TEATRO DE LA ZARZUELA

EL TEATRO DE LA ZARZUELA presenta

MARUXA

Égloga lírica en dos actos

Música de AMADEO VIVES Libreto de Luis Pascual Frutos Estrenada en el Teatro de la Zarzuela, el 28 de mayo de 1914 Nueva producción del Teatro de la Zarzuela

Una historia en la confusa frontera entre el amor y el deseo.

   

El Teatro de la Zarzuela vuelve a estar de celebración. En este caso gracias a la égloga lírica ‘Maruxa’ del gran Amadeo Vives, que regresa a este secular escenario tras 46 años de ausencia. Las dos últimas funciones de entonces también tuvieron un marcado carácter festivo, ya que fueron programadas, en junio de 1971, con motivo del centenario del nacimiento del compositor. Este casi medio siglo sin subir a las tablas del teatro de la madrileña calle de Jovellanos hace que aún sea mayor la expectación en torno al título, cuyo libreto original está firmado por el dramaturgo Luis Pascual Frutos. Y como la ocasión lo merece, se ofrecerán 14 funciones entre el 25 de enero y el 11 de febrero.

   

Pero no es únicamente la razón del tiempo lo que ha levantado tal interés, sino también, y en gran medida, el conjunto de la propuesta. Y no es para menos, ya que a la dirección de escena y escenografía de Paco Azorín, uno de los grandes nombres de la creación teatral de hoy, se une la maestría del internacional José Miguel Pérez-Sierra, una de nuestras batutas de referencia que estará al frente de la Orquesta de la Comunidad de Madrid (Titular del Teatro) y del Coro Titular del Teatro de la Zarzuela, un doble reparto para el que la partitura parece estar hecha a medida y un equipo artístico que sitúa con toda naturalidad nuestro género lírico en el siglo XXI.

   

Dichos elencos estarán integrados por las sopranos Maite Alberola y Susana Cordón en el papel de Maruxa, los barítonos Rodrigo Esteves y Borja Quiza en el de Pablo, el bajo-barítono Simón Orfila como Rufo, las sopranos Ekaterina Metlova y Svetla Krasteva haciendo las veces de Rosa, los tenores Carlos Fidalgo y Jorge Rodríguez-Norton encarnando a Antonio y el barítono Carles Pachón, reciente ganador del Concurso Internacional Alfredo Kraus, como la voz del Zagal. Junto a ellos alternarán la escena 13 actores y la bailarina María Cabeza de Vaca, que será la diosa Galicia. Asimismo, sonará en off la voz de la actriz María Pujalte.

Mientras que Azorín afirma que “Maruxa es un canto doloroso a Galicia, una suerte de Stabat Mater”, Pérez-Sierra está convencido de que, dada la “incontestable calidad de la partitura”, una de las razones primordiales de que la obra no sea más programada es “su enorme dificultad para los cantantes”.

 

FICHA

Dirección musical José Miguel Pérez Sierra Dirección de escena y escenografía Paco Azorín Vestuario Ana Güell Iluminación Pedro Yagüe Proyecciones Pedro Chamizo Movimiento escénico Carlos Matos

Reparto Maite Alberola (25, 27, 31, 2, 4, 8 y 10), Susana Cordón (26, 28, 1, 3, 7, 9 y 11), Rodrigo Esteves (25, 27, 31, 2, 4, 8 y 10), Borja Quiza (26, 28, 1, 3, 7, 9 y 11), Simón Orfila, Ekaterina Metlova (25, 27, 31, 2, 4, 8 y 10), Svetla Krasteva (26, 28, 1, 3, 7, 9 y 11), Carlos Fidalgo (25, 27, 31, 2, 4, 8 y 10), Jorge Rodríguez Norton (26, 28, 1, 3, 7, 9 y 11), Carles Pachón

Orquesta de la Comunidad de Madrid  Titular del Teatro de La Zarzuela Coro del Teatro de La Zarzuela. Director: Antonio Fauró   Fechas y horarios: 25, 26, 27, 28 y 31 de enero; 1, 2, 3, 4, 7, 8, 9, 10 y 11 de febrero de 2018 20:00 horas (domingos, a las 18:00 horas) en el TEATRO DE LA ZARZUELA [button title="Comprar Entradas" link="https://www.entradasinaem.es/ListaEventos.aspx?id=7&idEspectaculo=587" target="_blank" align="" icon="" icon_position="" color="" font_color="" size="2" full_width="" class="" download="" rel="" onclick=""]

Aplaudo la valentía de Paco Azorín en Maruxa.  Aplaudo el homenaje, amor y respeto a la gente de Galicia. Y aplaudo su demoledor segundo acto.

