Histórico

Obras que estuvieron en cartel y que ya forman parte de nuestra amplia base de datos

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REIKIAVIK

 

(REPOSICIÓN)

Miércoles 28 de septiembre a domingo 30 de octubre de 2016

  REIKIAVIK, el último texto de Juan Mayorga, se estrenó el 27 de Marzo en el Teatro Palacio Valdés dentro del programa EscenAvilés organizado conjuntamente por el Centro Niemeyer y el Ayuntamiento de Avilés. La obra se estrenó en Madrid el 23 de septiembre con gran éxito y regresa el 28 de septiembre al Teatro Valle-Inclán. El texto de Reikiavik, ha sido publicado por La Uña Rota. REIKIAVIK será la segunda obra que dirija el propio autor después de 'La lengua en pedazos', producida también por Entrecajas Producciones y La Loca de la casa. Daniel Albaladejo, César Sarachu y Elena Rayos forman el reparto.   Mayorga busca teatro donde parece que no lo hay. Afirma que “La redundancia es la muerte del teatro y de la vida. Para mí uno de los retos de La lengua en pedazos es precisamente llevar a teatro algo que, en principio, podía ser sumamente resistente a convertirse en materia teatral. Si a ti te dicen: “Esto no es teatro”, has de buscar estrategias para contradecir esa afirmación. Si allí no hay teatro, es un espacio a conquistar y donde ganar algo con lo que alimentar el teatro”. Y ese es el mismo reto que presenta Reikiavik. Reikiavik es frio, lluvia, viento...un combate, un tablero de ajedrez desgastado, una partida abandonada, diferentes variantes de la famosa partida de 1972, una fusión entre realidad y ficción, una invasión de la palabra, un problema de identidad, memoria e imaginación.... Reikiavik es Teatro. Y como dice su autor "El Teatro es el arte de la imaginación". Teatro de memoria , teatro complejo en el que el espectador/lector debe ser el encargado de construir la trama a lo largo que avanza la obra. La necesidad de representar vidas ajenas es un tema que aparece en otras de su obras, como explicaba Mayorga en la revista LEER "es algo que nos hace reflexionar sobre los procesos vitales y teatrales, sobre un teatro desarrollado no por profesionales sino por dos fabuladores, como Claudio de El chico de la última fila o Bulgakov de Cartas de amor a Stalin, entregados a levantar una ficción conjunta de la que cada uno es, al mismo tiempo, guionista, director de escena y actor"  
“Reikiavik no nos presenta lo que los historiadores pueden contarnos sobre lo sucedido en el 72, sino cómo lo reviven, transformándolo, dos hombres de nuestro tiempo ante un muchacho de nuestro tiempo y ante el espectador de nuestro tiempo” Juan Mayorga
    REIKIAVIK de Juan Mayorga en el Teatro Valle-Inclán  

SINOPSIS

Reikiavik es una obra sobre el ajedrez, ese arte que, como la vida misma, consiste en memoria e imaginación. También es una obra sobre la Guerra Fría. Y es, ante todo, una obra sobre hombres que viven las vidas de otros. Bailén y Waterloo están unidos y separados por un tablero. Pero ellos no juegan al ajedrez, juegan a Reikiavik. Juegan a ser Bobby Fischer, Boris Spasski, el árbitro alemán, el guardaespaldas islandés, la madre de Bobby, la segunda esposa de Boris, las novias que Bobby no tuvo, cien niños despidiendo a Boris puño en alto en el aeropuerto de Moscú, Henry Kissinger, el fantasma de Stalin, el Soviet Supremo, el caballo negro amenazando al alfil blanco, los padres ausentes, los campeones muertos… No es la primera vez que hacen algo así, pero sí la primera vez que lo hacen ante un tercero: un muchacho extraviado. Y nunca lo habían hecho con tanta pasión. Porque hoy buscan no sólo comprender qué sucedió realmente en Reikiavik, qué estaba realmente en juego en Reikiavik. Hoy, Waterloo y Bailén buscan un heredero.  

NOTA DEL AUTOR

Bailén y Waterloo -que han tomado esos nombres de derrotas napoléonicas- reconstruyen ante un muchacho el gran duelo de Reikiavik: el campeonato del mundo de ajedrez que allí disputaron, en plena Guerra Fría, el soviético Boris Spasski y el estadounidense Bobby Fischer. Bailén y Waterloo representan no sólo a Boris y a Bobby, sino también a muchos otros que movieron piezas en aquel tablero. No es la primera vez que Waterloo y Bailén hacen algo así, pero nunca lo habían hecho con tanta pasión. Porque lo que hoy buscan ante ese muchacho extraviado no es sólo comprender por fin qué sucedió realmente en Reikiavik, qué estaba realmente en juego en Reikiavik, quiénes eran realmente aquellos hombres que se midieron en Reikiavik. Hoy, además, Waterloo y Bailén buscan un heredero. Reikiavik es una obra sobre la Guerra Fría, sobre el comunismo, sobre el capitalismo, sobre el ajedrez, sobre el juego teatral y sobre hombres que viven las vidas de otros. Y es una obra sobre seres que me son más misteriosos cuanto más de cerca los miro. Tan misteriosos me resultan que, después de haber llevado a escena La lengua en pedazos –otra pieza sobre la santidad, la locura y el sentido de la vida-, sé que es Reikiavik la obra que necesito dirigir. Quiénes son Bobby Fischer y Boris Spasski. Quiénes son Bailén y Waterloo. Necesito saberlo.
Juan Mayorga
    [caption id="attachment_13980" align="aligncenter" width="693"]Reikiavik Reikiavik cuenta con tres personajes. Dos jugadores de ajedrez que podríamos equiparar con Fischer y Spasski y un muchacho estudiante de instituto al que hacen participar de su partida. Juan Mayorga asigna a los jugadores nombres de batallas napoleónicas, Bailén y Waterloo. Al joven le denomina sencillamente Muchacho.[/caption]    

FICHA

Waterloo – César Sarachu Bailén – Daniel Albaladejo Muchacho – Elena Rayos Autor y Director – Juan Mayorga Ayudante de Dirección – Clara Sanchis Escenografía y Vestuario – Alejandro Andújar Iluminación – Juan Gómez Cornejo Imagen y Fotografía - Malou Bergman Espacio Sonoro – Mariano García Dirección Técnica – Amalia Portes Ayudante de Producción – Elena Manzanares Producción Ejecutiva – Susana Rubio Un producción de La Loca de la Casa y Entrecajas Producciones Teatrales Las fotografías pertenecen Sergio Parra Fechas y horarios: Miércoles 28 de septiembre a domingo 30 de octubre en el  TEATRO VALLE INCLÁN
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TEATRO KAMIKAZE

Kamikaze Producciones presenta

LA FUNCIÓN POR HACER (10 ANIVERSARIO) Adaptación libre de 'Seis personajes en busca de autor', de Luigi Pirandello.

7 Premios MAX 2011

Cuando se cumplen 10 años de su estreno, El Pavón Teatro Kamikaze ha querido recuperar La función por hacer con su elenco original y en La Sala principal del teatro, especialmente acondicionada para la ocasión. Un espectáculo que significó el gran salto de Kamikaze Producciones y de Miguel del Arco como director y recreador de grandes textos del repertorio. Israel Elejalde, Bárbara Lennie, Miriam Montilla, Manuela Paso, Raúl Prieto, Cristóbal Suárez, Teresa Hurtado de Ory y Nuria García se unen de nuevo para poner en pie una obra sin apenas escenografía, a un palmo de distancia del público, de forma que la verdad de los personajes se confunde con la interpretación de los actores.

Un espectáculo que significó el gran salto de Miguel del Arco como director y recreador de grandes textos del repertorio. En La función por hacer, libremente inspirada en Seis personajes en busca de autor, los protagonistas de la obra de Pirandello irrumpen en la representación de un montaje actual y reclaman con vehemencia su derecho a contar su historia real, para ellos, mucho más interesante que la ficción de nuestros escenarios.

