Histórico

Obras que estuvieron en cartel y que ya forman parte de nuestra amplia base de datos

Teatre Nacional de Catalunya i Factoria Escènica Internacional

presenta

FRANKENSTEIN

de Guillem Morales, basado en la novela de Mary Shelley

El clásico de Mary Shelley sobre uno de los monstruós más famosos de la historia que muestra las tinieblas de una sociedad incapaz de asumir la diferencia.

 En 1818, Mary Shelley dotó de una vida perdurable a su célebre monstruo, que con su multiplicidad orgánica acabaría convirtiéndose en un mito fundamental de la nueva sociedad contemporánea, abocada a un replanteamiento profundo de las construcciones de identidad en el nuevo mundo marcado por la industrialización y la reorganización de los poderes fácticos.Doscientos años después de la primera publicación de la novela, la directora Carme Portaceli lleva a escena la historia de este Prometeo moderno con una dramaturgia de Guillem Morales (director y guionista de la premiada película Los ojos de Julia) que indaga en los territorios más tenebrosos de la humanidad herida del mito.  

FICHA

Autoría de Guillem Morales, basado en la novela de Mary Shelley Dirección Carme Portaceli Adaptación Guillem Morales Reparto Joel Joan, Àngel Llàcer, Lluís Marco, Magda Puig, Albert Triola, Pere Vallribera, Alba De la Cruz Una Producción Teatre Nacional de Catalunya i Factoria Escènica Internacional  FRANKENSTEIN en el Teatro Español 

SALA MIRADOR

JuanCallate producciones

Presenta

UN LEÑADOR NO ES UN DISEÑADOR

 
Disfunción:
  1. f. Desarreglo en el funcionamiento de algo o en la función que le corresponde.
  2. f. Biol. Alteración cuantitativa o cualitativa de una función orgánica.
 No es una obra teatral, no es una conferencia, no es un monólogo, no es una exposición, pero tiene un poco de todo eso…y algo más.Un leñador no es un diseñador es una dis-función creativa donde Joan Estrader con su peculiar visión absurda y delirante, nos sumerge en el mundo de la creatividad y el diseño para mostrarnos que la necesidad y la curiosidad pueden desembocar en objetos creativos, sugerentes, originales, humorísticos y sencillos.Después de quince años con su compañía Pezenraya con multitud de premios y excelente críticas, Joan Estrader (Mr. Kebab) se desvincula de Pezenraya y crea su propia marca: Juancallate Producciones, dando rienda suelta a su humor absurdo, desde su particular visión de una realidad que él mismo crea. En Un leñador no es un diseñador nos invita a hacer una reflexión sobre el mundo de los objetos, y a través de su mirada reflexiva e inteligente disecciona el particular universo de la creatividad y el diseño. Proyectamos nuestra personalidad a través de los objetos que nos rodean.Philippe Starck, el diseñador entre diseñadores, el rey Midas del objeto, es una marca en sí mismo. Su Juicy Salif, por ejemplo, el emblemático exprimidor que creó para la firma italiana Alessi, se ha convertido en icono del diseño industrial del siglo XX. Con sus 29 centímetros de altura y sus aladas patas, Starck lo concibió como un limón exprimido sobre un calamar, pero para la mayoría de la gente lo que había tras aquella forma era una simple araña. Dicen que el creador no se cansaba de repetir tras presentarlo que “el exprimidor no fue creado para exprimir limones, sino para iniciar conversaciones”.Ahí posiblemente se encierre el quid de la cuestión: la complicada relación entre forma y función. Todos los objetos tienen tres valores. El de cambio, el precio que se ésta dispuesto a pagar por ese objeto. El valor de uso, cuando el objeto tefunciona o no. Y el valor de signo. Es decir, que representa ese objeto para ti, y como te verán los demás y tú mismo como poseedor de ese objeto, por eso hoy en día la funcionalidad del objeto va más allá de la estética, sin romperse aquella frágil línea que los une y los transforma en una belleza.A partir de estas reflexiones Joan Estrader, con su peculiar humor absurdo, junto a la directora de Arte y diseñadora Carlota Marquina y el diseñador Juan Cardosa proponen un viaje creativo desde una mirada contemporánea, visual, irónica y surrealista con el fin de investigar sobre la relación entre la forma y la función de los objetos que nos rodean.  FichaIdea, creación e intérprete: Joan EstraderCon la colaboración de los diseñadores: Carlota Marquina y Juan CardosaVídeo: Alcides TalebProducción:JuanCallate produccionesHorario: Jueves de Marzo a las 20h. en la SALA MIRADOR [button title="Comprar Entradas" link="http://tc.tradetracker.net/?c=15982&m=12&a=299186&u=https%3A%2F%2Fwww.atrapalo.com%2Fentradas%2Fsala-mirador_l81%2F" target="_blank" align="" icon="" icon_position="" color="" font_color="" size="2" full_width="" class="" download="" rel="" onclick=""] 
un leñador no es un diseñador from Juancallate on Vimeo