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TEATRO FERNÁN GÓMEZ

 

Compañía Sala Atrium presenta

LAS TRES HERMANAS, DECONSTRUCTING CHÉJOV

José Sanchís Sanisterra, sobre "Las tres hermanas" de Anton Chéjov

Del 3 al 25 de febrero

  Las Tres Hermanas es una de las obras capitales de la dramaturgia universal escrita por el autor ruso Anton Chéjov. La obra está estructurada en cuatro actos. Escrita en el año 1900 y representada por primera en 1901. Las tres hermanas es una obra naturalista sobre la decadencia de la clase social privilegiada de Rusia y la búsqueda del su significado en el mundo moderno. Describe las vidas y aspiraciones de la familia Prózorov, las tres hermanas (Olga, Masha e Irina) y su hermano Andrei. Es el texto supremo de la sorda existencia que enlaza los acontecimientos de vida. La obra nos muestra una familia insatisfecha y frustrada con su existencia, que pasa el año entre las obligaciones de un presente desencantado, la irónica revisión de la nostalgia del pasado y la frágil esperanza de un futuro cada vez más alejado de sus sueños. Las tres hermanas son mujeres cultas y refinadas que, aunque se formaron en el Moscú urbano, desde hace once años viven en una pequeña aldea de provincias. La ciudad de Moscú es el principal elemento simbólico de la obra: las tres hermanas siempre la están idealizando y soñando volver a Moscú, además identifican la ciudad con su felicidad y con la vida perfecta. De la misma manera, el plan de volver a Moscú nunca se materializa y sus sueños no se cumplen. El derrumbe de sus ilusiones es uno de los ejes principales de esta obra que Chéjov cualifica de drama y que tiene alguna cosa de reportaje familiar.   José Sanchis Sinisterra reduce la obra a su esencia, con solamente tres actrices, Los otros personajes de la obra aparecen a través de un juego de saltos: entre el presente, el recuerdo y la imaginación, entre el relato y la vivencia de estas tres mujeres. Para los que conocen la obra original, resulta una reescritura sorprendente, poliédrica y llena de musicalidad, un ejercicio de funambulista que conecta la época del autor ruso con nuestro mundo de hoy, mientras que el espec- tador que aún no está familiarizado con ella descubrirá a las tres hermanas desde el latido íntimo de las protagonistas.

TEATRO BELLAS ARTES

TalYCual en coproducción con Pentación, nnnhc y Jcrc

presentan

LA CULPA

de David Mamet

estreno 8 de enero

  [gallery link="file" size="full" ids="72775,72776,72777"]   Un psiquiatra es requerido a declarar en favor de un paciente responsable de cometer una masacre. Cuando se niega a hacerlo, su carrera, su ética y sus creencias son cuestionadas, desencadenando una espiral de acontecimientos que convulsionará no sólo su vida, sino la de la persona que más quiere. Tradicionalmente, Mamet ha mantenido siempre una especial relación con españa. no solo se ha montado en este país la inmensa mayoría de sus obras sino que siempre han sido producciones de primer nivel. su nueva obra no es una excepción, con temas recurrentes como el abuso de poder y los juicios mediáticos, ni tampoco es excepcional que la haya dejado en manos de la compañía talycual que ya trajo a este país “Muñeca de porcelana” y “razas”, asegurando de nuevo los mejores teatros y unos elementos artísticos al mismo nivel. Por eso, españa será de nuevo el primer país donde se verá después de su estreno en nueva York y el resultado sin duda no será menor.   [caption id="attachment_72774" align="aligncenter" width="907"] LA CULPA.[/caption] Comprar entradas

PALACIO DE LA PRENSA

presenta

TREVELAN

Un show de magia y escapismo dirigido a toda la familia, cargado de riesgo y misterio que inunda la Gran Vía durante todo el mes de enero