Teatro sin escenografía, a apenas un palmo de distancia del público, de forma que la verdad de los personajes se confunde con la interpretación de los actores. Comienza una función más en un teatro cualquiera. Dos actores se afanan sobre el escenario por contar la historia que les ha sido encomendada. La obra en cuestión no aporta nada nuevo, pero es ágil, incluso graciosa por momentos. Un espectáculo más para entretenerse y después salir del teatro y picar algo en el bar de la esquina sin que el sistema nervioso sufra ninguna alteración.

Pero algo extraño sucede durante la representación. Cuatro personas aparecen entre el público y se quedan inmóviles observando a los actores, que pierden la concentración necesaria para seguir interpretando. El público también se revuelve: no soporta muy bien las fracturas de la comodísima cuarta pared. El teatro no debería ser un sitio incómodo, ¿no? Uno acude al teatro para evadirse, ¿no es así? Estos nuevos personajes que permanecen inmóviles junto a los espectadores que han pagado religiosamente su entrada interpelan directamente a los actores y al público. Intentan captar su atención para contarles, e incluso revivir ante sus ojos, el drama que les ha movido a irrumpir en la sala. Los intérpretes se miran sorprendidos y hacen al público partícipe de su sorpresa: esto que está sucediendo, ¿es parte de la función, es un invento o se trata de una conspiración para reventar el espectáculo? ¿Están estos personajes compinchados con los actores o son simples agitadores? ¿Es esta la función? ¿Desde cuándo se le exige al público que se exprese durante una representación de teatro? ¿Es esto un acto de terrorismo cultural? Los personajes aprovechan la confusión para exponer con vehemencia sus razones. Deberían callarse para que los dos actores pudieran proseguir con la función y que en el teatro todo siguiera “como es debido”, pero su historia resulta tan real que no es fácil despegarse de ella. Tan real y tan íntimamente reconocible que resulta obscena. ¿Qué haría el público si se le diera la oportunidad de elegir entre seguir viendo la entretenida e inofensiva función que estaban viendo protegidos por la oscuridad, o escuchar lo que estos nuevos personajes tienen que contar a pesar de que puedan sentirse concernidos?

NOTA DEL DIRECTOR

Cuando asistimos a una representación teatral esperamos ver y escuchar una historia que nos conmueva. Por “conmover” María Moliner entiende: “Estremecer. Sacudir. Hacer temblar una cosa apoyada pesadamente en un sitio. Afectar. Impresionar. Causar emoción.” ¿Lo conseguimos? ¿Sigue siendo el teatro, como dice Pirandello, el lugar donde se representa la vida? La función por hacer se apoya firmemente en Seis personajes en busca de autor. Pero la acción no se desarrolla durante un ensayo sin público de una compañía de teatro de la primera mitad del siglo XX, sino durante la representación de una función a cargo de una compañía del siglo XXI en un teatro del siglo XXI. Hemos reescrito el drama que mueve a los personajes a emprender su incivilizada y revolucionaria acción. Nos parecía que el original estaba demasiado sujeto a los preceptos morales de principios del siglo XX como para resultar verosímil. Un siglo después vivimos en una sociedad desafortunadamente acostumbrada a casi todo. Sin embargo, la reflexión sobre el teatro y la naturaleza del hombre que Pirandello desarrolla en su obra sigue intacta, como intacta sigue la fuerza con la que golpea el corazón de cualquiera que se pare a escucharlas. A través de una puesta en escena hiperrealista pretendemos que el público llegue a preguntarse si lo que está viendo es real o no. Que se vea obligado a procesar a toda velocidad la información que recibe para decidir cómo debe actuar, porque sus reacciones y sus emociones serán parte activa del espectáculo. Pretendemos convertir al público, a fin de cuentas, en un personaje más de la función que se desarrolla ante sus ojos a partir de la aparición de los personajes. Ya no será un grupo de personas parapetado cómodamente en la oscuridad. Tendrán que pronunciarse sobre unos personajes que se comportan como terroristas culturales; porque, ¿quién, sino un terrorista cultural, se atrevería a imponer su criterio y sus necesidades por encima de las convenciones sociales y culturales que dictan que el teatro es un lugar de entretenimiento donde la gente de bien va a evadirse tras sus duras jornadas laborales? Queremos que el resultado sea como esos falsos documentales que a sabiendas de que parten de la recreación de una mentira llegan a ser tan científicamente verosímiles que hacen dudar a quien los observa. ¿No es acaso esa la esencia del teatro? “Crear una obra que no esté, como la naturaleza, carente de orden (por lo menos aparente) y llena de contradicciones, sino que sea como un pequeño mundo en el que todos los elementos tiendan unos a otros y cooperen juntos. Desaparecen los detalles inútiles; todo aquello impuesto por la lógica viva del carácter se reúne, concentrado, en la unidad de seres menos reales y, sin embargo, más verdaderos”. O como dirían los americanos: “bigger than life”. Pero la vida es irrepresentable, no se puede atrapar algo que es un flujo continuo e incesante. El instante desaparece de forma abrupta cuando la ficción se parece demasiado a la vida y devuelve una imagen tan distorsionada que provoca un vértigo insufrible. Esto es lo que pretendemos. Crear la ilusión, y siento utilizar esta palabra que tanto dolor ocasiona a los personajes de La función por hacer, pero que, al fin y al cabo, es la materia con la que trabajamos la gente del teatro, la ilusión, digo, de un instante de realidad que pueda invitar a la reflexión y, ojalá, a la emoción. Unos cuantos actores y un espacio donde desarrollar la función. Nada más. Prácticamente sin escenografía, sin grandes despliegues de iluminación, vestuario o atrezzo. Los actores y la palabra viva que mueva. Teatro, lo nuestro es puro teatro.
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TEATRO FERNÁN GÓMEZ

 

NATHALIE X de Philippe Blasband

Dirección de Carlos Martín

Del 7 de septiembre al 2 de octubre en el Teatro Fernán Gómez

    NATHALIE X es una obra interpretada por Cristina Higueras y Mireia Pàmies a partir del texto del prestigioso autor belga Philippe Blasband y con la dirección de Carlos Martín. Es una coprducción entre DD&Company Producciones, Teatro del Temple y Teatro Olympia.   La obra se estrenó el 18 de noviembre de 2015 en el Teatro Talía de Valencia y tras una gira por diversas ciudades llega el 7 de septiembre al escenario del Teatro Fernán Gómez.     Nathalie X fue primero película, Nathalie (2003) y Chloe (2009) con Amanda Seyfried, Liam Neeson y Julianne Moore en el reparto. Y en 2009 se estrenó en el Teatro Marigny de París-Popesco con gran acogida de público y crítica. Y en ambos casos demostró el enorme potencial que encierra esta historia de maquinación, sexualidad, celos y seducción que toca puntos generalmente ocultos de las luchas emocionales y racionales entre los seres humanos.  

SINOPSIS

Sonia, recientemente divorciada de Jean-Luc, contrata a Nancy, prostituta, para que bajo una identidad falsa, la secretaria Nathalie Ribout, conozca a su ex-marido, le seduzca y le vaya haciendo un relato exhaustivo de su relación. No es sólo una manera de mantener el control sobre la vida del hombre al que todavía ama, sino también de conocerlo mejor. Pero poco a poco las dos mujeres tienden vínculos entre ellas y Nathalie Ribout va progresivamente adquiriendo vida propia, dando un nuevo destino a Nancy y haciendo que la situación escape del control de Sonia. Esta no es la historia de una venganza, sino de un renacimiento. Los celos sorprendentemente actúan como veneno y antídoto para el dolor  

NATHALIE X en el Teatro Fernán Gómez

 

FICHA

Texto: Philippe Blasband Traducción: José Ramón Fernández Derechos del texto en España: DD&Company Producciones S.L. Dirección: Carlos Martín Ayudante de dirección: Carmen Herrero- Mely- Dirección técnica: Alfonso Plou Escenografía: Alfonso Barajas Vestuario: Deborah Macías Iluminación: Felipe Ramos Espacio Sonoro: Marina Barba Distribución: SEDA Producción ejecutiva: Dania Dévora / María López Insausti Productores: DD&Company Producciones S.L./ Teatro del Temple/ Teatro Olympia Reparto: Cristina Higueras y Mireia Pamiés Fechas y horarios: Del 7 de septiembre al 2 de octubre Martes a sábados: 20:30 horas. Domingos: 19:30 horas TEATRO FERNÁN GÓMEZ   [button link="https://teatrofernangomez.shop.secutix.com/selection/event/date?productId=632578352" newwindow="yes"]COMPRAR ENTRADAS[/button]  
https://www.youtube.com/watch?v=SMXYOhtzSNI&w=640&h=360 [/et_pb_text][/et_pb_column][/et_pb_row][/et_pb_section]
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TEATRO FERNÁN GÓMEZ

 

La compañía EUROSCENA presenta

LA VENGANZA DE DON MENDO de Pedro Muñoz Seca

Del 8 de septiembre al 2 de octubre en el Teatro Fernán Gómez

Con dirección de Jesús Castejón y un reparto formado por Ángel Ruiz, Cristina Goyanes, Roberto Quintana, Jesús Cabrero, Valery Tellechea, Jesús Berenguer, Karmele Aramburu, Marcelo Casas, Chema Pizarro, Cristina Arias, Carmen Angulo, Mari Ángeles Fernández, Luis Romero, Ariel Carmona y Raul Resino.

