Histórico

[et_pb_section][et_pb_row][et_pb_column type="4_4"][et_pb_text admin_label="Texto" background_layout="light" text_orientation="left" text_font="Open Sans||||" use_border_color="off" border_color="#ffffff" border_style="solid"]

TEATRO KAMIKAZE

 

LA COMPETENCIA PRODUCCIONES presenta

TRAINSPOTTING

basado en la novela de Irvine Welsh adaptación teatral de Harry Gibson versión Rubén Tejerina dirección Fernando Soto

Del 8 de abril al 7 de mayo

La obra que conmocionó a quienes la vieron antes de ser película

TRAINSPOTTING, la primera producción teatral de LA COMPETENCIA, llega al Teatro Kamikaze el próximo 8 de abril

  El 8 de abril llega a Madrid la adaptación teatral de TRAINSPOTTING, producida por La Competencia Producciones. La adaptación recupera la esencia y crudeza de la obra de Welsh cuando se acaban de cumplir veinte años de la película, y a las puertas del estreno mundial de su segunda parte, con una mirada contemporánea e incisivamente purgada en una versión de Rubén Tejerina y la dirección de Fernando Soto. La sordidez de ese universo será retratada por cinco actores de amplia trayectoria profesional que pondrán voz y cuerpo a esta historia cargada de humor corrosivo y mordaz, pero con una potentísima carga emocional. Ellos son Críspulo Cabezas (Renton), Luis Callejo (Begbie), Víctor Clavijo (Sick Boy), Sandra Cervera (Lizzie), y Mabel del Pozo (Alison). TRAINSPOTTING recupera y revisa la experiencia escénica que llevó al escenario la novela de Irvine Welsh, publicada en 1993, y que Danny Boyle, en 1996, convertiría en película también de culto. La novela se convirtió en un fenómeno social aclamado tanto por la crítica como por el público, pero fue al verla en escena cuando Welsh se hizo consciente de la potencia y transcendencia de su obra. Esta revisión del clásico moderno llegará a la cartelera madrileña el 8 de abril.  

NOTA DEL DIRECTOR

Trainspotting es un reflejo de la miseria del hombre, de la crudeza de la vida cuando eligiendo un camino u otro, el ser humano se distancia de lo establecido. Originariamente la historia está localizada en el Edimburgo de los 80, pero podría suceder en cualquier ciudad y en cualquier época, nos plantea una cuestión cíclica, que se repite a lo largo de periodos y sociedades. ¿Qué hacer con mi vida?... Trainspotting nos plantea un concepto muy claro, el concepto de la elección. Hoy en día , viviendo en una sociedad en la que el consumo y lo tecnológico imperan sobre cuestiones mucho más importantes, más vitales, donde la competitividad, la prisa por llegar a algún lado, la obtención de resultados ,es decir una sociedad de un soñado “bienestar”, hace que tengamos la sensación de estar viviendo una huida hacia delante, que no seamos dueños realmente de nuestras elecciones, o todo lo contrario, que haya tanta oferta que nos haga vivir en una continua demanda y realmente no elijamos lo que demandamos. En esta especie de centrifugado se encuentran los personajes de Trainspotting. Ellos deciden firmememente el camino de la droga, para no tener que elegir, para  huir y poder permanecer, estar simplemente. No pretendo poner en escena la búsqueda de una supuesta moral que nos lleve a ser felices, sino buscar una salida a todos los convencionalismos que nos son impuestos y realmente poner encima de un escenario miles de preguntas que son cruciales para decidir que tipo de vida queremos vivir. Aportar una nueva visión. Respecto a lo puramente dramatúrgico, Trainspotting es una novela cargada de ingredientes muy interesantes para el teatro: un humor corrosivo y mordaz como medio de acercarnos a lo mas dramático, un proyecto que necesariamente precisa una gran labor interpretativa y unos personajes de carne y hueso que solo podrán ser abordados por actores de un alto nivel, y una realidad aplastante con la que golpear al espectador. Un buen titular que podría resumir este proyecto es una cita de uno de los grandes del teatro como es Brecht : “Si la gente quiere ver sólo las cosas que pueden entender, no tendrían que ir al teatro: tendrían que ir al baño." ... Subámonos a este tren Fernando Soto  

 

FICHA

Versión: Rubén Tejerina Dirección: Fernando Soto Ayudante de dirección: Laura Ortega Iluminación: Javier Ruiz de Alegría Escenografía: Mónica Boromello Vestuario: Marta Martín-Sanz Música: MAPA MÚSICA Videoescena: Bruno Praena Asesora de movimiento: Paula Quintana Distribución: SEDA Reparto: Críspulo Cabezas (Renton), Luis Callejo (Begbie), Víctor Clavijo (Sick Boy), Sandra Cervera (Lizzie), y Mabel del Pozo (Alison). Una producción de LA COMPETENCIA PRODUCCIONES Fechas y horarios: Sábado 8 abril, 21:30 horas (estreno) Domingo 9 abril, 21:30 horas Viernes, 22:30 horas Sábado y domingo, 21:30 horas en el TEATRO KAMIKAZE   [button link="https://es.patronbase.com/_TeatroKamikaze/Productions/0026/Performances" newwindow="yes"]COMPRAR ENTRADAS[/button]  

• Atención Obras - Versión teatral de "Trainspotting"

 

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https://www.youtube.com/watch?v=BpbFLVcXp6w&w=640&h=360 [/et_pb_text][/et_pb_column][/et_pb_row][/et_pb_section]

 

