustí Asesino / Principe de Gales / Ratcliff José Luis Massó Asesino / Rey Eduardo / Catesby José Vicente Ramos Pianista / Grey / Sacerdote / Tirrel Jorge Bedoya Brakenbury / Rivers / Alcalde Guillermo Serrano Dirección: Eduardo Vasco Versión: Yolanda Pallín Vestuario: Lorenzo Caprile Escenografía: Carolina González Iluminación: Miguel Ángel Camacho Música: Janácek / Eduardo Vasco Ayudante de dirección: Fran Guinot / Daniel Santos Fotografía: Chicho Gráfica: Millán de Miguel Producción: Miguel Ángel Alcántara Una Producción de Noviembre Teatro Fechas y horarios: Del 1 de diciembre de 2016 al 15 de enero de 2017 De martes a sábado 20h. Domingos 19h. en el TEATRO ESPAÑOL [button link="https://teatroespanol.shop.secutix.com/selection/event/date?productId=670370849" newwindow="yes"]COMPRAR ENTRADAS[/button]https://www.youtube.com/watch?v=CdaqH8MRAzI&w=640&h=360 [/et_pb_text][/et_pb_column][/et_pb_row][/et_pb_section]
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ZENIT Foto: David Ruano[/caption]
ZENIT Foto: David Ruano[/caption]
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TEATRO AMAYA
Els Joglars presenta
ZENIT
'La realidad a su medida'
Dramaturgia: Ramon Fontserè y Martina Cabanas Dirección: Ramon Fontserè
Del 10 al 25 de mayo
Una sátira sobre los medios de comunicación
ZENIT, el nuevo espectáculo de la compañía catalana Els Joglars, se estrenará el 20 de octubre en Sevilla en el Teatro Lope de Vega y tras su paso por el Teatro María Guerrero, llega al Teatro Amaya. Del 10 al 25 de mayo.
Ramon Fontserè es el encargado de la dirección de la obra y autor de la dramaturgia en colaboración con Martina Cabanas. El reparto lo forman Ramon Fontserè, Pilar Saénz, Dolors Tuneu, Xevi Vilà, Julián Ortega y Juan Pablo Mazorra. Con 'ZENIT' La realidad a su medida, Els Joglars pretende, a través de la sátira, reflexionar sobre la responsabilidad, tanto de los medios como de quien los consume, de la deriva que ha tomado cierto periodismo, recordando que éste es un oficio imprescindible para la democracia. ¿Quién es el culpable del rumbo que están tomando la prensa y la televisión en la actualidad? ¿Son los creadores de contenidos quienes deciden qué ofrecer o los propios lectores y espectadores los que marcan el ritmo? La obra se desarrolla en torno a un gran periódico, 'ZENIT'. En él trabajan periodistas, convertidos recientemente en 'media workers', que se debaten entre cumplir una labor informativa útil para la sociedad y dar a las masas la información morbosa y sensacionalista que parecen estar demandando. ZENIT aborda la realidad de los medios de comunicación y mira de frente la difícil frontera que separa la ética del afán desmedido de lucro. Con motivo de su 55º aniversario, Els Joglars pretende estrenar la obra de la mano de un documental. Será el 27 de marzo a las 20h. Los lunes con voz En el Día Mundial del Teatro. La zarza de Moisés, dirigido por Arantxa Aguirre. Este trabajo desgranará el peculiar proceso de creación de la compañía. Igualmente, irá acompañado de una tertulia en la que participan Arantxa Aguirre (directora del documental), Albert Boadella (director, dramaturgo, actor y fundador de Joglars), Martina Cabanas (ayudante de dirección, escenógrafa, dramaturga), Ramon Fontserè (director, actor, dramaturgo), Juan Pablo Mazorra, Julián Ortega, Pilar Sáenz, Dolors Tuneu y Xevi Vilà (actores de Zenit). [caption id="attachment_43614" align="aligncenter" width="790"] ZENIT Foto: David Ruano[/caption]
SINOPSIS