Caricatura de tragedia en cuatro jornadas, original, escrita en verso, con algún ripio de Pedro MUÑOZ SECA.

La venganza de Don Mendo, fue estrenada en el Teatro de la Comedia de Madrid en 1918, convirtiéndose al instante en un éxito como comedia ambientada en la España medieval. Su éxito fue tan grande que, hoy en día, es la cuarta obra más representada de todos los tiempos en España junto con Don Juan Tenorio, Fuenteovejuna y La vida es sueño. Es, además, un recorrido por casi todos los metros y formas estróficas de la poesía castellana. La obra pertenece al género, creado por el autor, del astracán. El astracán es un género cómico menor que sólo pretende hacer reír a toda costa: la acción, las situaciones, los personajes incluso el decorado dependen única y exclusivamente del chiste, que suele ser de retruécano y de deformación cómica del lenguaje. Un género que contó con el favor del público , pero no así del de la crítica. La venganza de Don Mendo es una obra que abunda en juegos de palabras y golpes de humor; una reducción al absurdo de los elementos propios del drama histórico con fines paródicos. Se unen elementos detonante del ayer y del presente en obvios anacronismos, haciendo además que personajes medievales se muevan en un mundo dominado por la moral utilitaria del tiempo de Muñoz Seca.   Llevada a escena en numerosas ocasiones, al igual que para televisión. En 1964 en 'Primera Fila', el mítico 'Estudio 1' en 1972, y las versiones para TVE de 1979 con Manolo Gómez Bur y finalmente en 1988 con José Sazatornil. También tiene su versión cinematográfica. Realizada en 1961 por Fernando Fernán Gómez.  

SINOPSIS

Magdalena, hija de Don Nuño Manso de Jarama, está enamorada de Don Mendo, un noble pobre con quien mantiene relaciones secretas. El padre de la joven decide casarla con un rico privado del Rey, Don Pero. Ella, que quiere ascender socialmente, acepta sin decirle nada a Mendo ni a Pero. Por ello, cuando éste último los descubre, Mendo se autoinculpa de robo y acaba encarcelado y condenado a muerte. Un amigo de él, el Marqués de Moncada, le rescata, dándole así oportunidad de llevar a cabo su venganza.   [caption id="attachment_34401" align="aligncenter" width="700"]LA VENGANZA DE DON MENDO en el Teatro Fernán Gómez LA VENGANZA DE DON MENDO[/caption]  

FICHA

Autor: Pedro Muñoz Seca. Asesoría de verso: María José Goyanes. Escenografía: Ricardo Sánchez Cuerda. Vestuario: Ana Garay y Rafael Garrigós. Iluminación: Carlos Merino Cartel: Manolo Cuervo. Coreografía: Nuria Castejón. Música: Luis Delgado. Producción: Salvador Collado. Dirección: Jesús Castejón. Compañía: EUROSCENA Reparto: Ángel Ruiz, Cristina Goyanes, Roberto Quintana, Jesús Cabrero, Valery Tellechea, Jesús Berenguer, Karmele Aramburu, Marcelo Casas, Chema Pizarro, Cristina Arias, Carmen Angulo, Mari Ángeles Fernández, Luis Romero, Ariel Carmona, Raul Resino. Con la colaboración de: María José Goyanes y José Pedro Carrión. Fechas y horarios: Del 8 de septiembre al 2 de octubre Martes a sábado - 20:00h. Domingos - 19:00h en el TEATRO FERNÁN GÓMEZ   [/et_pb_text][/et_pb_column][/et_pb_row][/et_pb_section]

TEATRO REINA VICTORIA

 

Arequipa producciones presenta

5 Y ACCIÓN

Una comedia de Javier Veiga

Del 16 de noviembre  al 4 de marzo de 2018

​

5 Y ACCIÓN es una comedia romántica clásica de enredo escrita y dirigida por Javier Veiga y protagonizada por Marta Hazas, Carlos Sobera, Marta Belenguer, Ana Rayo y Javier Veiga. La obra se podrá ver a partir del 23 de noviembre en el Teatro Reina Victoria.

Javier Veiga, formado en la RESAD, creó su propia compañía, 'Teatro Impar', con quien montó ocho obras teatrales. 5 y acción es su debut como dramaturgo.   5 y… Acción! es un vodevil glamuroso y mezquino. Bajo la apariencia de una clásica comedia de enredo, se esconde una ácida sátira sobre el mundo del cine, la televisión y las ansias por ‘triunfar’ a cualquier precio. Para reflejarlo, presentamos una puesta en escena multimedia, con una gran pantalla como fondo de escenario donde aparecerán las escenas de la película que los personajes están rodando. Los actores interactúan incluso con esa imagen proyectada en diferentes momentos del espectáculo. Unas proyecciones que, además, cuentan con varios cameos que forman parte del supuesto elenco de la película como Enrique San Francisco, Jorge Sanz, Millán Salcedo, Enrique Villén, El Langui o Jimmy Castro.   5 y... ¡Acción! presenta a un productor televisivo que, para satisfacer a su amante, la chica del tiempo del canal -que sueña con ser actriz-, decide financiar una película en la que ella sea la protagonista. Para ello contrata a un mediocre aspirante a director de cine. "Este es el arranque, y al final de lo que se habla es de lo que cada uno quiere en la vida, de lo que intenta conseguir y de la manera de conseguirlo; habla del ansia por triunfar, y cómo cada uno a su manera pacta con el diablo, que es diferente para cada personaje" comenta Sobera.  

NOTA DEL DIRECTOR

“5 y Acción…!!!” es una comedia pura. No es una historia simpática para que el público sonría un ratito en la butaca. Nuestra intención es que se rían a carcajadas durante 90 minutos. Comedia clásica de enredo. Comedia de lenguaje actual y diálogos punzantes. Comedia romántica. Comedia de personajes. Y sobre todo, comedia de actores. Esta comedia gira en torno al mundo del cine y la televisión. Para reflejarlo, la representación tendrá una puesta en escena multimedia, con una gran pantalla en el escenario en la que veremos proyectadas imágenes del rodaje de la película y del propio canal de televisión. Además, los actores interactuarán con la imagen proyectada, entrando y saliendo de la pantalla en diferentes momentos del espectáculo. Sin embargo, “5 y Acción…!!!” No es una historia endogámica sobre el mundo del cine y la televisión. Es una comedia que habla de los sueños frustrados y de los frustrados sin sueños. De los desengaños por amor y de los engaños por desamor. De los tequieros por interés y de los yanotequieros por desinterés. Unos quieren subir a un mundo de glamour, otros quieren bajar a divertirse en el barro. Unos usan su poder para jugar a ser jóvenes, y otros usan su juventud para poder jugar con los mayores. Unos harían cualquier cosa por tener una vida mejor, y otros harán lo que sea para tener un poco de vidilla. Son 5 personajes en busca de acción y 5 seres humanos en busca de amor. Y en eso estamos cualquiera de nosotros: Podría ser la chica del Tiempo o una profesora de primaria; un productor de cine o una dependienta de unos grandes almacenes… Podría ser tu vecino del quinto, podría ser tu prima o tu cuñado, podría ser cualquiera, o podrías ser tú. Javier Veiga Autor y Director  
"Veiga agita en la coctelera de esta divertida comedia en la que demuestra su gran talento para el gag y los diálogos rápidos e ingeniosos" Juan Ignacio García Garzón, ABC
 