Zapatos de Papel presenta

  EL TREN DE LAS 22:27 es una comedia romántica realista; diferentes historias de amor y desamor con las que cualquiera puede sentirse identificado. Tratando temas como la lealtad, la infidelidad, el miedo a la soledad y el amor propio, entre otros. Nos invita a realizar un viaje en tren que podría tratarse de cualquier proyecto de nuestra propia vida. En este viaje nos propone temas y debates que nos harán reflexionar sobre la complejidad del amor. Esta historia quiere dejar atrás los amores de príncipes y princesas y conseguir que, por un momento, nos paremos a pensar qué es realmente lo que nos hace felices, qué merece o no la pena y motivarnos a arriesgarnos y luchar sólo por los verdaderos sentimientos. Historias que nos empujarán a valorarnos y nos ayudarán a ver que lo más importante en esta vida es el amor hacia uno mismo. Además de hacernos ver, como en la vida misma, que no todas las historias acaban bien; o, mejor dicho, que el hecho de que no llegue el final esperado, no es quizás un mal final. Quizá este final es sólo un nuevo principio.     [caption id="attachment_43178" align="aligncenter" width="800"] EL TREN DE LAS 22:27[/caption]   Dirección: Manuel M. Velasco Dramaturgia: Irene Soler Reparto: Veky Velilla / Axel Medrano / Llorenç Miralles / Cristina Platas / Irene Soler / Tamara Rosado / Ángela Chica /  Emmanuel Medina Producción: Edu Díaz Ayudante de dirección: Cristina Platas Sonido y luces: Area Martínez Música: Sin Rumbo Vestuario: Sergio Rodríguez Escenografía: Lucía Setuain Diseño gráfico: Anxo Martínez

Fechas y horarios: Del 1 de diciembre de 2017 al 4 de enero de 2018 Viernes 22:15h. en los  TEATROS LUCHANA    

Funciones navideñas: Diciembre: 26 a las 20h. 28 a las 22:30h. Enero: 2 a las 20h. 4 a las 21:45h. [button title="Comprar entrada" link="http://clk.tradedoubler.com/click?p=31881&a=2487871&g=0&url=https://atrapalo.com/tracking/A2-3300-2487871/entradas/el-tren-de-las-22-27_e4795966/" target="_blank" align="" icon="" icon_position="" color="" font_color="" size="2" full_width="" class="" download="" rel="" onclick=""] [button title="Reserva Parking Cercano" link="https://parclick.es/parking/madrid/teatros-madrid/?affiliate=5a21316f" target="_blank" align="" icon="" icon_position="" color="" font_color="" size="2" full_width="" class="" download="" rel="" onclick=""] [divider height="20" style="default" line="default" themecolor="1"]

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TEATRO DE LA LUZ PHILIPS GRAN VÍA

 

COMPAÑÍA ESTUDIO LÍRICO DE MADRID y LA ORQUESTA FILARMÓNICA MEDITERRÁNEA presentan

MADAME BUTTERFLY

de Giacomo Puccini libreto de Giuseppe Giacosa y Luigi Illica basado en la obra Madame Butterfly de David Belasco. Director de Escena: Jesús Cordón Director Musical: Fernando Alvarez Catanese

Del 28 de marzo al 2 de abril de 2017

La segunda de las óperas que presentan La Compañía Estudio Lírica y la Orquesta Filarmónica Mediterránea es MADAME BUTTERFLY, ópera de Giacomo Puccini en tres actos con libreto de Giuseppe Giacosa y Luigi Illica basado en la obra Madama Butterfly de David Belasco.

Su estreno tuvo lugar en el Teatro alla Scala de Milán el 17 de febrero de 1904. Madama Butterfly está ambientada en Japón y para su composición, Puccini investigó a fondo en la música popular japonesa, y aunque la ópera es claramente italiana, Puccini tomó algunas tonalidades de la música de Japón para ambientar su ópera.   MADAME BUTTERFLY es una de las óperas más representadas por todo el mundo. Con arias célebres como 'Un bel dì, vedremo', 'Viene la sera' o 'Che Tua Madre Dovrà'.  

ARGUMENTO

El oficial de la marina estadounidense Pinkerton consigue casarse con Madama Butterfly gracias a Goro, un casamentero. Ella, repudiada por su familia por contraer matrimonio con un extranjero, espera que su matrimonio dure toda la vida. Para su esposo sólo se trate de una pequeña aventura fuera del país, por eso, acaba regresando a Estados Unidos donde rehace su vida mientras ella, embarazada, espera su regreso. Cuando Pinkerton vuelve a Japón de visita con su nueva esposa y conoce a su hijo, decide llevárselo a Estados Unidos. Es entonces cuando Madama Butterfly, ante la ausencia de sus seres queridos, decide suicidarse.  

FICHA

Compañía Estudio Lírico Orquesta: Filarmónica del Mediterráneo. Coro: Titular de la Compañía. Director Musical: Fernando Álvarez Catanese Director de Escena: Jesús Cordón Atrezzos: propios de la compañía Vestuario: propio de la compañía / París Transporte: Telefurgo Escenografía y Decorados: Carlos Carvalho Montaje: Carlos Calvalho Ayudantes de Montaje: David Rodríguez y Carlos Marín. Control y diseño de luces: Israel Hidalgo Regiduría: Belkys Dominguez Sastrería y peluquería: Esther Escobar/ Carmen M. Socias Dirección artística: Belkys Domínguez. Dirección General: Jesús Cordón Produce: Compañía Estudio Lírico/ ARTAE S.E.CE, SLU Fechas y horarios: Del 28 de marzo al 2 de abril de 2017 De martes a viernes 20:30 h., sábados 20:00 h., y domingos19:00  horas. TEATRO DE LA LUZ PHILIPS GRAN VÍA   [button link="http://bit.ly/2ljuQmA" newwindow="yes"]COMPRAR ENTRADAS[/button]   [/et_pb_text][/et_pb_column][/et_pb_row][/et_pb_section]

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TEATRO DE LA LUZ PHILIPS GRAN VÍA

 

COMPAÑÍA ESTUDIO LÍRICO DE MADRID y LA ORQUESTA FILARMÓNICA MEDITERRÁNEA presentan

MARINA

de Emilio Arrieta adaptación de la zarzuela de Francisco Camprodón de Miguel Ramos Carrión Director de Escena: Jesús Cordón Director Musical: Fernando Alvarez Catanese

Del 23 al 26 de marzo de 2017

La Compañía Estudio Lírica y la Orquesta Filarmónica Mediterránea traen de nuevo la Ópera para todos los públicos al Teatro de la Luz Philips Gran Vía con 'Marina' y 'Madame Butterfly'.