TEATRO LARA

SERIE TEATRO

presenta

CAPULLOS QUE VUELAN

de Lluis Mosquera

A Partir del 9 de enero, domingos 20:15h.

(más…)

TEATRO RIALTO

GOLDEN APPLE QUARTET presenta

SIN TON NI SON

30 años de GOLDEN APPLE QUARTET

Viernes de marzo y abril a las 23:00 h.

 
El grupo humorístico, teatral y musical fundado en 1986 en San Sebastián, regresa a Madrid con su nuevo espectáculo SIN TON NI SON,  durante los viernes de marzo y abril a las 23:00 h. en el Teatro Rialto, en la Gran Vía madrileña. 
 
Loyola Garmendia, Eduardo Errondosoro, Manuel Romano y Mikel Urreizti prometen un espectáculo fiel a su estilo característico de canto a Capella,  seña de identidad del grupo, pero que en momentos precisos deja de ser a Capella para hacer temas de cualquier género. 
 
SIN TON NI SON …ni opsis (SIN OPSIS)  
 
 
El diccionario de la RAE jura por sus muertos más frescos que hacer algo "sin ton ni son" es hacer algo de manera irracional, disparatada y absurda. 

Búsquelo y comprobará que junto a ésta definición aparece la foto de GOLDEN APPLE QUARTET, ya que es una descripción que se ajusta perfectamente a la filosofía de ésta agrupación a lo largo de 30 años de música y humor encima de los escenarios. 

Sin orden pero con concierto, con pies pero sin cabeza, la formación agrupa en su nuevo espectáculo titulado Sin Ton ni Son, un amplio y selecto repertorio que aúna tanto sus ya clásicas e inolvidables versiones de canciones como El Menú, Only You, o María de la O, como canciones de nueva creación que, con un poco de mala suerte, se convertirán en futuros clásicos de su repertorio y del género.
 SIN TON NI SON en el Teatro Rialto Fechas y horarios: Viernes de marzo y abril a las 23:00 h. en el TEATRO RIALTO[button title="Comprar entrada" link="http://bit.ly/2sHM8SP" target="_blank" align="" icon="" icon_position="" color="" font_color="" size="2" full_width="" class="" download="" rel="" onclick=""][button title="Reserva Parking Cercano" link="https://parclick.es/parking/parkings-cerca-del-teatro-rialto/?affiliate=5a21316f" target="_blank" align="" icon="" icon_position="" color="" font_color="" size="2" full_width="" class="" download="" rel="" onclick=""]
 

TEATROS LUCHANA

Fortknox Audiovisual  presenta

LA LÍNEA DEL HORIZONTE

de Carlos Atanes, que dirige Joaquín Hinojosa  quien, a su vez la interpreta junto a Beatriz Arjona.

Los Viernes a las 20.30H.

 El transatlántico Île de France surca la noche oceánica rumbo al país donde se realizan los sueños pero...¿En qué quedan los sueños? ¿Cuál es la cruda realidad? Ven a descubrirlo con La línea del horizonte en Teatros Luchana y disfruta de esta obra Carlos Atanes, dirigida por Joaquín Hinojosa e interpretada por Beatriz Arjona y Joaquín Hinojosa.Verano de 1927. El transatlántico Île de France parte rumbo a Nueva York. Un viaje de placer, de lujo, de derroche, de alegría. Entre los pasajeros, una mujer. Es su viaje personal: el camino hacia el triunfo. Por fin, su talento ha sido descubierto. Despegándose de la música del salón de fiesta, sale a la noche de la cubierta. Allí está él, su acompañante en este camino hacia el éxito. Todo es incredulidad, anhelo, deseo, entusiasmo. Él es un hombre taciturno. Parece compartir con ella su alegría. Pero quizás su visión sea otra. Quizás no todo sea belleza. Quizás en esa cubierta del Île de France se digan cosas que no debieron ser expresadas. LA LÍNEA DEL HORIZONTE en los Teatros Luchana  El director (Joaquín Hinojosa)Como director teatral ha puesto en escena Poeta en Nueva York, de García Lorca, Una llamada para Pirandello, de Tabucchi, Atardecer en Santa Elena, de Torrente Ballester, La cantante calva y La lección, de Ionesco, Alicia, sobre textos de Lewis Carroll, Brecht en el Botánico, sobre textos de B. Brecht, el Cronicón de Oña, y Voces Póstumas, de Pedro Atienza.Ha sido Director Adjunto del Teatro de La Abadía de Madrid, donde dirigió su versión de El libertino, de Eric-Emmanuel Schmitt, Director Artístico de Teatres de la Generalitat Valenciana y Director Delegado del Corral de Comedias de Alcalá de Henares. LA LÍNEA DEL HORIZONTE en los Teatros Luchana 