¿De que estamos hablando de periodismo o de entretenimiento? En esta ocasión centramos nuestra mirada en los medios de comunicación. Algo que empezó con una pluma de cuervo o un cincel, con el paso del tiempo se ha convertido en una máquina voraz e inenarrable de éxito y poder. Nació de la necesidad de transmitir información vital para la sociedad, pero poco a poco ha devenido un negocio del entretenimiento, más centrado en desarrollar una “fast truth” para la masa que en su legítimo objetivo primero. Su cota de poder e influencia es proporcional al número de ventas para ello esta máquina no dudará en matizar, manipular, retocar, filtrar o enfangar la realidad. No importan ni la ética ni la moral, el objetivo es sosegar a la masa, tenerla en vilo, atenta, adicta a la última hora. A su vez la masa es presentada como una devoradora pantagruélica de información fresca y renovada constantemente. Una vez más partimos de nuestro punto de vista satírico, con escenas pautadas musicalmente que destilan mordacidad. Vemos el desarrollo diario de un gran periódico “ZENIT”. Observamos los entresijos de sus oficinas, el día a día de sus periodistas convertidos en media workers, las amistades y obligaciones de sus propietarios, el enfrentamiento entre el periodismo ético y la voracidad del medio… El peligro recae en que esta maquinaria que se puso en marcha por unos motivos nobles ha sido desvirtuada por la locura consumista y ahora está fuera de control y ni sus mismos creadores la pueden dominar.JOGLARS
Joglars se han mantenido durante más de cincuenta años fieles al espíritu con que se fundó la compañía. Ya al escoger el nombre hicieron una declaración de principios: "Els Joglars" significa, en catalán, "los juglares", y hace referencia al papel que en la edad media ejercían los juglares, o al de los comediógrafos de la Grecia clásica. Para ellos, el teatro tenía una función social y política: la de hacer crítica social mediante la ironía y la fabulación, poniendo el dedo en la llaga de todas aquellas cuestiones incómodas para el poder establecido. Por ello, las obras de Els Joglars han sido tan elogiadas por la crítica teatral, como polémicas en lo político y social. Hasta 2012 Joglars estuvo dirigida por Albert Boadella, y formada por Ramon Fontserè, Jesus Agelet, Pilar Sáenz, Minnie Marx, Jordi Costa, Xavier Boada, Dolors Tuneu, Lluís Elias, Josep Mª Fontserè, Pep Vila, Xavi Sais y el propio Boadella. El 11 de septiembre de 2012 Boadella traspasó la dirección a Ramon Fontserè. [caption id="attachment_43612" align="aligncenter" width="800"] ZENIT Foto: David Ruano[/caption]
FICHA
Dramaturgia: Ramon Fontserè y Martina Cabanas Dirección: Ramon Fontserè Espacio escénico: Martina Cabanas Ayudante de dirección: Martina Cabanas Vestuario y atrezzo: Laura Garcia Diseño de iluminación: Bernat Jansà Técnico de sonido: Guillermo Mugular Coordinación técnica: Manel Melguiso Coreógrafos: Cía. Mar Gómez Diseño gráfico: Arkham Studio Fotografía: David Ruano Producción ejecutiva: Montserrat Arcarons y Alba Espinasa Reparto: Ramon Fontserè, Pilar Saénz, Dolors Tuneu, Xevi Vilà, Julián Ortega y Juan Pablo Mazorra. Compañía: Els Joglars Agradecimiento especial a Albert Boadella Fechas y horarios: Del 10 al 25 de mayo De miércoles a viernes 20:30h. Sábados 19h. y 21h. Domingos 19:30h. en el TEATRO AMAYA [button link="http://bit.ly/2o6g5Y5" newwindow="yes"]COMPRAR ENTRADA[/button] [learn_more caption="PRENSA" state="open"]- Ramon Fontserè y Dolors Tuneu en Cultura en 24h.