La primera será MARINA, ópera en tres actos de Emilio Arrieta, del 23 al 26 de marzo. La dirección escénica corre a cargo de Jesús Cordon y la dirección musical de Fernando Álvarez Catanese. Emlio Arrieta compuso inicialmente MARINA como zarzuela, con libreto de Francisco Camprodón, estrenándose en el Teatro del Circo el 21 de septiembre de 1855. El gran tenor Enrico Tamberlick logró convencer a Emilio Arrieta para que reconvirtiera la obra en ópera. El libreto fue reformado por Miguel Ramos Carrión y la ópera se estrenó el 16 de marzo de 1871 en el Teatro Real de Madrid con gran éxito.   Esta producción, que va a combinar material musical de sus dos versiones —la ópera y la zarzuela—, avanza en el tiempo desde el puerto de pescadores inicial hacia el puerto industrializado, en que el petróleo y el acero marcan el ritmo de vida de los personajes. La acción transcurre en Lloret de Mar y cuenta los amores y desamores de Marina, Jorge y Pascual. MARINA, la más popular de las óperas españolas, tiene momentos memorables como el brindis 'A beber, a beber y a apurar' o 'Costas las de Levante'.  

ARGUMENTO

Marina y Jorge son dos jóvenes que se han criado juntos. Entre ambos se ha desarrollado un amor secreto, pero ninguno de los dos sabe si el otro le corresponde. Para saberlo, Marina hace que Pascual, que también está enamorado de ella, pida a Jorge su mano, de modo que éste tenga excusa para dar salida a sus sentimientos. Sin embargo, Jorge aceptará la propuesta de Pascual, pensando que Marina no le ama. El equívoco provocará de infelicidad de todos hasta que los celos de Pascual provoquen una situación en la que los sentimientos reales puedan aflorar.  

FICHA

Compañía Estudio Lírico Orquesta: Filarmónica del Mediterráneo. Coro: Titular de la Compañía. Director Musical: Fernando Álvarez Catanese Director de Escena: Jesús Cordón Atrezzos: propios de la compañía Vestuario: propio de la compañía / París Transporte: Telefurgo Escenografía y Decorados: Carlos Carvalho Montaje: Carlos Calvalho Ayudantes de Montaje: David Rodríguez y Carlos Marín. Control y diseño de luces: Israel Hidalgo Regiduría: Belkys Dominguez Sastrería y peluquería: Esther Escobar/ Carmen M. Socias Dirección artística: Belkys Domínguez. Dirección General: Jesús Cordón Produce: Compañía Estudio Lírico/ ARTAE S.E.CE, SLU Fechas y horarios: Del 23 al 26 de marzo de 2017 Jueves y viernes 20:30 h., sábado 20:00 h.,y domingo 19:00 horas. TEATRO DE LA LUZ PHILIPS GRAN VÍA   [button link="http://bit.ly/2mmOZtd" newwindow="yes"]COMPRAR ENTRADAS[/button]  

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https://www.youtube.com/watch?v=yIqtstLQaiE&w=640&h=360 [/et_pb_text][/et_pb_column][/et_pb_row][/et_pb_section]

TEATRO KAMIKAZE

 

El Loco Produce y Bella Batalla presentan

EL AMANTE

de Harold Pinter Adaptación y dirección de Nacho Aldeguer

Desde el 17 Mar 2018

 

Tras agotar entradas la pasada temporada, El amante salta del Ambigú a La Sala de El Pavón Teatro Kamikaze

Desde el 17 Mar 2018 regresa al Teatro Kamikaze EL AMANTE de Harold Pinter. Nacho Aldeguer adapta y dirige la obra, una experiencia gastro-escénica protagonizada por Daniel Pérez Prada, Verónica Echegui y con la colaboración de Álex García y el chef Diego Guerrero, que ha creado para la ocasión un aperitivo para degustar durante la obra.

   

LA OBRA

Te invitamos a una fiesta. Una fiesta en una casa. Una cerveza “maestra”. Un cóctel sorprendente. Y un aperitivo muy especial creado por Diego Guerrero para la ocasión. Podrás jugar… o mirar. Si vas a venir, te propongo algo. Responde en voz baja: ¿Tienes o has tenido pareja? ¿Has querido pasar tu vida con esa pareja? ¿Has pensado tener un amante durante esa relación? ¿Lo has tenido? El amante.  

NOTA DEL DIRECTOR

La probabilidad mayor es que usted y yo aún no nos conozcamos. La realidad es que el objetivo de este texto es convencerle de que ver nuestro montaje de El amante, de Harold Pinter, es una buena idea. Parto con la ventaja de que usted me está leyendo, lo cual muestra un interés por su parte que agradezco. Le invito a conocer a Sarah, Richard (y John) en una velada exclusiva para su círculo más cercano y querido de amigos. Le brindo la oportunidad de ser, durante unos instantes, uno más de la fiesta sobre el escenario. O de elegir ser un espectador observando desde su butaca. Un voyeur. A su libre elección. No puedo contarle mucho más si no quiero estropearle la experiencia. Como podrá intuir, me gusta hablar directamente con el espectador. Es uno de los temas principales que plantea Pinter. El miedo a decir las cosas. Las vueltas que damos para decirlas. Las vueltas que he dado para decirte que esto es un sueño personal. Que elegí esta obra porque muestra lo valiente que hay que ser en la vida en pareja. Y lo miedosos que somos a veces en el amor. Sí. He dado todas estas vueltas para pedirte que nos conozcamos. He dado todas estas vueltas para decirte que me encantaría que vinieras. Nacho Aldeguer  