A partir del 12 de enero  a las 23:30h. en el Palacio de La Prensa

    El Palacio de la Prensa de la Gran Vía de Madrid abre sus puertas a la magia más inquietante y rompedora de la mano de uno de los ilusionistas más vanguardistas y sugerentes de los últimos tiempos. Trevelan, reconocido por el gran ANTHONY BLAKE, quien afirma que “Trevelan es Misterio, Trevelan es Magia”, presenta su visión de la magia desde un punto vista personal; un espectáculo que, bajo el título “No cometas el error de creer imposible aquello que es inexplicable”, da una vuelta de tuerca al show de magia tradicional. Ilusionista profesional con más de 15 años de experiencia en los escenarios, director y creador del festival internacional “Almendralejo Tierra de Magia”, Trevelan es conocido por su increíble puesta en escena, totalmente diferente a lo ya visto por el público. Es experto en una de las ramas más peligrosas inquietantes del mundo de la magia, el escapismo, y ha trabajado a lo largo de su trayectoria con grandes figuras del arte de la magia como, por ejemplo, Jorge Blass, Juan Tamariz, Shawn Farquar (Canadá), Miguel Ángel Gea o Yunke, entre otros muchos. Trevelan pasa por todas las ramas de la magia, dándole siempre un punto de vista personal a sus espectáculos en los que entremezcla el teatro, la ilusión, el escapismo, el mentalismo y la magia, sin olvidar sus escapes extremos, show de calle donde el ilusionista extremeño es capaz de escapar esposado y encadenado a un vehículo antes de que éste se ponga en marcha.   Fechas y horarios: Enero: 12 y 19 a las 23:30 h.  Febrero: 9 y 23 a las 23:30 h. Marzo: 2, 23 y 30 a las 23:30 h. Abril: 6, 20 y 27 a las 23:30 h. en el PALACIO DE LA PRENSA

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LA ESCALERA DE JACOB

EL SEXO DE ANA

por AMOR PRIOR

Todos los viernes de enero a las 20:30h en la sala La escalera de Jacob

 

El sexo de Ana cuenta la historia de una mujer a través de su sexo, entendido este de una manera amplia. Un viaje que muestra lo que puede significar ser mujer en esta sociedad y lo que nos es dado por pertenecer al sexo femenino. Una tragicomedia crítica y poética con la que cualquiera, independientemente de su sexo, se puede identificar.

    La actriz y narradora Amor Prior se sube todos los viernes de enero a las 20:30h a las tablas de la sala La escalera de Jacob (Calle de Lavapiés, 9) con ‘El sexo de Ana’, donde se representa ininterrumpidamente desde el mes de abril. No necesita más compañero de escena que sus propias palabras para contarnos la historia de la verdadera protagonista del espectáculo: Ana.   A lo largo de una hora Prior recorre la vida sexual y amorosa de Ana, desde su descubrimiento en la infancia hasta la edad madura. Un viaje poético con grandes dosis de humor donde también cabe la crítica para mostrar lo que puede significar ser mujer en esta sociedad y lo que nos es dado por pertenecer al sexo femenino.   Amor Prior define ‘El sexo de Ana’ como “un espectáculo teatral que narra la vida de una mujer desde que nace a su actual presente en el que tiene treinta y tres años centrándose en episodios de su vida donde la sexualidad y el género son los protagonista. Una historia narrada desde la perspectiva de una mujer para contarnos a nosotras sin censura pero con amabilidad. Donde tras una superficie graciosa se esconde una profunda crítica a nuestra sociedad.”   Amor Prior Amor Prior nace en Almería en 1983 y desde muy pequeña siente una gran atracción por las artes en general. No es hasta que tiene quince años que descubre el teatro, su amor definitivo. Empieza a formarse en su ciudad natal en varias disciplinas teatrales como interpretación, dirección, escritura o vestuario y a trabajar con grupos de teatro locales hasta que en 2006 ingresa en la ESAD de Valencia para estudiar Arte Dramático en la especialidad de Interpretación Textual. En 2014 se traslada a Madrid y descubre la narración oral. Se forma con distintos maestros y escuelas en la capital y crea varios espectáculos donde mezcla su nuevo aprendizaje con su experiencia teatral y su pasión por la escritura.     Intérprete: AMOR PRIOR @PRIORAMOR

Fechas y horarios: Viernes de enero a las 20.30h.  en LA ESCALERA DE JACOB

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en gira

 

LAZONA y El Pavón Teatro Kamikaze

presentan

LA VALENTÍA

de  Alfredo Sanzol

 

 

Una pareja de hermanas, Guada y Trini, han heredado la casa familiar en la que pasaban sus veranos en el campo. Las dos aman la casa, pero tiene un pequeño problema: a cinco metros de la puerta de entrada pasa una autopista. La valentía es la última obra escrita y dirigida por Alfredo Sanzol, Premio Nacional de Literatura Dramática 2017 y reciente premio Valle Inclán.