- Reír para no llorar - P.JL.Domínguez (Guía del Ocio)
- Zenit. La realidad a su medida - Alberto Roa Arbeteta
- Rápido, fácil y claro - El País
https://www.youtube.com/watch?v=0g0nDsleZ9Y&w=640&h=360 [/et_pb_text][/et_pb_column][/et_pb_row][/et_pb_section]
TEATRO VALLE-INCLÁN
Focus y Centro Dramático Nacional presentan
LA AUTORA DE LAS MENINAS
Autor y dirección Ernesto Caballero Con Carmen Machi
Del 15 de diciembre de 2017 hasta el 28 de enero de 2018
Carmen Machi protagoniza la nueva obra de Ernesto Caballero: LA AUTORA DE LAS MENINAS. Una comedia distópica en clave de humor que se sitúa en un futuro no muy lejano en el que la crisis financiera que sacude a Europa obliga a España a desprenderse de su patrimonio artístico y ante la posibilidad de la venta de "Las Meninas" se encarga a una afamada monja copista realizar una réplica exacta del cuadro de Velázquez.
LA AUTORA DE LAS MENINAS nos plantea un debate principal, el del abandono del humanismo, del arte y de la cultura en general, pero también otro secundario sobre la fama repentina.
LA AUTORA DE LAS MENINAS se estrena el 17 de febrero en el Teatro de Rojas de Toledo y, a partir de esa fecha, la obra realizará gira por España recalando en el Teatre Goya de Barcelona el 24 de abril. En Madrid se podrá ver del 15 de diciembre de 2017 hasta el 28 de enero de 2018 en el Teatro Valle-Inclán. Carmen Machi y Ernesto Caballero vuelven a reunirse tras el éxito cosechado con 'La tortuga de Darwin' (2007-08) de Juan Mayorga, con el que Carmen Machi consiguió el Premio Max a la mejor actriz protagonista. Mireia Aixalà y Francisco Reyes completan el reparto. [caption id="attachment_42977" align="aligncenter" width="698"]
La autora de Las meninas. Foto: David Ruano[/caption]
NOTA DEL AUTOR
En un futuro no muy lejano la crisis financiera que sacude a Europa obliga al Estado español a desprenderse de su patrimonio artístico. Ante la posibilidad de la venta de Las meninas, se le encarga a una afamada monja copista realizar una réplica exacta del original velazqueño. A partir de ese momento, la religiosa se va a ver atrapada en una encrucijada de intereses de diversa índole, al tiempo que va sufrir una repentina transformación de su personalidad: de humilde artesana del pincel pasará a convertirse en una inopinada estrella mediática del mundo de las artes plásticas.
La autora de las meninas es una comedia distópica en la que con humor corrosivo se abordan cuestiones tales como el creciente abandono por parte de la sociedad de todo interés por cualquier disciplina artística o humanística. El sinsentido de una actividad en principio improductiva finalmente es asumido sin pudor y con entusiasmo por el discurso de nuevas formaciones políticas autoproclamadas de izquierda y progreso, ahora en el poder. Ya no sólo hay desdén, como en la realidad actual, sino un abierto cuestionamiento de una labor y un gasto a todas luces superfluos desde una nueva concepción del bienestar social. La obra igualmente expone, de forma satírica, el ensimismamiento ególatra de buena parte de la creación más vanguardista y comprometida de los últimos años, así como la banalización de la experiencia artística convertida en multitudinario acontecimiento mediático en sintonía con los grandes parques temáticos de entretenimiento de masas. El autor pretende compartir el interés con que contempla las sorprendentes realidades que está generando la democratización indiscriminada en todos los ámbitos del quehacer humano, el derrumbe de la autoritas referida al arte y al saber, el advenimiento, en fin de un nuevo paradigma que sitúa y equipara en el mismo canon un logrado suflé de merengue elaborado en televisión por un afamado repostero y, pongamos por caso, el Réquiem de Mozart.Ernesto Caballero
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Carmen Machi encarna a una monja, Sor Ángela, encargada de copiar 'Las meninas'[/caption]
FICHA
Autor y dirección: Ernesto Caballero Escenografía e iluminación: Paco Azorín Vídeo y la ayudantía de iluminación: Pedro CHamizo Vestuario: Ikerne Giménez Espacio sonoro: Luismi Cobo Asesor dramaturgia y ayudante de dirección: Ramon Paso Ayudante de escenografía: Isabel Sáiz Dirección de producción: Amparo Martínez Producción ejecutiva: Maite Pijuan Ayudante de producción y regidoría: Vanessa Tejero Dirección técnica: Moi Cuenca Reparto: Carmen Machi, Mireia Aixalà y Francisco Reyes Es una coproducción de Focus y Centro Dramático Nacional Fechas y horarios:Del 15 de diciembre de 2017 hasta el 28 de enero de 2018 Martes a sábado a las 20:30 horas y domingo a las 19:30 horas en el TEATRO VALLE-INCLÁN [button title="Comprar Entradas" link="https://www.entradasinaem.es/ListaEventos.aspx?id=1&idEspectaculo=206" target="_blank" align="" icon="" icon_position="" color="" font_color="" size="2" full_width="" class="" download="" rel="" onclick=""]Arte es ver a Carmen Machi en escena. Un trabajo tan grande y hemoso, que sólo puedes gritar !BRAVO!.