 

FICHA

De: Harold Pinter Dirección y adaptación: Nacho Aldeguer Intérpretes: Verónica Echegui (Sarah), Daniel Pérez Prada (Richard), Álex García y Nacho Aldeguer (John) Ayudante de dirección: Mayte Barrera Escenografía: Monica Boromello Vestuario: David García Miras y Sofía Stein luminación: Juanjo Llorens Espacio sonoro: Kike Mingo Experiencia gastronómica: Diego Guerrero Fotografía y vídeo: Carlos Luque Diseño gráfico: Aníbal Egido Producción ejecutiva: Joseba Gil Una producción de El Loco Produce y Bella Batalla, S.L. Fechas y horarios: Desde el 17 Mar 2018 en el  TEATRO KAMIKAZE  Sábado 17 de marzo, 22 h. (Reestreno) Domingo 18 de marzo, 20:15 h. Martes 27 de marzo, 20:15 h. Lunes, 20:15 h. Sábados, 21.15 h. Domingos, 21:15 h.   [button title="Comprar Entradas" link="https://es.patronbase.com/_TeatroKamikaze/Productions/0047/Performances" target="_blank" align="" icon="" icon_position="" color="" font_color="" size="2" full_width="" class="" download="" rel="" onclick=""]  

Una experiencia francamente sorprendente y festiva....  

       

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https://www.youtube.com/watch?v=VTjOXWJaoYo&w=640&h=360  

 

TEATROS LUCHANA

 

Compañia Bonjour mon amour presenta

UN TONTO EN UNA CAJA

de Martín Giner Dirección: Carlos Santos

Viernes a las 20h.

Una comedia en la que nada es lo que parece, y lo que parece no parece sino un reflejo de lo que parecemos

  UN TONTO EN UNA CAJA de Martín Giner llega a los Teatros Luchana. La producción de la Compañia Bonjour mon amour se podrá ver los viernes a las 20h.. Tras debutar en la dirección con 75 puñaladas, Carlos Santos presenta su segundo trabajo como director con UN TONTO EN UNA CAJA. Una comedia sarcástica y de humor negro escrita por el argentino Martín Giner que recapacita sobre la astucia e ironiza sobre la sociedad de clases. Pedro Segura, Macarena de Rueda y Luis Martínez Arasa forman el reparto.  

SINOPSIS

La obra sugiere la existencia de una sociedad en la que los hombres se dividen por clases. En la cúspide de la pirámide económica e intelectual están los Notables, que siguen a los Grandes y después, los Pequeños. Uno de estos notables recibe por correo una caja supuestamente enviada por el Diablo, e invita a una reunión en su casa a un Pequeño y un Grande para descubrir si las mágicas propiedades de la caja son reales. Con mucho humor e ironía, la obra seguirá a estos personajes durante toda una noche dónde solo conseguirá sobrevivirá el más astuto.  

NOTA DEL DIRECTOR

"TONTOS, Sí, eso es lo que nos ocurre a muchos cuando nos llegan proyectos teatrales como este texto de Martín Giner: nos volvemos un poco tontos, más o menos como cuando te enamoras... Se pierde el sentido de lo práctico, de lo que más le convendría a uno, de si merece o no la pena, y te lanzas al vacío sin paracaídas. Y sin una pizca de miedo... Y así, tras mi anterior experiencia como director con un texto también de nuestro querido argentino Martín (75 Puñaladas), me dejo engañar por esta tribu de locos maravillosos que componen BonjourMonAmour, y me embarco en este nuevo viaje que supone poner en pie UN TONTO EN UNA CAJA, una comedia en la que nada es lo que parece, y lo que parece no parece sino un reflejo de lo que parecemos" Carlos Santos  

NOTA DEL AUTOR

No es común que un dramaturgo tenga oportunidad de hablar con el futuro director de su obra, antes de escribirla. Pero así fue con Carlos. En una conversación, después de una función de 75 puñaladas, surgió el tema de: “Estoy pensando en una obra sobre una  caja enviada por el Diablo…”. Él se enganchó con la idea, y yo aún más con lo que venía haciendo. En unas semanas más, el texto de Un tonto en una caja terminó de tomar forma. Y de ahí en adelante fue de esos proyectos que toman vida propia desde el principio, convirtiéndose en lo que ahora es: una obra con el sello de Bonjour mon amour, que ha crecido más allá de texto, y me muero por ver. Martín Giner  

FICHA

Autor: Martín Giner Dirección: Carlos Santos Música original: Salvador Martinez Escenografía: Paco Garcia Vicente Diseño de iluminación: Ruben Fabeiro Reparto: Pedro Segura, Macarena de Rueda y Luis Martínez Arasa Una producción de Bonjourmonamour S. Coop. en colaboración con Teatro Romea. Fechas y horarios:  Viernes  a las 20h. en los TEATROS LUCHANA

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• Carlos Santos habla de 'Un tonto en una caja' - Desde mi Butaca
• Carlos Santos en La Noche de Cope
• “Un tonto en una caja”: surrealismo con mensaje social - Horacio Otheguy Riveira

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SALA MIRADOR

 