    La belleza es tan grande que cuando nos visita no cabe en nuestro corazón y sufrimos porque nos gustaría hacernos más amplios para darle sitio. Pensamos que quizás podemos hacer espacio sacando recuerdos y trozos de dolor esparcidos, o fealdades atornilladas a la memoria, pero vemos que eso es imposible porque ya forman parte de nosotros. Entonces sólo nos queda transformarnos para crecer. Crecemos todo lo que podemos para que la belleza tenga sitio, pase y se quede, y al crecer las articulaciones y los músculos de nuestra alma sufren, se resquebraja lo que pensábamos sólido, se tambalea lo que considerábamos fijo y sentimos miedo. Entonces solo nos queda llamar tímidamente a la única fuerza que podrá ayudarnos para continuar: la valentía. En La valentía, una pareja de hermanas, Guada y Trini, han heredado la casa familiar en la que pasaban sus veranos en el campo. Las dos aman la casa, pero tiene un pequeño problema: a cinco metros de la puerta de entrada pasa una autopista. A pesar de eso, Guada quiere conservarla y ha decidido quedarse para pasar el invierno, pero Trini está preocupada con la obsesión que le ha entrado a su hermana con la casa y quiere sacarla de ahí cueste lo que cueste. La valentía es la última obra escrita y dirigida por Alfredo Sanzol, Premio Nacional de Literatura Dramática 2017.

FICHA

Texto y dirección  Alfredo Sanzol Iluminación Pedro Yagüe Escenografía Fernando Sánchez Cabezudo Vestuario  Guadalupe Valero Ayudante de dirección Beatriz Jaén Comunicación y Giras  prebollo@lazona.eu Dirección de Producción  Miguel Cuerdo   Intérpretes: Jesús Barranco, Francesco Carril, Inma Cuevas, Estefanía de los Santos, Font García y Natalia Huarte

Fechas y horarios: Del  17 de mayo al 17 de junio.Jueves 17 Mayo, 20:30 h. (Estreno) Martes, miércoles, jueves y sábados, 20:30 h. Viernes, 20 h. Domingos, 19 h. Horarios especiales Viernes 8 Junio, 20:30 h. Viernes 15 Junio, 20:30 h. en el PAVÓN TEATRO KAMIKAZE

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Sanzol echa mano de Mihura, Coward, Poncela e incluso de la Pantomime para hablarnos de  los habitantes de, esta si,  casa habitada.

       

‘La valentía’: Cuento de fantasmas (Sino el texto, en mi opinión, demasiado lineal, falto de chispa y carente del vuelo necesario para distanciarse de los tópicos que utiliza)

 

• Un batiburrillo

• Alfredo Sanzol: “Mis obras las concibo como regalos”

• Inma Cuevas: "¿Qué es tener un físico estándar?"

• Sanzol, hacia la autopista de la memoria

• ‘La valentía’: Cuento de fantasmas

 

PAVÓN TEATRO KAMIKAZE

 

KAMIKAZE PRODUCCIONES

presentan

ILUSIONES

de Ivan Viripaev

Del 13 Feb – 3 Mar 2019

 

A través de las historias entrelazadas de dos parejas casadas, Ilusiones revela las paradojas de la pasión y la muerte, la lealtad y la traición, la verdad y la ficción. Miguel del Arco dirige a Marta Etura, Daniel Grao, Alejandro Jato y Verónica Ronda en esta oscura y cómica disección del verdadero amor escrita por Ivan Viripaev.

“Voy a haceros el relato de su amores y de sus venturas, mas si vuestro corazón tuviera el valor suficiente, con un artificio podríais ver su vida con todos su lances ante vos representados por espectros parecidos a cuerpos animados: no les faltaría ni el ademán, ni el habla”.

Pierre Corneille, La comedia de las ilusiones.

    Esta obra, a la que su autor Ivan Viripaev llama comedia, comienza con la muerte de Dani y termina con la de Sandra, Margarita y Alberto, el cuarteto que conforma los dos matrimonios protagonistas de Ilusiones. Los cuatro mueren habiendo cruzado la frontera de los ochenta. Viripaev propone un recorrido vital por la trayectoria de estas dos parejas que intentan, juntos y por separado, encontrar su lugar en el mundo. Aunque a veces este lugar aparezca en sitios tan singulares como el interior de un armario o la superficie de una piedra redonda en el desierto australiano. Pero Viripaev no quiere que sean ellos mismos –Dani, Sandra, Margarita y Alberto–, los que nos cuenten su propia peripecia vital, sino cuatro narradores de los que nada sabemos y que atrapan sus historias como si fueran ecos de vidas pasadas. A través de las historias entrelazadas de dos parejas casadas, Ilusionesrevela las paradojas de la pasión y la muerte, la lealtad y la traición, la verdad y la ficción. Miguel del Arco dirige a Marta Etura, Daniel Grao, Alejandro Jato y Verónica Ronda en esta oscura y cómica disección del verdadero amor. Bienvenidos a Ilusiones, una comedia existencialista.    