SINOPSIS

La joven e inocente presentadora del Tiempo de un telediario de máxima audiencia, también es ‘casualmente’ la amante del presidente del canal de televisión. MARISOL (Marta Hazas), sueña con convertirse en actriz. Y ADOLFO (Carlos Sobera) decide cumplir el sueño de su ‘novia’. Para ello contrata los servicios de un mediocre aspirante a director de cine (Javier Veiga). ADOLFO está dispuesto a producir un largometraje con MARISOL como protagonista. Aunque no está claro si quiere que ella triunfe, o que la película sea un fracaso estrepitoso, para que MARISOL, desencantada, vuelva a sus brazos a seguir siendo su “chica del tiempo” y su “chica pasatiempo”. MAX intentará salvar su película. MARISOL intentará salvar su sueño. ANTONIA intentará salvar su trabajo. La mujer de ADOLFO, PILAR, intentará salvar su matrimonio. Y ADOLFO… intentará salvar su culo. Todos ocultan algo, todos quieren algo del otro y nadie se fía de nadie… Pero mientras tanto, se empieza a rodar la película: “5 y Acción…!!!”.   [caption id="attachment_34279" align="aligncenter" width="701"]5 Y ACCIÓN en el Teatro Reina Victoria 5 Y ACCIÓN[/caption]  

FICHA

Guion: Javier Veiga Dirección: Javier Veiga Ayudante de dirección: Sara Gómez Música: Mariano Marín Escenografía: Mónica Boromello Proyecciones: Álvaro Luna Fotografía: Sergio Lardiez Diseño Cartel: Gerardo Ferreras Distribución: Pentación Espectáculos Producción Ejecutiva: Patricia Santamarina/Carlos Sobera Prensa: Fila Séptima Producción: Arequipa producciones Reparto: Javier Veiga, Marta Hazas, Carlos Sobera, Marta Belenguer, Ana Rayo Fechas y horarios: Del 16 de noviembre  al 4 de marzo de 2018 Miércoles y jueves 20h. Viernes a las 20:30h. Sábados 19h. y 21h. y domingos a las 19h. en el TEATRO REINA VICTORIA   [button title="Comprar entrada" link="http://bit.ly/2ddKcaR" target="_blank" align="" icon="" icon_position="" color="" font_color="" size="2" full_width="" class="" download="" rel="" onclick=""] [button title="Reserva Parking Cercano" link="https://parclick.es/parking/madrid/teatros-madrid/?affiliate=5a21316f" target="_blank" align="" icon="" icon_position="" color="" font_color="" size="2" full_width="" class="" download="" rel="" onclick=""] [divider height="20" style="default" line="default" themecolor="1"]    
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TEATRO REINA VICTORIA

 

TXALO S.L. y PENTACIÓN presentan

HÉROES

de Gérald Sibleyras Dirección: Tazmin Townsend

Del 21 de septiembre al 4 de diciembre

“Heroes” es una hilarante y conmovedora comedia de Gérald Sibleyras

  Luis Varela, Iñaki Miramón y Juan Gea protagonizan, bajo la dirección de Tamzin Townsend, “Héroes”. Estrenada el 12 de agosto en el teatro Palacio Valdés de Avilés con excelentes críticas, Héroes llega al Teatro Reina Victoria el 21 de septiembre. Tamzin Townsend ('El Método Grönholm', 'Un dios salvaje', 'Tócala otra vez Sam' o 'La última sesión de Freud' aún en cartel) dirige a tres grandes de la escena en una comedia disparatada llena de ingenio donde los deseos y las realidades se dan la mano y donde la comedia y lo absurdo se funden.   Tres veteranos de guerra combaten el paso del tiempo y la proximidad de la muerte soñando con viajar y escapar a los álamos que observan al frente. La esperanza de no perder esperanza. Recurrir a algo que jamás nos podrán quitar: SOÑAR. El texto del dramaturgo francés Gerald Sibleyras 'Le vent des peupliers' fue escrito en 2003, y traducido en 2005 al inglés como 'Héroes' por Tom Stoppard (Premio 'Lawrence Olivier' a la mejor comedia en 2006)  

SINOPSIS

En ella encontramos a tres veteranos de guerra que pasan sus últimos días en un hospital militar enzarzados en batallas verbales de olvidadas campañas militares, criticando a la hermana Madeleine y reflexionando sobre sus vidas. Henri (Luis Varela) tiene una pierna lisiada, Gustave (Juan Gea) sufre de agorafobia y Philippe (Iñaki Miramón) sufre desmayos ocasionados por un pedazo de metralla alojado en su cerebro. Los tres reproducen sus vivencias en el jardín matando el tiempo. Pero todo cambia cuando Gustave propone un plan de fuga, huir juntos en la 'Operación Álamo'.   [caption id="attachment_36553" align="aligncenter" width="700"]HÉROES en el Teatro Reina Victoria HÉROES[/caption]  

EQUIPO ARTÍSTICO Y TÉCNICO

Autor: GÉRALD SIBLEYRAS Actores:JUAN GEA, IÑAKI MIRAMÓN Y LUIS VARELA Dirección: TAMZIN TOWNSEND Ayudante de dirección: CHEMA RODRÍGUEZ Diseño de escenografía: RICARDO SÁNCHEZ CUERDA Realización de escenografía: ESCÉNICA INTEGRAL Diseño de iluminación: FELIPE RAMOS Fotos y cartel:SERGIO PARRA Vestuario:GABRIELA SALAVERRI Productores: XABIER AGIRRE y JESÚS CIMARRO Producción: TXALO S.L. y PENTACIÓN Fechas y horarios: Del 21 de septiembre al 4 de diciembre De Miércoles a viernes, 20:00h.; Sábado 19:00h y 21:00h; Domingo, 19:00 h. TEATRO REINA VICTORIA   [button link="http://bit.ly/2aWwNly" newwindow="yes"]COMPRAR ENTRADA[/button]
  [learn_more caption="PRENSA" state="open"] [/learn_more]   [/et_pb_text][et_pb_gallery admin_label="Galería" gallery_ids="34250,34247,34248,34251,34249" fullwidth="on" posts_number="5" show_title_and_caption="off" show_pagination="on" background_layout="dark" auto="on" hover_overlay_color="rgba(255,255,255,0.9)" caption_all_caps="off" use_border_color="off" border_color="#ffffff" border_style="solid"] [/et_pb_gallery][/et_pb_column][/et_pb_row][/et_pb_section]
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 TEATRO DE LA ABADÍA

 

Grec 2016 Festival de Barcelona y Velvet Events S.L. presenta

YO, FEUERBACH

de Tankred Dorst

Versión y adaptación: Jordi Casanovas

Dirección: Antonio Simón

Del 2 al 19 de noviembre de 2017

  La obra de Tankred Dorst , Yo, Feuerbach, fue estrenada el 14 de julio en el Teatre Lliure dentro del Grec 2016 Festival de Barcelona. Protagonizada por Pedro Casablanc, la obra regresa al Teatro de La Abadía el 2 de noviembre gracias al éxito de crítica y público.   Pedro Casablanc (LOS CUENTOS DE LA PESTE, HACIA LA ALEGRÍA, RUZ-BÁRCENAS) interpreta a un actor de mediana edad que, después de haber estado ausente de los escenarios durante cinco años, se presenta a una audición. Un texto atemporal y conmovedor sobre todos aquellos que no consiguen ser protagonistas, sobre la dificultad de tener una nueva oportunidad en una sociedad que valora el éxito y la imagen por encima de todo. El montaje, dirigido por Antonio Simón Rodríguez, podrá verse del 2 al 19 de noviembre de 2017 en el Teatro de La Abadía.   Yo, Feuerbach nos habla de las personas que quedan fuera de foco, de la falta de generosidad de nuestra época y de la necesidad de segundas oportunidades. Un actor de mediana edad, después de haber estado cinco años en un hospital, se presenta a una audición ante un reputado director, al cual él había ayudado en los comienzos de su carrera. Como cualquier persona necesita trabajar, necesita recuperar su vida. Sin embargo, no es con el director con quién se encontrará sino con su ayudante de dirección, un joven recién llegado al mundo del espectáculo. Un texto que no solo habla de la vida del artista, sino también del aprendizaje, el amor, la gratitud, la empatía, la fragilidad y la diferencia.  