Araira Producciones Educación y Cultura SL presentan

RETABLO DE ESPERA

Idea original, dramaturgia y dirección: Guillermo Womutt

Del 9 de marzo al 2 de abril

LA ESPERA NO SE EJECUTA, SE VIVE, SE PADECE O SE CELEBRA

    La compañía Araira Producciones con su obra RETABLO DE ESPERA nos propone pensar sobre lo que significa la espera, el hecho de esperar en nuestra sociedad actual. Con dramaturgia y dirección de Guillermo Womutt cuenta con los intérpretes Mónica Runde, Nur Levi, Teresa Rivera, Inés Narváez, David Blanka y Franklin Dávalos y el espacio escénico y el vestuario de Elisa Sanz. RETABLO DE ESPERA se podrá ver de viernes a domingo del 9 de marzo al 2 de abril en la Sala Mirador.   "Nos une el deseo de compartir la espera de muchos para reinterpretar la vida, por eso, este espectáculo será diferente cada vez que lo mostremos. Nos seduce la actitud que se revela contra lo acabado y lo finito. Siempre habrá una actitud ante la espera y ante cómo se puede diseñar artísticamente. Diferentes disciplinas que se respetan entre sí para recrear la espera en que vivimos."   “Es inevitable comparar cómo esperamos hoy en día a cómo esperábamos de niños; cómo esperaban nuestros padres, nuestros abuelos", explica la compañía. "Mucho ha cambiado y condicionado lo que esperamos y cómo esperamos. En la espera experimentamos un tiempo que no puede prolongarse o reducirse a voluntad y es en ese instante cuando la palabra necesita del baile, de la imagen. Pensamos, soñamos, nos informamos, incluso nos comunicamos con frecuencia, a través de una pantalla. La espera es un estado mental frente al tiempo, que es una invención humana. En RETABLO DE ESPERA, la espera agoniza y renace constantemente: como nosotros”. RETABLO DE ESPERA es una ‘instalación’ que nace de la relación íntima entre la danza, el vídeo, el vestuario y el espacio escénico. Se compone de cinco escenas, por las que el público transitará y también esperará. La compañía tratará de contar matices de nuestra cotidianidad.  

 

FICHA

Idea original, dramaturgia y dirección: Guillermo Womutt Dirección artística, escenografía y vestuario: Elisa Sanz Música: Oración-Tres piezas para Aida, de Iris Azquinezer Música original: Esteban Varela Espacio sonoro: Javier Hernández Almela Creación de vídeo: Álvaro de Luna y Bruno Praena Diseño de iluminación: Beatriz Francos Bailarines y actores: Mónica Runde, Nur Levi, Teresa Rivera, Inés Narváez, David Blanka, Franklin Dávalos. Una producción de Araira Producciones Educación y Cultura SL Fechas y horarios: Del 9 de marzo al 2 de abril Viernes y sábados, 20:00h; domingos, 19:30h en la SALA MIRADOR   [button link="http://bit.ly/2mf5gzh" newwindow="yes"]COMPRAR ENTRADAS[/button]   [/et_pb_text][/et_pb_column][/et_pb_row][/et_pb_section]

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TEATRO VALLE-INCLÁN

 

El Centro Dramático Nacional presenta

FESTEN

de Thomas Vinterberg y Mogens Rukov Adaptación teatral Bo Hr. Hansen Versión y dirección Magüi Mira

Del 3 de marzo al 9 de abril de 2017

El 3 de marzo se estrena en el Teatro Valle-Inclán la adaptación teatral de la magnífica película danesa FESTEN escrita por Thomas Vinterberg y Mogens Rukov en 1998. Fue la primera y multipremiada película del movimiento cinematográfico Dogma.

Bo Hr. Hansen ha sido el encargado de la adaptación teatral que cuenta con la versión y dirección de Magüi Mira. Carolina África, Roberto Álvarez, Carmen Conesa, Manu Cuevas, Gabriel Garbisu, Karina Garantivá, David Lorente, Jesús Noguero, Clara Sanchis e Isabelle Stoffel forman el reparto.   FESTEN nos narra una dura disección de una familia burguesa, los conflictos familiares que llegan a la categoría de alegato, descritos de una manera soberbia, con una suerte de elección de personajes que van describiendo su importancia en el todo, y que terminan con una denuncia grave de abusos sexuales del padre, precisamente en el día que celebran su sesenta cumpleaños. Quizás la anécdota, la severa denuncia de la criminal posesión destructiva del padre de familia, el silencio cómplice de la madre, los desvaríos de los hermanos y hasta el suicidio de la hija mayor, gemela del hijo que desencadena toda la catarsis, sea un material provocador, penetrante, interesante en cuanto puede tener de universal en diferentes rangos y categorías de abusos, maltratos y autoritarismo.  

NOTA DE LA DIRECTORA

Christian, después de años de ausencia, vuelve al hogar de sus padres con sus hermanos y familiares, a celebrar el 60 cumpleaños de su padre, el poderoso Helge. La cena en la que se celebra el feliz aniversario empieza con un discurso de Christian en el que denuncia el incesto al que su padre le ha sometido de niño, a él y a su hermana gemela muerta. Incredulidad general. Pero sus palabras atraviesan como una onda eléctrica el cuerpo de su familia. El secreto se rompe en pedazos. Aparecen las palabras en los silencios, los gritos del alma y los choques brutales y violentos. La familia trata de cerrar su herida que ahora sangra con sangre roja. Hay que asesinar al padre. Un texto de nuestro tiempo. Imprescindible. Intenso. Bello. Salvaje. Un análisis lúcido del fascismo latente en la sociedad clasista y patriarcal en la que vivimos. Festen no solo habla sobre el incesto y la pedofilia, es ante todo un texto que nos habla de la brutal cohesión de la hipocresía social. Magüi Mira   [caption id="attachment_43621" align="aligncenter" width="700"] FESTEN Foto: MarcosGpunto[/caption]  

FICHA

Texto Thomas Vinterberg y Mogens Rukov Adaptación teatral Bo Hr. Hansen Versión y dirección Magüi Mira Escenografía Magüi Mira y Javier Ruíz de Alegría Iluminación José Manuel Guerra Vestuario Lorenzo Caprile Música David San José Movimiento Rosàngeles Valls Ayudante de dirección Txemi Pejenaute Fotos marcosGpunto Cartel  BYG / Isidro Ferrer Reparto: Carolina África, Roberto Álvarez, Carmen Conesa, Manu Cuevas, Gabriel Garbisu, Karina Garantivá, David Lorente, Jesús Noguero, Clara Sanchis, Isabelle Stoffel Producción Centro Dramático Nacional Fechas y horarios:  Del 3 de marzo al 9 de abril de 2017 De martes a sábado a las 19h. y domingo a las 18h. en el TEATRO VALLE-INCLÁN   [button link="http://www.entradasinaem.es/ListaEventos.aspx?id=2&idEspectaculo=64" newwindow="yes"]COMPRAR ENTRADAS[/button]   [learn_more caption="PRENSA" state="open"]