PAVÓN TEATRO KAMIKAZE

 

Jóvenes Clásicos

presentan

A SECRETO AGRAVIO, SECRETA VENGAZA

de Calderón de la Barca

Del 28 de abril al 6 de mayo de 2018

Los inspectores Delgado y Ferrer investigan la aparición de un cuerpo en el puerto de Lisboa. Los interrogatorios y recuerdos de los personajes apuntarán a Don Lope de Almeida, noble portugués, cuya mujer murió en un terrible incendio pocos días antes de la aparición del cadáver. A secreto agravio, secreta venganza, a partir de la obra de Calderón de la Barca, ha sido el montaje merecedor del Premio Almagro Off 2017 por “el valioso alegato contra la violencia de género y la intolerancia que conlleva la propuesta”.

  Los inspectores Delgado y Ferrer investigan la aparición de un cuerpo en el puerto de Lisboa. Los interrogatorios y recuerdos de los personajes apuntarán a Don Lope de Almeida, noble portugués, cuya mujer murió en un terrible incendio pocos días antes de la aparición del cadáver. Una fadista, a modo de corifeo, narra con sus canciones los hechos y las consecuencias de la trágica historia, como si de un fado se tratase, mientras la pareja de policías interroga en comisaría a testigos y sospechosos del doble asesinato. Hace un siglo, Menéndez Pelayo definió A secreto agravio, secreta venganza como una obra radicalmente inmoral. Juan Eugenio de Hartzenbusch, por el contrario, la distinguió como una de las mejores obras de Calderón de la Barca. Y es que el “honor calderoniano” es un honor cruelmente severo e inflexible, en cuyo nombre la venganza es siempre lícita. En los dramas de honor el motivo central se basa en la recuperación o defensa del mismo. Un inocente flirteo de la dama con otro galán se puede convertir en una amenaza seria de adulterio y, por tanto, de deshonra. Así surge el término genérico de origen inglés, wife-murder plays, o lo que es lo mismo, “dramas de uxoricidio”. Pero como es bien sabido, la realidad supera siempre a la ficción. A pesar de haber trascurrido cuatro siglos y que el significado de honor tiene un matiz muy distinto, la sociedad ha progresado poco en este aspecto. Desafortunadamente hemos pasado de lo que Calderón plasmaba como restauración del honor a la violencia de género, una auténtica lacra social del siglo XXI. El balance de mujeres asesinadas por sus parejas se acerca a una media de 75 al año. No se consigue erradicar completamente. Hay víctimas repartidas por toda la geografía española: estranguladas, apuñaladas, golpeadas, tiroteadas, rociadas con gasolina y quemadas vivas, siendo los celos uno de los principales motores de esta tragedia social. El propio Calderón, en el siglo XVII, los llamó “el mayor monstruo del mundo”. En una época en la que por desgracia se están volviendo a superar cifras récord de casos de violencia de género, A secreto agravio, secreta venganza es una denuncia a esta lacra social. A secreto agravio, secreta venganza está basada en una “historia real”. Casos similares se producen en todas las sociedades y, la verdad sea dicha, en ninguna tanto como en la nuestra. A secreto agravio, secreta venganza ha sido el ganador del Certamen Almagro Off 2017 del Festival Internacional de Teatro Clásico de Almagro por “el desafío que implica poner en escena un texto poco difundido de Calderón, el hecho de haber escrito una versión libre que rescata la poesía del original y actualiza su lenguaje y sus valores, y por el valioso alegato contra la violencia de género y la intolerancia que conlleva la propuesta”. Almagro Off tiene como objetivo descubrir y premiar a directores noveles y compañías que trabajen textos barrocos desde la originalidad, la innovación, el riesgo y la contemporaneidad.    

FICHA

Texto Calderón de la Barca Versión libre y adaptación  Pablo Bujalance y Pedro Hofhuis Dirección Pedro Hofhuis Idea original José Carlos Cuevas Espacio escénico Pedro Hofhuis Música José Manuel Padilla Vestuario Carmen Baquero Ayudante de dirección Miguel Navarro y Lorena Roncero Asesor de verso   José Carlos Cuevas UNA PRODUCCIÓN DE  Intérpretes: José Carlos Cuevas, David Mena, Pilar Aguilarte, Mai Martín y Rubén del Castillo

Fechas y horarios: Del 28 de abril al 6 de mayo. Miércoles 14 Mar, 20:30 h. Sábado 28 Abr, 18:30 h. (Estreno) Domingos, 21 h.