SINOPSIS

Casi todos los seres humanos poseen un cierto talento cuando son jóvenes. Pero pasa rápido Probablemente considerado uno de los grandes del teatro europeo y venerado en el centro del continente, el alemán Tankred Dorst firmó en 1991 un texto conmovedor sobre todos aquellos que no consiguen ser protagonistas, sobre la necesidad de las segundas oportunidades y, en consecuencia, sobre la ausencia de generosidad en el mundo de hoy. Para hacerlo, nos muestra las crisis, sociales y personales, que nos obligan a reinventarnos, a buscar una nueva versión de nosotros mismos. Es lo que se ve obligado a hacer Feuerbach (Pedro Casablanc), un actor maduro con grandes cualidades que, aun así, busca trabajo. Tendrá que pedírselo no a un director de teatro, sino a su ayudante (Samuel Viyuela), un joven inexperto que acaba de llegar al mundo del espectáculo y que nos hará pensar en la forma en que funciona el mundo de hoy. Cinismo, humor, fuerza, delicadeza... Son algunas de las armas que utilizará Feuerbach para intentar seducir a su joven antagonista, en un ejercicio de talento que se aproxima al patetismo y que genera, a la vez, ternura y humor. El conjunto es un ejercicio de poesía emocional que nos habla de las grandezas y las miserias de la condición humana mediante el trabajo de un actor excepcional, Pedro Casablanc, que asume uno de los grandes retos de su carrera.     [caption id="attachment_34198" align="aligncenter" width="700"]Yo Feuerbach en el Teatro de La Abadía YO, FEUERBACH[/caption]  

FICHA

Autoría: Tankred Dorst Dirección: Antonio Simón Rodríguez Versión y adaptación: Jordi Casanovas Escenografía: Eduardo Moreno Vestuario: Sandra Espinosa Diseño de iluminación: Pau Fullana Diseño de sonido: Nacho Bilbao Ayudantete de dirección: Beatriz Jaén Ayudante de producción: Celia Mira Distribución: Jordi Buxó-Buxman Producciones Producción ejecutiva Pablo Ramos Escola para Buxman Producciones, S.L. Reparto: Pedro Casablanc y Samuel Viyuela González Una coproducción del Grec 2016 Festival de Barcelona y Velvet Events S.L. Con el apoyo del Departament de Cultura de la Generalitatd e Catalunya. Fechas y horarios: Del 2 al 19 de noviembre de 2017 De martes a sábado, 20:30h. Domingo, 19:30 h. TEATRO DE LA ABADÍA   [button link="https://es.patronbase.com/_TeatroAbadia/Productions/17AF/Performances" newwindow="yes"]COMPRAR ENTRADA[/button]   [learn_more caption="PRENSA" state="open"] [/learn_more]  
https://www.youtube.com/watch?v=xdH8Wd9Dph0&w=640&h=360 Teaser Yo Feuerbach from Buxman Producciones on Vimeo. [/et_pb_text][/et_pb_column][/et_pb_row][/et_pb_section]
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TEATRO DE LA ABADÍA

 

Teatro de La Abadía / CNTC presentan

CELESTINA

de Fernando de Rojas Dirección:  José Luis Gómez

Del 18 de enero al 26 de febrero de 2017

José Luis Gómez adapta y dirige una producción de Celestina en la que él mismo hace el papel de la más conocida alcahueta.

José Luis Gómez, volverá a la capital con Celestina tras agotar localidades en el Teatro de la Comedia y su posterior gira. La obra se podrá ver del 12 de enero al 26 de febrero de 2017 en el Teatro de La Abadía.   El texto original ha sido adecuado por Brenda Escobedo y José Luis Gómez. Quienes han optado por no actualizar el lenguaje para enriquecer y embrujar al público con el bellísimo lenguaje de Fernando de Rojas. La escenografía laberíntica de Alejandro Andújar fue inspirada en Le carceri d’invenzioni, la serie de grabados en que Piranesi transformó las ruinas romanas en tenebrosos laberintos de galerías, pasadizos y escaleras. La iluminación es de Juan Gómez-Cornejo y el vestuario de Alejandro Andújar y Carmen Mancebo. El reparto lo forman Marta Belmonte, Diana Bernedo, Miguel Cubero, Palmira Ferrer, Chete Lera, Nerea Moreno, Inma Nieto, Raúl Prieto, José Luis Torrijo y José Luis Gómez.   José Luis Gómez es Celestina, la protagonista del montaje y centro de ese mundo medieval que se resiste a morir. Alcahueta, curandera y algo hechicera, es también una superviviente de una sociedad poco generosa que le solicita sus servicios. Teje una complicada tela de araña en la que todos los personajes se enredan, colaborando cada uno con su parte y desencadenando la tragedia final.   La Celestina, (o Tragicomedia de Calisto y Melibea) es uno de los textos cumbre que la literatura española ha aportado a la universal, lleno de interrogantes, pero también de magníficas certezas. Como dicen muchos investigadores, seguramente sería el primero, si no existiera el Quijote. La historia de su génesis y transmisión es compleja, incierta como la época en que le tocó vivir a su personaje central, la alcahueta Celestina.   Celestina posee tan alta medida de universalidad e intemporalidad que, aún hoy, nos sorprende, nos desconcierta y nos atrapa. La teatralidad de esta criatura literaria (novela dialogada, para algunos) encuentra su cauce a través de un lenguaje de enorme eficacia. Con él los personajes nos informan, interaccionan y generan conflictos, y se dibujan humanamente con una fuerza y un sentido muy profundos sin dejar de transmitir una sensación de vida cotidiana.    

NOTA DEL DIRECTOR

Juan Goytisolo sostiene que La Celestina es el primer texto de su tiempo que se escribe sin la bóveda protectora de la divinidad. Las únicas leyes que rigen el universo de ruido y de furia de este texto son las de la soberanía del goce sexual y el poder del dinero. Sujetos a los impulsos de un egoísmo sin trabas, en un mundo en donde los valores consagrados devienen en asuntos mercantiles, los personajes de La Celestina no conocen otra ley que la inmediatez del provecho. Bajo este escenario de pesimismo y claridad, encontramos que la tragicomedia de La Celestina de Fernando de Rojas tiene una terrible vigencia. La importancia que tiene representar una obra clásica —como lo muestra cada temporada la CNTC— no es únicamente el revivir nuestro hilo de tradición dramática, sino el escuchar la evolución de nuestra lengua, revisar nuestras transiciones culturales o resarcir nuestros conflictos sociales. No se trata de un ejercicio de historiografía teatral, sino de vivir esa mágica experiencia de que un texto del pasado nos hable, mejor que nadie, del presente. Esta mágica riqueza está contenida en La Celestina. El sentido trágico que esta obra ha proyectado hasta nuestros días, no se inscribe tanto en la historia del amor desastrado entre dos jóvenes amantes —Calisto y Melibea—, como sí (parafraseando a José Antonio Maravall) en el hondo drama del hombre en lucha contra la enajenación desde el Renacimiento a nuestros días. El individualismo en la era moderna despierta en el hombre la voluntad de hacerse dueño de su propio destino, de asegurarse, como pretenden los personajes de Rojas, un área de autonomía en su vida personal. Aventuro que es ahora cuando se ha alcanzado el resultado del exceso de esa conducta individualista. La Celestina es un tapiz de escenas en el que se hilvana una trama donde las costumbres, relaciones y sentimientos se sopesan con la misma importancia para todos los personajes (amos y criados, prostitutas y damas, padres e hijos, alcahuetas y señores, hombres y mujeres, jóvenes y viejos) sin someter la profundidad humana a la condición social.  Y es por esa dimensión que alcanzan los personajes, que se desarrolla un complejo tejido urbano en donde las tensiones, los intereses y las complicidades caminan por las calles de la ciudad, enredando la circulación entre el espacio público y el espacio privado. La Celestina es la tragicomedia de la que se comprende toda experiencia humana adscrita a un cuerpo social. Y este cuerpo muestra dos caras opuestas: Pleberio y Celestina. Pleberio, por un lado, cree en el orden del mundo; cree en el hombre de ley y de razón y en una sociedad de valores elevados y virtudes. Celestina, por otra parte, confía en el desorden; conoce el egoísmo en el hombre y la fuerza de su capricho y cree en una sociedad de vicios e intercambios mercantiles. Las dos caras de este cuerpo sustentan su apuesta en la palabra: para Pleberio, la palabra libera, sana y eleva el alma humana; para Celestina la palabra encadena, daña y aterriza la bajeza de los instintos. Dramáticamente, con una misma lengua se representan mundos opuestos. La modernidad escénica de Celestina estriba en hacer visible este doble gesto. Celestina es una obra que se escribe en escena. La acción dramática acontece en movimiento: callejeando, susurrando, dudando y haciendo. El argumento se espesa mientras a todos los personajes, independientemente de su posición social, se les da voz, tiempo y espacio para mostrarse en su dimensión más profundamente humana. La urdimbre teatral toma la forma de su propio vaivén; para darle vida y dimensión basta que el director de escena sepa tejer voluntades con un hilado hechizado; basta que ese director entre en vigor y que sea Celestina.   José Luis Gómez    