• «Festen»: secretos de familia - ABC
• Atención Obras - Versión teatral de "Festen"

[/learn_more]  

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https://www.youtube.com/watch?v=ZMHOrz0TKlE&w=640&h=360 [/et_pb_text][/et_pb_column][/et_pb_row][/et_pb_section]

EL FESTIN DE BABETTE

Teatro Calderón de Valladolid en co-producción con SEDA presentan

EL FESTÍN DE BABETTE

a partir de un relato de Isak Dinesen Versión de Antonio Álamo

EL FESTÍN DE BABETTE se estrenó el 17 de Febrero de 2017 en el Teatro Calderón de Valladolid.

Pepa Gamboa dirige EL FESTÍN DE BABETTE a partir de un relato de la autora danesa Isak Dinesen. Se trata de la primera adaptación teatral que se hace de la obra de Isak Dinesen. La creación escénica se hizo a partir de un taller socioteatral impartido por la directora Pepa Gamboa en el Teatro Calderón de Valladolid. Ana Otero, María José Alfonso, María Garralón, Manuel de Blas, Francisco Lahoz y Javier Semprún y 16 actores no profesionales elegidos participan en el montaje. Actores y actrices profesionales de larga trayectoria teatral darán vida a los personajes principales de la dramaturgia de Antonio Álamo y otros “no profesionales” harán ese efecto de extraña inclusión social que permite el teatro, en esta historia tan especial en la que la condición humana se esconde o se rebela a través de la gastronomía. Otro teatro sin prejuicios en los colectivos, una verdad teatral que parte de la convivencia y el trabajo diario de lo cotidiano; una verdad sutil determinada por la edad madura de los personajes y actores que expresan esos años que están porque pesan…  “seguimos siendo los mismos viejos que hace cincuenta años…” El libro El festín de Babette (Babette's Feast) fue publicado en 1958 dentro de la colección de cuentos Anecdotas del destino (Anecdotes of Destiny). En 1987 El festín de Babette fue llevada al cine por Gabriel Axel, siendo la primera película danesa en ganar el Oscar a la mejor película en lengua no inglesa.

SINOPSIS

En una aldea de la costa danesa viven dos hermanas, hijas de un estrictor pastor protestante ya fallecido, acogen a una refugiada francesa, ex cocinera de un lujoso restaurante, que huye de París después de haber perdido familia y bienes durante la revolución comunera de 1871. Durante catorce años Babette sirve a estas dos hermanas solteronas y puritanas, austeras y consagradas a obras piadosas, que en memoria de su padre han renunciado a los placeres de este mundo. Hasta que un día Babette gana la lotería y -para sorpresa de las hermanas- les pide el favor de ofrecer a la comunidad una cena en la que degustarán los más exquisitos manjares de la cocina francesa. El sencillo y pausado relato le sirve a la autora para contraponer dos formas de la espiritualidad y reflexionar de forma irónica sobre el sentido del sacrificio y el placer mundano. En un principio semejante banquete es visto con desconfianza por los miembros de la claustrofóbica comunidad e, incluso, les escandaliza. Pero Babette pone en el festín no solo su arte culinario sino que también sacrifica toda su fortuna. Aunque los doce comensales (un número de claras reminiscencias cristianas) han convenido recibir esos dones sin acusar placer alguno, el festín les lleva a una especie de catarsis. Las rencillas se diluyen; las frustraciones y sufrimientos se trascienden. El festín de Babette tiene algo de última cena: el exuberante desfile de vinos y manjares produce en ellos una reconciliación en la que se celebra, por encima de cualquier otra cosa, la vida, inasible y fugaz.

AGUA SALADA

Con El festín de Babette el Teatro Calderón afronta un proyecto de ese otro teatro, por recoger la expresión acuñada por José Monleón, donde, humilde y calladamente, tienen lugar revelaciones y revoluciones íntimas y personales. Un teatro donde, además de poner el acento en la intervención y/o la transformación sociales, se exploran nuevos acercamientos al hecho teatral, lo que acaba redundando en su singularidad, rasgo irrenunciable de toda pieza artística. En efecto, esta producción cuenta con una serie de peculiaridades que la convierten en algo insólito y audaz. La más evidente es que se trata de la primera vez que uno de los cuentos de Isak Dinesen (1885-1962), seudónimo masculino de la escritora danesa Karen Blixen con el que publicó la mayoría de sus obras y alcanzó un reconocimiento unánime, tiene una adaptación teatral. Naturalmente, la elección del relato –El festín de Babette– no es casual. Tras la exitosa y estimulante experiencia de "La Nave", el Teatro Calderón de Valladolid quería implicarse también con sus mayores, y la traducción escénica de este relato –en el que se celebra, por encima de cualquier otra cosa, la vida, inasible y fugaz– requería, por un lado, un amplio elenco de actores y, por otro, de actores de cierta edad, que fueron seleccionados tras unos talleres donde participaron más de sesenta mujeres y hombres de Valladolid. Pero, además, en un panorama donde a partir de cierta edad escasean los papeles, como si al cumplir años uno ya no fuera digno de encarnar o habitar pasiones, El festín de Babette constituía también una inmejorable oportunidad para reencontrarse con algunos de nuestros más veteranos actores y actrices, tan llenos de verdad y sabiduría. En esta pieza se enfrentan dos mundos que no pueden ser más distintos, el de dos viejas beatas y una subversiva revolucionaria –Babette–, que confluyen por caprichos del azar en un pueblecito perdido de la costa noruega para, asombrosamente, ser bendecidos por la vida antes de marcharse de ella. Un hilo invisible une a estas criaturas: la dignidad de obedecer a su propio destino. Porque cuando ya no sufrimos por lo que nos pasa –dice Babette en la versión escénica del cuento–, somos invencibles. Antonio Álamo [caption id="attachment_42968" align="aligncenter" width="705"] EL FESTIN DE BABETTE Foto: Gerardo Sanz[/caption]