Lunes, 20:30 h. Martes, miércoles, jueves y sábados, 18:30 h.en el PAVÓN TEATRO KAMIKAZE [button title="Comprar Entradas" link="https://es.patronbase.com/_TeatroKamikaze/Productions/0070/Performances" target="_blank" align="" icon="" icon_position="" color="" font_color="" size="2" full_width="" class="" download="" rel="" onclick=""]  

PAVÓN TEATRO KAMIKAZE

 

 Piccolo Teatro di Milano

presenta

ELVIRA

Del 19  al 21  de abril de 2018

  Toni Servillo regresa al Festival de Otoño a Primavera para dirigir y protagonizar un texto sobre la condición última del actor. Elvira es una lección-espectáculo que profundiza en la intensa relación creativa que existió entre el célebre maestro Louis Jouvet y su joven alumna-actriz. Espectáculo perteneciente a la programación del XXXV Festival de Otoño a Primavera de la Comunidad de la Madrid.   Tras años centrado en espectáculos que recuperan lo mejor de la tradición teatral italiana –de Carlo Goldoni a Eduardo De Filippo–, Toni Servillo regresa al Festival de Otoño a Primavera para protagonizar y dirigir un texto sobre la condición última del actor, su manera de trabajar en el teatro, la técnica, los valores, el día a día y la relación que los intérpretes establecen con el mundo más allá de los límites del escenario. Se trata de Elvira, un texto que parte de una experiencia real de trabajo –las lecciones de interpretación para la creación del personaje de Doña Elvira del Don Juan de Molière en el París ocupado por los nazis– que la actriz y directora francesa Brigitte Jaques adaptó al teatro en los 80 para explicar la intensa relación creativa entre el célebre maestro Louis Jouvet y su joven alumna-actriz Claudia, trasunto de la actriz Paula Dehelly. Un recorrido que comienza como una lección artística y formativa centrada en un momento concreto –el adiós de Elvira a su antiguo amante– y deriva en un combate dialéctico en torno al hombre y sus contradicciones. “Después de años en los que las reflexiones de Louis Jouvet sobre el teatro y el trabajo del actor me han acompañado a la hora de afrontar diferentes repertorios, de Molière a Marivaux, de De Filippo a Goldoni, me pareció que había llegado el momento de un encuentro directo con él”, explica Servillo. “Las reflexiones de Jouvet son particularmente válidas para explicar a los más jóvenes la nobleza del arte de actuar, un arte que parece haberse devaluado en estos tiempos confusos”. Elvira transporta a los espectadores al interior de un teatro cerrado para que espíen a un maestro y a su alumna en el particular momento de creación de un personaje. Teatro dentro del teatro que, tras su estreno en el Piccolo Teatro di Milano, no ha dejado de sumar excelente críticas. Cabe mencionar la grandísima acogida que el montaje tuvo a su paso por el Théatre de l’Athénée Louis Jouvet de París en enero de 2017.   [caption id="attachment_53960" align="aligncenter" width="600"] ELVIRA[/caption]   Fundado en 1947 por Giorgio Strehler, Paolo Grassi y Nina Vinchi, el Piccolo Teatro di Milano es el primer teatro estable de Italia. La idea que animó a sus fundadores era dar vida a una institución sostenida por el estado y las entidades locales, como un servicio público consagrado a los ciudadanos. “Un teatro de arte para todos” es el eslogan que acompañó al Piccolo en sus inicios y que hoy todavía resume su finalidad: llevar a escena espectáculos de calidad dirigidos a un público lo más amplio posible. En sus distintas salas, se han representado espectáculos de Shakespeare, Goldoni, Brecht, Chéjov, Pirandello y Goethe, entre otros grandes autores. Además, cada año desde 1999, el Piccolo organiza el Festival del Teatro d’Europa por el que han pasado artistas como Peter Brook, Eimuntas Nekrosius e Ingmar Bergman, entre otros. En la actualidad, el Piccolo tiene como director general a Sergio Escobar y como director artístico a Luca Ronconi. En esta ocasión, el Piccolo Teatro di Milano llega al XXXV Festival de Otoño a Primavera con una coproducción junto al Teatri Uniti, nacido en Nápoles en 1987 tras la unión de tres diferentes compañías, Falso Movimento, Teatro dei Mutamenti y Teatro Studio di Caserta, de la mano de tres directores, Mario Martone, Antonio Neiwiller y Toni Servillo. Su aportación a la escena italiana y extranjera desde hace más de 25 años ha sido indiscutible, sirviendo como un laboratorio permanente para la producción y el estudio del arte escénico contemporáneo y mezclando, en algunas ocasiones, el lenguaje teatral con la música, la danza, el cine y las artes visuales.   Fechas y horarios: Del 19  al 21  de abril de 2018. Jueves 19, a las 20:30 horas (Estreno) Viernes 20, a las 20:30 horas Sábado 21, a las 20:30 horas  en el PAVÓN TEATRO KAMIKAZE    