FICHA

Director JOAQUÍN HINOJOSAIluminación JUAN MIGUEL ALCARRIAMúsica de MARC ÁLVAREZFotografías de JACOBO MEDRANORegiduría y dirección técnica JUAN MIGUEL ALCARRIAProducción escénica MARTA T. H.Una producción de Fortknox Audiovisual  Fechas y horarios: Los Viernes a las 20.30H.en los TEATROS LUCHANA 

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NAVES DEL MATADERO

Presenta

EL TIEMPO ENTRE NOSOTROS

de Fernando Rubio

18, 19, 20, 21, 22 abril

 
En El tiempo entre nosotros un hombre abandona su ambiente para ocupar una casa de madera construida en la Nave 10 y convertir en un hecho estético la relación que entabla con desconocidos mientras indaga la posibilidad de ser otro. Durante cinco días seguidos conversará, escribirá y habitará su nuevo lugar ante la presencia de público. Este hombre será el actor Juan Loriente, colaborador y actor fetiche de Rodrigo García desde 1999, en cuya carrera ha trabajado con artistas como La Ribot, Ana Vallés, Carlos Marquerie o La Fura dels Baus.Alfred Hitchcock definió como MacGuffin aquél misterioso objeto de deseo que lleva al personaje a envolverse en diferentes situaciones, sin que en ningún momento quede claro de qué se trata ese objetivo. En ese sentido la decisión y el porqué que lleva al hombre de El tiempo entre nosotros a vivir en esa casa durante cinco días es un misterio al que el espectador se podrá acercar de diferentes maneras. Toda la historia camina en dirección a ese objetivo temporal.Esta performance duracional del director, dramaturgo y artista visual argentino Fernando Rubio se estrenó en 2015 en el Parque de la Memoria de Buenos Aires en el marco de la Bienal de Performances BP15 y también se ha llevado a cabo en el Festival Santiago a Mil de Santiago (Chile), Singapore International Festival of Arts (Singapur) y Festival Theater der Welt (Alemania). Es la segunda parte de la trilogía de obras que comienza con Cuando éramos chicos y finaliza con Y todo lo demás.El artista ruso Ilya Kabakov dijo en una ocasión: “La casa es así un dispositivo de la memoria, evoca recuerdos, convoca entidades fantasmagóricas. También el inconsciente está poblado de fantasmas. No solo los recuerdos, también las cosas que hemos olvidado están ‘almacenadas’ allí. El alma es una morada. Recordando las casas y las habitaciones aprendemos a mirar dentro de nosotros mismos”. Rubio se inspira y profundiza en esta reflexión para llevar a cabo su pieza.“Busco resignificar el espacio en que nos encontramos para establecer nuevas afectividades entre conocidos y desconocidos. La obra indaga sobre nuestras costumbres y transformaciones a través de la acción de dejar el lugar acostumbrado para repensar nuestro vínculo con lo que nos rodea y habitar de una manera siempre cambiante los días, las horas, las relaciones, el espacio. A su vez el objeto espacial, la casa, descentralizada de los lugares comunes de emplazamiento en las ciudades, reflexiona y pone en crisis el lugar físico y simbólico que habitamos”, Fernando Rubio.
Ficha artística
Dirección, autoría y diseño: Fernando Rubio Actor: Juan Loriente Producción general: Cecilia Kuska Asistente de dirección en Buenos Aires: Nicolás Rodríguez Asistente de dirección, producción y distribución: Carlota Guivernau
Fechas y horarios:  18, 19, 20, 21, 22 abril en las NAVES DEL MATADERO [button title="Comprar Entradas" link="https://navesmatadero.shop.secutix.com/list/events" target="_blank" align="" icon="" icon_position="" color="" font_color="" size="2" full_width="" class="" download="" rel="" onclick=""] [button title="Reserva Parking Cercano" link="https://parclick.es/parking/madrid/teatros-madrid/?affiliate=5a21316f" target="_blank" align="" icon="" icon_position="" color="" font_color="" size="2" full_width="" class="" download="" rel="" onclick=""] [divider height="20" style="default" line="default" themecolor="1"]
EL TIEMPO ENTRE NOSOTROS en las Naves del Matadero
 