CELESTINA en el Teatro de La Abadía

 

FICHA

Reparto: Pleberio Chete Lera Alisa Palmira Ferrer Calisto Raúl Prieto Melibea Marta Belmonte Sempronio José Luis Torrijo Celestina José Luis Gómez Elicia Inma Nieto Pármeno Miguel Cubero Lucrecia Diana Bernedo Areúsa Nerea Moreno   Ficha Técnica / Artística: Autor Fernando de Rojas Dirección José Luis Gómez Adecuación para la escena José Luis Gómez y Brenda Escobedo Espacio escénico Alejandro Andújar y José Luis Gómez Vestuario Alejandro Andújar y Carmen Mancebo Caracterización Lupe Montero y Sara Álvarez Iluminación Juan Gómez-Cornejo (AAI) Música Eduardo Aguirre de Cárcer Espacio sonoro Javier Almela y Eduardo Aguirre de Cárcer Vídeo Álvaro Luna Fotografía Sergio Parra Ayudantes de dirección Carlota Ferrer, Andrea Delicado y Lino Ferrerira Ayudante de escenografía Silvia de Marta Producción: Teatro de La Abadía / CNTC Fechas y horarios: Del 18 de enero al 26 de febrero, 2017 De miércoles a sábado, 20:00h. Domingo, 19:00h en el  TEATRO DE LA ABADÍA   [button link="https://es.patronbase.com/_TeatroAbadia/Productions/CE17/Performances" newwindow="yes"]COMPRAR ENTRADA[/button]    
https://www.youtube.com/watch?v=p35R3hLh1bo&w=640&h=360 [/et_pb_text][/et_pb_column][/et_pb_row][/et_pb_section]
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TEATRO LARA

 

REGRESA

UNA MUJER DESNUDA Y EN LO OSCURO

basado en textos y poemas de Mario Benedetti

dirección & dramaturgia Mario Hernández con Emilio Linder y Esther Vega

29 de noviembre, 13 y 20 de diciembre a las 22:15h.

Regresa al Teatro Lara Una mujer desnuda y en lo oscuro, basado en textos y poemas de Mario Benedetti. Se podrá ver los días 29 de noviembre, 13 y 20 de diciembre a las 22:15h. Estrenada en 2015 en el Teatro Fernán Gómez con excelentes críticas.   Una mujer desnuda y en lo oscuro plantea un ameno, emotivo y, en ocasiones, divertido, trayecto al propio viaje físico y sentimental, de Benedetti durante sus diez años de exilio, a la vez que pone en escena la obra de uno de los poetas que más y mejor ha sabido hablar sobre el amor. Mario Hernández se pone al frente de la dramaturgia y la dirección de esta obra basada en los maravillosos textos de Mario Benedetti que serán interpretados por Emilio Linder y Esther Vega.   Un recorrido personal por la memoria del exilio de Mario Benedetti, uno de los más grandes poetas hispanoamericanos de todos los tiempos, a través de sus recuerdos y sus palabras, y por supuesto, de sus poemas, no sólo aquellos que ya pertenecen a nuestra biografía sentimental, sino también aquellos menos conocidos, los más críticos, desgarrados, combativos, y humanos, del poeta uruguayo.   En 1973, tiene lugar en Uruguay un golpe de estado que obliga a Mario Benedetti a partir al exilio. Tiene cincuenta y tres años. El exilio durará diez años, diez años alejado de su gran amor, Luz López Alegre, con quien lleva casado desde los veintiocho. En ese tiempo, Benedetti viaja por todo el mundo, de Buenos Aires a Perú, Madrid, Cuba, Mallorca… Viaja denunciando la situación de su país, a voz viva y también en sus escritos, compartiendo la soledad del exiliado, su continuo viaje a ninguna parte y a todas partes. Excepto a casa.   Una mujer desnuda y en lo oscuro plantea un ameno, emotivo y, en ocasiones, divertido, trayecto al propio viaje, físico y sentimental, de Benedetti durante esos diez años, a la vez que pone en escena a uno de los poetas que más y mejor ha sabido hablar sobre el amor, y sobre los distintos tipos de amor: el pasional, el eterno, el erótico, el que dura siglos en la mirada de un segundo… El amor en todas sus formas y maravillosas, inagotables, posibilidades. Una escenografía sencilla e ilustrativa, basada en maletas antiguas de viaje, en las que cientos de personas como Benedetti debían guardar toda su vida. Maletas en las que, todavía hoy, hay gente que debe confinar todos sus recuerdos y proyectos. Dos actores en escena. Emilio Linder es Mario Benedetti la noche antes de que termine la década de su exilio, y de sus recuerdos y su voz nos dejamos llevar a sus viajes, anécdotas, y poemas, y por supuesto, a las mujeres conocidas y amadas, todo ello la auténtica esencia del alma del poeta, que cobra aquí vida en esa mujer desnuda y en lo oscuro, encarnada por Esther Vega, trasunto del propio poeta.  

SINOPSIS

Nuestro montaje busca recuperar ese Mario BENEDETTI que nunca se fue, que nunca olvidó. El Mario Benedetti que contó y escribió. Una noche de abril de 1985, en Madrid, el poeta Mario Benedetti se prepara para volver a su Uruguay Natal después de casi doce años de exilio debido a una dictadura militar. A través de sus palabras, sus recuerdos, y sobre todo, su poesía, asistimos a sus viajes a través del Chile de Pinochet, la Argentina de los secuestro y las desapariciones, la Cuba de Castro y la Transición española, denunciando con sus versos la terrible y desesperada realidad de América Latina, mientras recrea algunos de sus poemas más famosos. Un viaje en el que solo le acompaña una maleta… pues en la vida de un exiliado no hay nada que pueda acompañarte que no quepa en una maleta hecha mal y con prisa. Y una mujer. La convivencia entre el poeta del amor y el poeta de la denuncia es el motor de todo este montaje. Nuestro objetivo es RECUPERAR, RECORDAR, al Mario Benedetti más luchador y reivindicativo, a través de algunas de sus poesías más duras y descarnadas, sin olvidarnos de ése que escribió esas palabras que ya están grabadas a fuego en nuestra memoria y nuestro corazón.  