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PAVÓN TEATRO KAMIKAZE

 

La_Abducción y El Pavón Teatro Kamikaze

presentan

EL TRATAMIENTO

de Pablo Remón

Del 19 de junio al 1 julio de 2018

 Escrita y dirigida por Pablo Remón, El tratamiento es una comedia sobre el mundo del cine, a la vez que una reflexión sobre el paso del tiempo y la voluntad de conjurarlo mediante la ficción. Guionistas frustrados. Directores alcoholizados. Productores al borde de un ataque de nervios. El mundo del cine en su caótico esplendor. Protagonizada por Ana Alonso, Francesco Carril, Bárbara Lennie, Francisco Reyes y Emilio Tomé.   SOBRE LA OBRA Tratamiento

1. m. Conjunto de medios que se emplean para curar o aliviar una enfermedad.
2. m. Modo de trabajar ciertas materias para su transformación.

En la industria cinematográfica, se utiliza el término “tratamiento” para referirse al resumen secuenciado de una futura película. Es un paso previo al guion, que se usa muchas veces como documento de venta. Es habitual que un guionista escriba uno o varios tratamientos y que los mueva por productoras con la esperanza de que se conviertan en películas. La mayor parte de estos tratamientos nunca se producen. Construida en tres partes o capítulos (El futuro del cine español, El hundimiento del Titanic, Cartas desde el mar Egeo), El tratamientocuenta la historia de uno de estos guionistas: un cineasta frustrado que trabaja dando clases de guion y hace mucho que solo escribe telepromociones para vender electrodomésticos. Pero también es el retrato de varios personajes que comparten el deseo de escribir. A modo de álbum de fotos, vemos lo que fueron, lo que querrían haber sido, lo que son. Lo que escriben y lo que no escribirán nunca. Cinco actores interpretan a una veintena de personajes, pasando por multitud de espacios y tiempos. Una narración eminentemente teatral, pero de aspiración novelesca y cinematográfica. Un intento de hacer una obra de obras, donde lo vivido, el pasado, lo narrado y lo imaginado se pongan al mismo nivel. Recuerdo y ficción se entrelazan. ¿No es así como recordamos el pasado, como una película? Un largometraje sobre la Guerra Civil con ovnis. Una carta de amor desde el mar Egeo. Un relato sobre una adolescente que visita Eurodisney. Un niño obsesionado con el Titanic. Un adolescente fan de Héroes de Silencio que escribe poemas imitando las letras del grupo. Una clase de escritura creativa y un estreno de cine. Todo eso es El tratamiento. La última obra de Pablo Remón como autor y director es una producción de La_Abducción y El Pavón Teatro Kamikaze protagonizada porAura Garrido, Francesco Carril, Ana Alonso, Francisco Reyes y Emilio Tomé.      

Texto y Dirección  Pablo Remón Intérpretes Ana Alonso, Francesco Carril, Aura Garrido, Francisco Reyes y Emilio Tomé Iluminación y sonido David Benito Escenografía  Monica Boromello Vestuario  Ana López Fotografía  Vanessa Rábade

Una producción de La_Abducción y El Pavón Teatro Kamikaze Fechas y horarios: Del 19 de junio al 1 julio de 2018.  Martes a Jueves, 20:30 h. Viernes, 20:00 h. Sábados, 19:00 h. Domingos, 20:30 h. en el PAVÓN TEATRO KAMIKAZE   [button title="Comprar Entradas" link="https://es.patronbase.com/_TeatroKamikaze/Productions/0066/Performances" target="_blank" align="" icon="" icon_position="" color="" font_color="" size="2" full_width="" class="" download="" rel="" onclick=""]  

Pablo Remón desnuda el mundo del cine en ‘El tratamiento’

La vida es un momentito

TEATRO DE LA ZARZUELA

 