[button title="Reserva Parking Cercano" link="https://parclick.es/parking/madrid/teatros-madrid/?affiliate=5a21316f"target="_blank" align="" icon="" icon_position="" color="" font_color="" size="2" full_width="" class="" download="" rel="" onclick=""]
https://www.youtube.com/watch?v=dT2vmvyN6nM&w=640&h=360
TEATRO LOPE DE VEGA
EL BALLET NACIONAL RUSO
presenta
EL LAGO DE LOS CISNES
de Piotr Tchaikovsky
Dirección Sergei Radchenko
A partir del 10 de octubre de 2022, los lunes a las 20.30h.
(más…)
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Una mirada sutil[/caption]
The Sacrifice of Giants[/caption]
N.A.N[/caption]
Territorio Danza es un festival que cuenta ya con doce ediciones a su espalda y que ofrece nítidamente el flujo creativo de la creación de danza contemporánea en nuestro país.
CUARTA PARED
XIII EDICIÓN TERRITORIO DANZA
Del 31 de octubre al 19 de noviembre
Festival Territorio Danza. Un territorio libre, diverso y sin límites; una pantalla que ofrece nítidamente el flujo creativo de la creación contemporánea… En tiempos en los que la danza parece relegada a lo minoritario, Cuarta Pared dedica alrededor de tres semanas a este arte en el que la palabra abandona la primera línea para dejar como protagonista al movimiento. La décimo tercera edición de Territorio Danza estará compuesta por obras de creadores consagrados en el panorama dancístico nacional junto con piezas visuales de una nueva generación de coreógrafos. Carmen Werner y Camille Hanson son las creadoras que marcarán sobre la escena su larga trayectoria profesional en el mundo de la danza contemporánea. Luz Arcas e Igor Calonge, una generación de artistas emergentes, muestran al espectador la frescura de sus coreografías a la par que la proyección formal y técnica de las que están compuestas. Asier Zabaleta pone el punto medio entre generaciones y presenta un espectáculo con música en directo.Creadoras con galardones
Carmen Werner, Premio Nacional de Danza en el año 2007 pone de manifiesto su técnica con el solo Allí donde las flores se mueren, 1 y 2 de noviembre a las 21h. Fundadora de la Compañía Provisional Danza, actualmente residente en Cuarta Pared, interpreta la obra Una mirada sutil, 3 y 4 de noviembre a las 21h. Una coreografía de gran formato jugando con el movimiento de cinco bailarines en escena. Luz Arcas, directora de La Phármaco, obtiene el Premio El Ojo Crítico 2015. Entiende el espectáculo como un todo (danza, literatura, pensamiento, teatro…) y fue considerada por el jurado como una humanista de las artes escénicas. En Territorio Danza 2016 presenta un trabajo traído desde Malabo, Guinea Ecuatorial, donde ha trabajado durante dos meses con cinco bailarines locales. [caption id="attachment_37356" align="aligncenter" width="600"] Una mirada sutil[/caption]
Nueva danza en Euskadi
A un lado dejaron Igor Calonge y Asier Zabaleta el Aurresku vasco para situarse como referentes en danza contemporánea con sus respectivas compañías, Cielo RasO y Ertza. Combinación de baile, de lenguajes narrativos en sus composiciones, de una importancia de lo audiovisual y de una dramática en la obra son los puntos clave de las creaciones de estos artistas guipuzcoanos. La compañía Cielo RasO, dirigida por Igor Calonge, trae a las tablas de Cuarta Pared Tormenta, una composición que hace alusión a la fuerza, a la debilidad, a la necesidad, al cariño y a la resistencia. 11 y 12 de noviembre a las 21h. La presencia de Asier Zabaleta en Territorio Danza 2016 es posible gracias a la colaboración establecida entre Circula! 2016 y Cuarta Pared. Circula! (Tren de creación y formación en danza) es un programa estatal organizado por las Asociaciones de Profesionales de la Danza de Madrid, Valencia, Cataluña y País Vasco. [caption id="attachment_37357" align="aligncenter" width="606"] The Sacrifice of Giants[/caption]