………………………

La obra “Una mujer desnuda y en lo oscuro”, con el apoyo del Teatro Lara, donde se estrena el miércoles 3, y en colaboración con CEAR (Comisión Española de Ayuda al Refugiado) habilitará una Fila 0 durante sus funciones de agosto, los miércoles del 3 al 31, para que el espectador que lo desee pueda colaborar en la recogida de fondos destinados a la ayuda de los refugiados sirios. En 2015, cerca de 65 millones de personas vivían fuera de sus hogares a causa de la persecución, la violencia, los conflictos armados y la violación de sus Derechos Humanos. Es la cifra más alta de personas refugiadas y desplazadas desde la II Guerra Mundial. Más de la mitad de ellos, eran niños, y alrededor de 100.000 no iban acompañados de ningún adulto. Dado que el protagonista del montaje, el poeta uruguayo Mario Benedetti, fue también un refugiado político, que a través de sus escritos denunció las injusticias de su tiempo, la compañía quiere intentar, a través de esta iniciativa, aportar aunque sea un pequeño grano de arena a mejorar esta terrible situación. El número de cuenta al que los espectadores podrán hacer sus donativos se facilitará a la entrada del teatro junto con el programa de mano de la obra.   [caption id="attachment_34089" align="aligncenter" width="699"]UNA MUJER DESNUDA y en lo oscuro en el Teatro Lara UNA MUJER DESNUDA y en lo oscuro[/caption]  

FICHA

Basado en textos y poemas de Mario Benedetti Dirección y Dramaturgia – Mario Hernández Diseño y Espacio Escénico – Isis de Coura Ayudante de Dirección – Guillermo Rodríguez Vestuario – Teatro Español Fotografías – Sergio Lardiez Cartel – Rubén García Prensa – Gran vía Comunicación Reparto - Emilio Linder y Esther Vega Producción – ES.ARTE Fechas y horarios: 29 de noviembre, 13 y 20 de diciembre a las 22:15h.  TEATRO LARA DESCARGAR DOSSIER   [button link="http://bit.ly/2ayoQVu" newwindow="yes"]COMPRAR ENTRADA[/button]  
https://www.youtube.com/watch?v=JKsc7N_Crmo&w=640&h=360 [/et_pb_text][/et_pb_column][/et_pb_row][/et_pb_section]
[et_pb_section][et_pb_row][et_pb_column type="4_4"][et_pb_text admin_label="Texto" background_layout="light" text_orientation="left" text_font="Open Sans||||" use_border_color="off" border_color="#ffffff" border_style="solid"]

NAVE 73

 

PROGRAMACIÓN SEPTIEMBRE NAVE 73

El próximo mes de septiembre la Sala Nave 73 encara su cuarta temporada teatral. Cuatro nuevos títulos y otros cuatro que ya han tenido presencia, más o menos longeva, en la cartelera de Nave 73 conforman la programación de un mes cargado, sobre todo, de energías y compromisos renovados.   Los miércoles se podrá ver Como si fuera esta noche de Gracia morales. Los jueves, tras su paso por la Muestra de Nuevos Creadores Escénicos – Imparables ’16, regresa #noLUGAR con dirección de Tomás Cabané. Los viernes regresa Bebé a bordo de Laescobilla Teatro Los sábados la Compañía La Pitbull Teatro estrena su último espectáculo: El techo de cristal, de Laura Rubio Galletero. La tarde de los domingos, el teatro más esperanzador e intimista se abre paso con Gozazo,  una producción de Miércoles 14. Para las sesiones golfas los sábados regresa una obra que lleva más de un año en cartel haciendo las delicias del público, Una noche como aquella de Nacho Redondo. En la sesión golfa de los viernes se estrena Etiquétame de Andrés Navarro. Una comedia...¿Romántica?. Los domingos cerrará la semana, como ya es habitual en Nave 73, la Escuela de Calambur Teatro presentando Cinco motivos para viajar en tren. Un espectáculo de improvisación de formato libre en el que el público decidirá hasta el último detalle en cada trayecto. Además, vuelven las sesiones de teatro para bebés los sábados por la mañana. Esta vez a cargo de un universo lleno de colores, ritmos y movimientos al son de los Calcetines.     [/et_pb_text][/et_pb_column][/et_pb_row][et_pb_row][et_pb_column type="1_2"][et_pb_text admin_label="Texto" background_layout="light" text_orientation="left" text_font="Open Sans||||" text_font_size="13" use_border_color="off" border_color="#ffffff" border_style="solid"]

COMO SI FUERA ESTA NOCHE

[caption id="attachment_33917" align="aligncenter" width="248"]Como si fuera esta noche en Nave 73 COMO SI FUERA ESTA NOCHE[/caption]  

Como si fuera esta noche, de Gracia Morales, narra la historia a través de los años de una madre y una hija que, para reencontrarse, han de tejer un puente en el tiempo que las una en un espacio que no les corresponde.

Dramaturgia: Gracia Morales Dirección: Leonora Lax Reparto: Macarena Feliu, Cristina Galea

Miércoles a las 20:30h.

 
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#NOLUGAR

[caption id="attachment_33915" align="aligncenter" width="433"]#NOLUGAR en Nave 73 #NOLUGAR[/caption]  

¿Qué ocurre cuando uno rompe el molde de lo establecido? Sin freno de mano. Con estilo propio. Una estética. Una forma de ver la vida y de sentirla. No sólo para nosotros, sino para compartirla con el resto del mundo. Necesitamos hacerlo. Sin grandes pretensiones. La actitud es lo importante. El trabajo, la base. Un producto que nace de la emergencia, de la necesidad.

Dirección: Tomás Cabané Reparto: Sara Ávila Román, Elena Villa Navas, Álvaro Morato, Adrián Sánchez Núñez, María Durbá, Chemi Hitos

Jueves a las 20:30h.

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BEBÉ A BORDO

[caption id="attachment_33913" align="aligncenter" width="249"] BEBÉ A BORDO[/caption]  

Con mucho sentido del humor, Bebé a bordo, muestra los miedos, dudas e inseguridades a los que se enfrentan las protagonistas y la burocracia de una sociedad que tiene abiertos los cauces, pero no allana el terreno.

Idea y texto original: Laescobilla Teatro Dirección: Jon Arráez Reparto: Jaione Azkona, María Simón, Fernando Solís

Viernes a las 20:30h.

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EL TECHO DE CRISTAL

[caption id="attachment_33918" align="aligncenter" width="249"]El techo de cristal en Nave 73 EL TECHO DE CRISTAL[/caption]  

Anne&Sylvia narra la fascinante historia del encuentro en 1959 entre Sylvia Plath y Anne Sexton, poetas malditas, en el bar del Hotel Ritz de Boston a la salida del taller literario al que asisten como alumnas. Ávidas de éxito, perfección y también de alcohol, alimentan el deseo de convertirse en artistas profesionales cuando su mundo las empuja a vivir al servicio de los otros.

Autora: Laura Rubio Galletero Dirección: Cecilia Geijo Reparto: Luzia Eviza, Montse Gabriel, Ismael de la Hoz Producción: La Pitbull Teatro

Sábados a las 20h.

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CALCETINES – Teatro para bebés

Dirección y creación: Raquel Martínez, Rita Tamborenea Intérprete: Raquel Martínez

Sábados a las 11:30h.

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[/et_pb_text][/et_pb_column][et_pb_column type="1_2"][et_pb_text admin_label="Texto" background_layout="light" text_orientation="left" text_font="Open Sans||||" text_font_size="13" use_border_color="off" border_color="#ffffff" border_style="solid"]

GOZAZO

[caption id="attachment_33914" align="aligncenter" width="267"]GOZAZO GOZAZO[/caption]  

Con nuestro espectáculo te proponemos que revises un álbum de fotos en el que te puedes ver o no, pero seguro que vas a identificar con facilidad. Te proponemos que dejemos de enredarnos en cosas sin importancia, valores aprendidos, teorías ajenas y comencemos a disfrutar.

Guión y dirección: Tino Antelo Intèrprete: Victoria Zazo Producción: Miércoles 14

Domingos a las 19:30h.

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ETIQUÉTAME

[caption id="attachment_33920" align="aligncenter" width="245"]Etiquétame ETIQUÉTAME[/caption]  

Etiquétame de Andrés Navarro cuenta la historia de dos parejas que, tras una desafortunada etiqueta en una fotografía de las redes sociales, vivirán toda clase de desencuentros y malentendidos que harán peligrar sus relaciones de pareja. Amor, amistad y vida son los tres componentes clave de esta obra.

Dramaturgia: Andrés Navarro Dirección: Carlos Manzanares Reparto: Yohana Cobo, Joaquín Castellano, Anina Gutiérrez, Andrés Navarro

Viernes a las 22:30h.