La Faraona Producciones

presenta

DESCONCIERTO

Jueves14/11/2019      20:00

Llevo gestando este desconcierto dentro de mí desde hace más de una década, impulsada, supongo, por una profunda necesidad de expresar todos y cada uno de los elementos que me han enseñado y me han servido para desenvolverme en la vida y torearla. Es la manera más sincera que tengo de contaros el concierto que está siendo mi vida, los tatuajes que nunca tuve, mis vueltas alrededor del sol y mis caídas más allá de la oscuridad. Y hacerlo en primera persona, desnudándome en cuerpo y alma a través de la interpretación, la danza y, por supuesto, la música y el canto. Son todas y cada una de las disciplinas que he ido entrenando a lo largo de mi carrera y que, afortunada de mí, me han regalado muchos de los abrazos que he necesitado. Con abrazos voy a recibir a mi público, como si fueran amigos invitados a pasar una velada en mi casa, amigos invitados a transitar de mi mano, si así lo quieren, laberintos personales. Esta noche yo pongo letra y música, pero las emociones serán compartidas. Tenemos mucho más en común de lo que a veces queremos confesar. Déjame que te lo cante bajito. Un concierto con mucho teatro. Una función con mucha música. Miguel del Arco dirige y Añil me lleva el compás. ¿Qué miedo me va a dar si estoy rodeada de lo más grande? Vértigo, eso sí, el vértigo que te hace sentir las cosas donde uno pone el corazón”. Belén López  

CORRAL CERVANTES

APATA TEATRO presenta

MALVADOS DE ORO

20 JUNIO – 19 JULIO MIÉRCOLES Y JUEVES – 22:30 H.

Un único actor, viajando de la prosa al verso, del actor al personaje, nos invita a recorrer los mecanismos, los deseos, los motores de los malvados más despiadados de nuestro siglo áureo, a la par que nos muestra cómo encarna él a estos personajes, qué recursos utiliza para convertirse en ellos, para ser ellos. Malvados de oro nos presenta a los antagonistas más deslumbrantes del teatro del Siglo de Oro.

    Malvados de Oro es un homenaje, una aventura, un sueño que lleva rondando varios años por las cabezas de Apata Teatro. Un único actor –con valentía y experiencia contrastada– viajando de la prosa al verso, del actor al personaje, nos invita a recorrer por dentro y por fuera los mecanismos, los deseos, los motores de los malvados más despiadados de nuestro siglo áureo, a la par que nos muestra cómo encarna él a estos personajes, qué recursos utiliza para convertirse en ellos, para ser ellos. El interés que desatan los personajes malvados proviene de algo ancestral, algo primitivo y lejano que a veces no podemos controlar. Intelectualmente nos pueden parecer censurables, pero algo dentro de nosotros nos obliga a seguirles. La línea que la sociedad determina para discernir lo que está bien y lo que está mal a veces es más laxa de lo que las leyes promulgan y los ejemplos en la ficción son incontables, dando lugar a un inabarcable catálogo de personajes que nos conmueven desde la paradoja amor-odio que les profesamos. Entre ellos se encuentran algunos de los más brillantes del Siglo de Oro. Revolver en las entrañas de estos personajes y en las del actor que los representa, Daniel Albadalejo, es el objetivo de este montaje escrito por Jesús Laiz y dirigido por José Bornás. Cualquiera que se enfrente a la interesante labor de trabajar con textos clásicos tiene que saber que una de sus principales funciones es la de conectar el tiempo de la escritura de dichos textos con el tiempo en el que vive. Crear un puente entre el pasado y el presente no es tarea sencilla. El horizonte de expectativas del público del Siglo de Oro no es el mismo que el del público de hoy. Al recorrer ese puente, el dramaturgo se convierte en cómplice del lector/espectador, facilitándole cierta cercanía con la trama, con los personajes. Partiendo de un esquema básico en el que se produce un constante ir y venir entre el actor y el personaje, entre la prosa y el verso, Malvados de orodibuja una dramaturgia que permite alternar contenidos pedagógicos y didácticos, salpicada con algunas de las escenas más deliciosas de nuestro teatro áureo, escarbando así en las entrañas de los malvados del Siglo de Oro.      

De Jesus Laiz Compañía Apata Teatro Direccion: José Bornás Diseño de iluminación: Juanjo Llorens Diseño escenografía,  vestuario y coreografía: Susana Moreno Realización video: Oscar Pedraza. Proyecciones: Manuel Maldonado. Asesoria Literaria: Fernando Domenech Producción: Elena Manzanares (Apata Teatro)

 

Reparto: Daniel Albaladejo  @danielalbaladej

  Fechas y horarios: 20 JUNIO – 19 JULIO MIÉRCOLES Y JUEVES – 22:30 H.  en el CORRAL CERVANTES  

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