La música toma protagonismo
Territorio Danza 2016 no es solamente baile. Camille Hanson añade en The Sacrifice of Giants, 8 y 9 de noviembre a las 21h., música original compuesta por Árbol (Miguel Marín), Vidal y David Rothenberg. Una composición que traslada al espectador a un ecosistema marino. Las dos obras presentadas por Carmen Werner cuentan también con música original de Luis Martínez. Por otro lado en la obra de Asier Zabaleta, N.A.N, del 17 al 19 de noviembre a las 21h., se trabaja con música en directo del compositor y músico Iñar Sastre. Tanto la música como la danza hacen reflexionar al espectador sobre el sentimiento de pertenencia excluyente que invade Europa en la actualidad. [caption id="attachment_37358" align="aligncenter" width="610"] N.A.N[/caption]
Territorio Danza es un festival que cuenta ya con doce ediciones a su espalda y que ofrece nítidamente el flujo creativo de la creación de danza contemporánea en nuestro país.
PROGRAMACIÓN XIII EDICIÓN TERRITORIO DANZA
Inauguración Territorio Danza 2016 – Abok 31 de octubre – 20h Noche de solos – Allí donde las flores se mueren 1 y 2 de noviembre – 21h. Noche de todos – Una mirada sutil 3 y 4 de noviembre – 21h. The Sacrifice of Giants 8 y 9 de noviembre – 21h. Tormenta 11 y 12 de noviembre – 21h N.A.N Del 17 al 19 de noviembre – 21h Taller Asier Zabaleta: 16 noviembre de 10:00 a 14:00 y de 15:30 a 19:30 SALA CUARTA PARED [/et_pb_text][/et_pb_column][/et_pb_row][/et_pb_section]TEATRO ESPAÑOL
Compañía 9de9 Teatro presenta
LA EXTINTA POÉTICA
de Eusebio Calonge Dirección Paco de la Zaranda
Del 24 de noviembre al 15 de diciembre
Acercamiento a los textos no como materia argumental sino como impulso vivencial
Estrenada el 30 de septiembre en el Teatro Principal de Zaragoza, llega al Teatro Español LA EXTINTA POÉTICA. Una obra escrita por Eusebio Calonge y dirigida por Paco de la Zaranda para la Compañía 9de9 Teatro. La obra se podrá ver del 24 de noviembre al 15 de diciembre en la Sala Margarita Xirgu. El dramaturgo Eusebio Calonge y el director Paco de La Zaranda han creado LA EXTINTA POÉTICA para la Compañía 9de9 Teatro, siendo la primera vez que trabajan fuera de su propia compañía. El reparto lo forman Carmen Barrantes, Laura Gómez-Lacueva, Rafael Ponce e Ingrid Magrinyá. Una suma de casualidades han llevado a unierse gentes de distintas disciplinas para crear un montaje esperpéntico y poético, donde lo esencial queda siempre más allá de las palabras y será el espectador quien entienda/vea lo que quiera entender/ver. La obra sumerge al espectador en un cerrado ámbito de pesadilla cotidiana, donde la única válvula de escape es el humor. Las situaciones se vuelven cómicas en su propia desesperación, dejando una reflexión abierta, ¿Tiene algún sentido la belleza en esta época de brutalidad y vacío? "La Extinta Poética" se mueve en esa turbulenta frontera entre lo grotesco y lo trágico, sin dar respiro y sin dejar indiferente a nadie. Barbitúricos, zapping y gimnasio. Personajes que cambiaron su biografía por un abultado historial clínico... y en mitad de tanta nada, apenas una pregunta: ¿Qué hace Ofelia en nuestra época? ¿Quién escucha su lamento antes de que se sumerja, definitivamente, en la corriente de la vulgaridad y el tedio? Un trabajo desgarrador desde la larga y honda experiencia escénica en las múltiples