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CIRCULO DE BELLAS ARTES

 

Compañía Tribueñe presenta

RETABLO DE LA AVARICIA, LA LUJURIA Y LA MUERTE

Ramón María del Valle-Inclán Maratón de Teatro

24 de marzo | De 19:00 a 02:00

El próximo 24 de marzo de 2017 se celebra desde las 19h en el Teatro Fernando de Rojas del Círculo de Bellas Artes la representación: 'Retablo de la avaricia, la lujuria y la muerte' dentro del Incentenario de Valle-Inclán.

  Jornada maratoniana de 8 horas y media (con descansos entre las obras) de Valle-Inclán en el Círculo de Bellas Artes el 24 de marzo de la mano de la Compañía Tribueñe. La compañía Tribueñe representará íntegramente el Retablo de la Avaricia, la Lujuria y la Muerte, compuesta por las piezas: Ligazón, La Rosa de Papel, La Cabeza del Bautista y El Embrujado. Una jornada maratoniana dirigida por Irina Kouberskaya que constituye una cita extraordinaria con el dramaturgo.   Ramón María del Valle-Inclán publicó este texto en 1927. La versión original aúna cinco obras dramáticas bajo los siguientes títulos: Ligazón, La rosa de papel, El embrujado, La cabeza del Bautista y Sacrilegio. El montaje que podrá verse en el Teatro Fernando de Rojas del Círculo de Bellas Artes incluirá cuatro de estas piezas.   Las piezas que integran el Retablo de la avaricia, la lujuria y la muerte están protagonizadas por personajes cotidianos que, tal y como el título desvela, son arrastrados por las pasiones de la avaricia y la lujuria hacia la muerte. El amor, la brujería y la magia decoran un ambiente plagado de superstición, en el que se abrazan lo corrupto y lo grotesco. En 2006, la crítica fue unánime a la hora de sancionar con admiración y asombro este montaje. Al respecto, el crítico Javier Villán escribía: “Irina Kouberskaya ha firmado una de las revisiones más potentes vistas por estos pagos del Retablo de la avaricia, la lujuria y la muerte, de un Valle-Inclán litúrgico, erótico y eterno. En este retablo afloran todos los misterios y realidades de Valle: vanguardismo, erotismo, simbolismo, crítica social y tradición radicalmente española (…). Cuando se revise la historia de los montajes de Valle-Inclán, esta desmesurada puesta en escena ocupará un puesto de privilegio: puede que esté llamado a ser una de los acontecimientos teatrales del año”.   [caption id="attachment_42909" align="aligncenter" width="700"] LA ROSA DE PAPEL[/caption]  

SINOPSIS

LIGAZÓN | 19:00h Duración: 1 hora Una mozuela de una aldea gallega se rebela contra el deseo de su madre de vender su cuerpo a un rico judío. Con profusión de ingredientes mágicos, esta pequeña obra maestra de Valle profundiza aquí en un tema ya apuntado en las Comedias Bárbaras y que tendrá su máximo desarrollo en “los esperpentos”, el tema de la corrupción. LA ROSA DE PAPEL | 20:30h Duración: 1 hora Julepe, anarquista borrachín, se sorprende al heredar una gran cantidad de dinero a la muerte de su mujer. Con más sorpresa aún descubre la procedencia de su fortuna. En este denominado «melodrama para marionetas», el dramaturgo avanza decididamente en el campo de lo grotesco, dándonos un dibujo de trazos abultados y fuertes manchas de color. LA CABEZA DEL BAUTISTA | 22:15h Duración: 1 hora La respetable vida de Don Igi, dueño del café y los billares de una aldea gallega, se ve interrumpida por la llegada de El Jándalo, su hijo, un joven que viene de América. La honrada apariencia de Don Igi se rompe con la presencia del viajero: su pasado sale ya a la luz. Y, así, con la complicidad de su actual compañera, La Pepona, Don Igi mata al único testigo del crimen cometido hace años. EL EMBRUJADO | 00:00h Duración: 2 horas La acción de esta “tragedia de tierras de Salnés” tiene como eje el enfrentamiento entre un rico terrateniente, Don Pedro Bolaño, y Rosa Galans. Don Pedro es orgulloso como corresponde a su papel social; pero no está dominado por el orgullo, y menos aún por la lujuria. La pasión que domina al personaje es la avaricia. Drama sombrío, desarrollado entre forcejeos de codicia e impulsos de amor, animado por las burlas sarcásticas de los ciegos agoreros, con el desenlace del sacrificio de una criatura inocente e inofensiva.  

FICHA

Autor: Ramón María del Valle-Inclán Compañía: Tribueñe Dirección: Irina Kouberskaya Fechas y horarios: 24 de marzo desde las 19h en el CIRCULO DE BELLAS ARTES   [button link="https://www.ticketea.com/entradas-teatro-incentenario-valle-inclan-circulo-bellas-artes/?a_aid=AFFPAP-madridesteatro&a_bid=d191752a" newwindow="yes"]COMPRAR ENTRADAS[/button]   [/et_pb_text][/et_pb_column][/et_pb_row][/et_pb_section]

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TEATROS LUCHANA

 

PROYECTO TEATRAL EL PUENTE presenta

TIEMPO COMPARTIDO

Dramaturgia y direccion: Víctor Arrojo

Del 26 de febrero al 2 de abril

TIEMPO COMPARTIDO es el primer proyecto de EL PUENTE proyecto teatral. Una obra con dramaturgia de dirección y puesta en escena de Víctor Arrojo. Estrenada en Mendoza, Argentina, en agosto de 2016.