 
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UNA NOCHE COMO AQUELLA

[caption id="attachment_33919" align="aligncenter" width="246"]una noche como aquella UNA NOCHE COMO AQUELLA[/caption]  

Una noche como aquella habla de amor, del amor a tres bandas, con poco prejuicio sobre ello. Un ‘dejarse llevar’ sin saber a dónde, disfrutando del momento. Los conflictos vienen dados por el lugar que ocupa cada uno en todo esto, de la mirada ajena, de los prejuicios sociales… Los tres amigos tendrán que llegar a acuerdos por y para todo. Diferentes situaciones en clave de humor con un trasfondo emocional que llevará a los personajes a situaciones de las que tendrán que salir con acuerdos a tres.

Autor: Nacho Redondo Dirección: Chos Reparto: Nacho López / Jorge Páez, Nacho Redondo / Rikar Gil, Nahia Laíz / Esther Acebo

Sábados a las 22:30h.

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CINCO MOTIVOS PARA VIAJAR EN TREN

[caption id="attachment_33916" align="aligncenter" width="248"]Cinco motivos para viajar en tren en Nave 73 CINCO MOTIVOS PARA VIAJAR EN TREN[/caption]  

Cinco motivos para viajar en tren es un espectáculo de improvisación teatral realizado por la Escuela de Calambur Teatro en el que el público decidirá hasta el último detalle en cada trayecto. Un show romántico o canalla. divertido, emocionante y misterioso, el tren puede ser el escenario de mil y una historias aún por crear.

Calambur Teatro

Domingos a las 21:45h.

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TEATRO LARA

 

Cashalada cia presenta

TWO LADIES OR NOT TWO LADIES Un cabaret musical con una historia única

Jueves a las 22:15h

Un cabaret musical único, contundente y gamberro que encierra una emotiva relación humana con música en directo de John Kander, Kurt Weill, Charles Dumont, U2 o The Beatles entre otros, además de composiciones propias.

TWO LADIES OR NOT TWO LADIES escrito y dirigido por Noèlia Pérez, cuenta con la colaboración dramatúrgica de Rodolf Sirera y el diseño de iluminación y el asesoramiento en la dirección de Carles Alfaro.

Noèlia Pérez y Josep Zapater crean y protagonizan este cabaret musical que cuenta una historia única, reinventando canciones como Yesterday, Bésame mucho, Rian de Rian o Moon River. Una historia desgarradora contada a través de los grandes éxitos de la música contemporánea.  

SINOPSIS

Una Diva de la canción, alcohólica, caótica y eclipsante pretende ofrecer un concierto dentro de su gira mundial con una peculiar, tímida pero brillante pianista que no es lo que parece y que esconde un gran secreto.

Two Ladies or Not Two Ladies es una tragicomedia llena de humor, gamberrismo y ternura. Una oda a la supervivencia y la pasión que nos recordará que sin amor no somos nada.

Este Cabaret Musical late en presente creando una ilusión y experiencia única en cada actuación.

Dos artistas en su máxima expresión, con una química y complicidad escénica fuera de lo común, nos hacen una propuesta claramente vinculada a la música sin dejar de lado la interpretación y la teatralidad de los personajes, consiguiendo hacer comercial un repertorio específico y complicado tanto en su reinterpretación de canciones conocidas, Moon River, Je ne Regrette Rian, With or Without You, Bésame Mucho o Youkali... como con las suyas propias.

Josep Zapater, además de ofrecer su gran voz y una interpretación brillante y sincera, será también el pianista y guitarrista del concierto y antagonista perfecto para la carismática interpretación e impactante voz de la actriz Noèlia Pérez.

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Bienvenidos, Miguel Ríos Master of the House, Claude-Michel Shönberg Non, Je ne Regrette Rien, Charles Dumont Yesterday, The Beatles Some Where Over the Rainbow, Harold Arlen Bésame Mucho, Consuelito Velázquez Rosa de Paper, Josep Zapater, Vicent A. Estellés Milord, Marguerite Monnot Moon of Alabama, Kurt Weill La Polaca, Carlos Urquiza I Josep Zapater Oda a la Consola, Carlos Urquiza I Josep Zapater If You Could See Her, John Kander With or Without You, U2 The First Time ever I Saw your Face, Ewan MacColl Moon River, Johnny Mercer

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TWO LADIES OR NOT TWO LADIES en el Teatro Lara

FICHA

Idea original y dirección: Noèlia Pérez Arreglos musicales y composición: Josep Zapater Con la colaboración dramatúrgica de Rodolf Sirera Y el asesoramiento en la dirección de Carles Alfaro Reparto: Noèlia Pérez y Josep Zapater Diseño de luces: Carles Alfaro Diseño de sonido: Santiago Gil Escenografía: Ramon Ivars Vestuario: Conxa Romero Caracterización: Mercedes Luján Diseño gráfico: Assad Kassab Fotografía: Jordi Pla Foto cartel: Pablo Ortega Producción: Cashalada cia Fechas y horarios: Estreno: 21 de julio Los Jueves a las 22:15h en el TEATRO LARA DESCARGAR DOSSIER   [button link="http://bit.ly/2am3hXS" newwindow="yes"]COMPRAR ENTRADA[/button]  
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TEATRO LARA

   

LOS ABSURDOS TEATRO presentan

DEMASIADO AL ESTE ES EL OESTE

Del 7 de diciembre de 2016 al 9 de marzo de 2017

  Afincada en el Teatro Lara, Los Absurdos presentan, tras 'Manténgase a la espera' (un año en cartel) y las 'Visitas teatralizadas' por las entrañas del teatro que continúan realizando, DESASIADO A ESTE ES EL OESTE, que regresa a la Sala del Teatro Lara. La obra escrita y dirigida por Alfonso Mendiguchía y protagonizada por Patricia Estremera, Alfonso Mendiguchía y Jorge Gonzalo se podrá ver los Miércoles de diciembre y Jueves de enero y febrero a las 20:15h.   Una obra para mentes rápidas y ágiles y apta para aquellos que disfruten del humor más satírico, ácido y absurdo de esta compañía.     [caption id="attachment_18920" align="aligncenter" width="674"]DEMASIADO AL ESTE ES EL OESTE en los Teatros Luchana DEMASIADO AL ESTE ES EL OESTE[/caption]    

SINOPSIS

Qué tiempos, ¿eh? nada es lo que parece ni parece lo que es. Votaciones, referéndum, acampadas, para qué… Yo sigo yendo en metro y los ricos con chófer. Y qué hacer.

Vivimos en un mundo de engaños y, no se engañen, engañar, engañamos todos. Así es. Lo único que parece cierto es que somos más de pega que los ‘todo a cien’ y que, al final, tomárselo todo en serio es una absurdez. Y da acidez. Así que al menos, ríete.

Nadie sabe nada y menos que nadie, nosotros tres, pero por hablar que no sea, así que hablaremos, aunque sea por los pies. Demasiado al este es el oeste es un juego de niños, ingenuo tal vez, con un poco de coherencia y de mala leche también, de tres tipos incoherentes que caminan boca abajo en un mundo del revés.

Tres tipos que, sin haber sido invitados a la fiesta, juegan a tener poder.

    [caption id="attachment_19228" align="aligncenter" width="692"]DEMASIADO AL ESTE ES AL OESTE en los Teatros Luchana DEMASIADO AL ESTE ES AL OESTE[/caption]    

FICHA

Autor y dirección: Alfonso Mendiguchia Actores: Patricia Estremera, Alfonso Mendiguchía, Jorge Gonzalo. Escenografía: Alfonso Mendiguchía. Vestuario y atrezzo: Patricia Estremera. Diseño de iluminación y técnico: Víctor Mones Cartelería: Manolo Pavón. Comunicación: Saray Neila. Producción: LOS ABSURDOS TEATRO. Fechas y horarios: Del 7 de diciembre de 2016 al 9 de marzo de 2017 Jueves a las 20:15h. en el TEATRO LARA   [button link="http://bit.ly/2mrz8Jx" newwindow="yes"]COMPRAR ENTRADA[/button]  
https://www.youtube.com/watch?v=PQGrjcLqDMQ&w=640&h=360 [/et_pb_text][/et_pb_column][/et_pb_row][/et_pb_section]