disciplinas de su elenco, desde el teatro a la danza, de lo sainetero a lo trágico, la abolición de formas establecidas para llegar a la esencialidad de la obra. Juan Mayorga afirma que "El teatro debería ser un lugar del que huyesen los cobardes". LA EXTINTA POÉTICA es valiente y para valientes. Abstenerse espectadores pasivos. Utilizan el lenguaje como territorio dramático, dónde la palabra expresa más de lo escrito. La modulación de su sonido, la halitosis, la agresividad, la trascendencia de su carga poética. Un texto donde los diálogos van configurando el aislamiento de cada personaje y dónde cada monólogo expresa el anhelo de comunicación.NOTA DEL DIRECTOR
Acercamiento a los textos no como materia argumental sino como impulso vivencial. Integración de recursos distintos y dispares: el canto, la danza, la actuación en una visión prismática, fluctuando entre terrenos dramáticos irreconciliables, de la tragedia a lo grotesco, de lo absurdo a lo sainetero, de lo poético a lo chabacano. Espacio escénico entendido como territorio dramático. Búsqueda de niveles trascendentes del lenguaje. Ceremonia de la descomposición de lo ritual en lo cotidiano, de lo escrito en lo vivenciado. Movimiento de la consciencia, inmovilidad en la voluntad es la dínamo que se plantea desde el texto y que será el cimbrear interno de estos personajes en la cuerda floja de sus fracasos, su mirada desde los abismos del hastío. La realidad como narcótico.Paco de La Zaranda
SINOPSIS
De los estimulantes a los tranquilizantes, de la velocidad a los somníferos, de las píldoras para la potencia sexual a las anticonceptivas. Barbitúricos, zapping y gimnasio. Proliferación de mercancías. Lociones, llamadas perdidas, resultados deportivos, visitas guiadas al infierno hipotecado. La rueda del hámster. Máxima agitación como único modo de sentirse vivo. Personajes que cambiaron su biografía por un abultado historial clínico... y en mitad de tanta nada, apenas una pregunta: ¿Qué hace Ofelia en nuestra época? ¿Quién escucha su lamento antes de que se sumerja, definitivamente, en la corriente de la vulgaridad y el tedio? Es como preguntar por el sentido de la poesía en nuestro tiempo de velocidad y vacío. Entre la futilidad de los deseos y tragedias mezquinas de una familia, en su cotidianidad quebrada, un ser desvalido siente el impulso grande, vital, esencial, del arte. Un canto de cisne, unas flores arrojadas al río, la fragilidad de la belleza amenazada siempre. [caption id="attachment_37343" align="aligncenter" width="700"]
LA EXTINTA POÉTICA. Foto: Bruno Rascaõ[/caption]
FICHA
Autor: Eusebio Calonge Dirección: Paco de La Zaranda Espacio Escénico Paco de La Zaranda Diseño de Iluminación Eusebio Calonge Coordinación Técnica Carlos Samaniego Producción Técnica Hernán Romero Espacio Sonoro Torsten Weber Diseño y confección abrigo de boda Nuria Martínez Fotografía Bruno Rascaõ Diseño publicidad Víctor Iglesias Producción Ejecutiva Kike Gómez Prensa: Lemon Press Distribución Padam Producciones Reparto: Carmen Barrantes, Laura Gómez-Lacueva, Rafael Ponce e Ingrid Magrinyá Un espectáculo de Nueve de Nueve con financiación del Ayuntamiento de Zaragoza y la colaboración del Ayuntamiento de Huesca y el Teatro Principal de Zaragoza. Fechas y horarios: Del 24 de noviembre al 15 de diciembre De martes a sábado a las 20.30h y domingos a las 19.30h. en el TEATRO ESPAÑOL DESCARGAR DOSSIER [button link="https://teatroespanol.shop.secutix.com/selection/event/date?productId=682958364" newwindow="yes"]COMPRAR ENTRADAS[/button]https://www.youtube.com/watch?v=M_vxBe7JXLs&w=640&h=360