Se estrena el 26 de febrero de 2017 en los Teatros Luchana con la dirección de Víctor Arrojo y las actuaciones de Sara Torres y Luis Sampedro. El equipo se completa con la asistencia de dirección de Marcelo Orueta, el diseño gráfico de Elo García y la fotografía de Andrés Rubio.   A partir de grandes textos de Ionesco (“Delirio a dúo”), Rodrigo Garcia (“Jardinería humana”) y José Sanchís Sinisterra (“Pervertimento”) esta obra desde una dramaturgia de direccion construye un juego por arriba del juego, el teatro jugando al teatro.  

SINOPSIS

TIEMPO COMPARTIDO se transforma en el encuentro con los espectadores, en una “experiencia”. Los espectadores no participan de la acción o del relato, están, como los actores, “involucrados” en el mismo espacio y tiempo. La fuerza del acontecimiento teatral pasa por los comportamientos básicos de los actores, la palabra perturbadora y el espacio y tiempo compartido. La búsqueda se centró en trabajar la idea de “teatro asamblea”, donde desaparece la clásica división de espacios entre espectadores y actores.  

FICHA

Dirección y puesta en escena: Víctor Arrojo Asistencia de dirección: Marcelo Orueta Fotografía: Andrés Rubio Diseño Gráfico: Elo García Reparto: Sara Torres y Luis Sampedro Proyecto teatral EL PUENTE (Mendoza – Madrid) Fechas y horarios: Del 26 de febrero al 2 de abril Domingos a las 19h. en los TEATROS LUCHANA   [button link="http://bit.ly/2lu8stY" newwindow="yes"]COMPRAR ENTRADAS[/button]   [/et_pb_text][/et_pb_column][/et_pb_row][/et_pb_section]

TEATRO GALILEO

Feelgood Teatro 
presenta

EL CICLISTA UTÓPICO

de Alberto de Casso
Dirección: Yayo Cáceres

Del 08 Abr al 02 May 2021

El 24 de marzo del 2017 se estrenó en el Teatro Calderón de Valladolid, EL CICLISTA UTÓPICO de Alberto de Casso (Premio Teatro Calderón de Literatura Dramática) y dirección de Yayo Cáceres. Fran Perea y Fernando Soto forman el reparto.

Manuel, un maestro rural que vive feliz y apaciblemente con su mujer y sus tres hijas menores de edad, un día cegado por el sol atropella en un cruce al ciclista Acebal y destroza su bicicleta. El ciclista se muestra muy apenado por este hecho y despierta la compasión de Manuel.

El hombre atropellado visita al maestro dos días después en su casa a horas intempestivas para paliar su soledad y para salir a montar juntos en bicicleta. Desde el primer momento el atropellado inspira un sentimiento de repulsión en el maestro que apenas sabe cómo disimular. Acebal es un hombre rústico, cerril, reaccionario, exaltado y aparentemente ingenuo que diseña en su ilusoria cabeza una serie de máquinas delirantes, insensatas y utópicas que faciliten las relaciones humanas.

Un día Acebal se aparece en el colegio de Manuel con el fin de seducir a alguna de las compañeras maestras, lo que provoca el desconcierto y la irritación sorda en el maestro. Al mismo tiempo va mostrando un interés creciente hacia la hija adolescente de su amigo, provocando un sentimiento de aversión que envenena el alma del Manuel.

El atropello hará que surja un vínculo fuerte, tenaz y sumamente destructivo entre ambos personajes. El ciclista Acebal se infiltrará cada vez más en la vida familiar y laboral de Manuel hasta convertir su existencia en un tormento y al final hará que su presencia resulte tan sofocante como necesaria, y todo llegue a un punto de no retorno.

• 'El ciclista utópico', Don Quijote y Sancho Panza en bicicleta

NOTA DEL DIRECTOR

¿Puede un accidente cambiarnos la vida?
¿Podemos usar un accidente para cambiar nuestra vida?

El ciclista utópico de De Casso me despierta éstas y otras preguntas.

Dos personas encerradas en una relación que se va complicando con el paso del tiempo.
Uno, intentando mantener la utopía en la que vive. El otro, intentando conseguir la suya a raíz de un accidente que reúne a dos hombres en medio de una carretera.
Un texto incómodo. Una relación incipiente y oscura que desnuda a su vez otras relaciones en el entorno de los personajes.
Humor duro y con el sarcasmo suficiente como para importunar.
De Casso nos ofrece este texto en el que, una vez más, el teatro nos ayuda y nos sirve para escrutar la condición humana y el profundo e intrincado laberinto de las relaciones.
Manipulación, culpa, deseos ocultos, personajes oscuros y extremos, más otra cantidad de ingredientes asoman en este Ciclista utópico en el que dos personajes, el que provoca el accidente y el accidentado, se meten a la vez en un túnel en el que quizás ni siquiera se ve la luz de la salida.
Dos personajes, dos actores al servicio de la historia; y una historia humana y descarnada que no dejará indiferente al espectador que se verá reflejado en...

¿En cuál?
Después de ver el montaje, si se anima; nos lo confiesa

Yayo Cáceres

• “Dos magistrales intérpretes crean a tan diferentes personalidades con pulso y ritmos adecuados para mantener la tensión dramatúrgica y la atención de los espectadores”. Óscar Romero. Diario Sur
• “Una ágil comedia conversacional que jalona de momentos absurdos un viaje hacia la mediocridad del ser humano”. Belén Santa-Olalla. Málaga Hoy
• “No hay nada que haga reír más que las desgracias ajenas. Y, en este caso, es esa adversidad desesperante de las que te dan ganas de saltar del patio de butacas y gritar: “¡Pero reacciona ya!”.  Paco Inestrosa. LaOpinión de Málaga 

https://youtu.be/P2hrKUlmKY8