NAVES DEL MATADERO

Presenta

GRAND APPLAUSE

Norberto Llopis, Luis Úrculo y Bernhard Willhelm

Del 27 al 29  abril

  Imaginemos por un momento que la ópera Carmen de Bizet fuera una pieza de museo. Ahora imaginemos que esa obra expositiva cobrara vida de la mano de artistas contemporáneos como Luis Úrculo, Norberto Llopis o Bernhard Willhelm. Eso es Grand Applause, una exposición en cuatro actos o una ópera que recorre cuatro salas de una exposición creada por el escenógrafo y performer Jorge Dutor junto al coreógrafo, bailarín y también performer Guillem Mont de Palol.Dutor y Guillem Mont de Palol comenzaron a trabajar juntos en 2008, tras conocerse en Ámsterdam, donde Guillem se graduó en coreografía en la School for New Dance Development (SNDO). Su interés artístico dirige la mirada hacia el lenguaje, la semiótica, significante y significado, cuerpo y movimiento, musicalidad y fisicalidad del sonido. Utilizan el humor como herramienta para cuestionar formas de producción, creación, exhibición, interacción y contaminación de la práctica artística. “Creemos en una cierta dimensión política de nuestro trabajo tratando de expandir el concepto de coreografía trabajando en los límites de fricción con otras disciplinas artísticas”, explican. Por eso, a lo largo de su carrera han colaborado con otros artistas como Sara Manente & Marcos Simões, o María Jerez. Producto de estas relaciones artísticas han surgido las piezas Uuuhhh, yo fui un hombre lobo adolescente inventando horrores (2009), Y por qué John Cage? (2011), #LOSMICRÓFONOS (2013) y la película Thismovie (2013), que han viajado por múltiples espacios y festivales como Festival Panorama de Río de Janeiro, Buda Kunstenzentrum de Kortrijk (Flandes), Short Theatre de Roma, Museo Universitario del Chopo en Ciudad de México, La Casa Encendida de Madrid, Julidans Festival de Amsterdam, Festival AltVigo, Royal Exchange Theater de Manchester o la Alhóndiga en Bilbao, entre otros.Gran Applause se estrenó en el Mercat de Les Flors el Sàlmôn Festival 2016 y se ha presentado en escenarios de México, Manchester o Palma de Mallorca. En palabras de sus creadores: “Proponemos una traslación de un formato expositivo a un formato performático. Es un proyecto curatorial; una coreografía que recorre una arquitectura virtual de escala 1:1 basada en la ficción de la ópera Carmen de Bizet y pone en diálogo el trabajo de tres artistas que comparten la potencia de sugerir ficciones a partir de elementos: Norberto Llopis en el papel de Carmen, Luis Úrculo en el papel de Don José y Bernhard Willhelm como el torero Escamillo. En Grand Applause pasamos de ser los absolutos protagonistas de nuestras piezas a ser un elemento más de todo un ecosistema en el que compartimos, o diluimos, el asunto de la autoría con Merimee, Bizet, The Korgis, Reveriano Soutullo, Juan Vert, Luis Cobos, Héroes del Silencio y Rafael Alberti”. 
GRAND APPLAUSE en las Naves del Matadero
Ficha artística
Performance de: Jorge Dutor y Guillem Mont de Palol Con obra de: Norberto Llopis, Luis Úrculo y Bernhard Willhelm Coordinación técnica y regiduría: Carmelo Fernández Sonido: Carlos Parra y Marcelo Lastra Tramoya: Almudena Sancho Confección de telones: Paloma Martínez López Diseño gráfico: Miguel Marques Con la colaboración de: Coro GAC de Barcelona y Coro de El Molino Producida por: Jorge Dutor y Guillem Mont de Palol Con la colaboración de: Graner/SÂLMON< Festival, del Museo Universitario del Chopo, de Estiu en Obres de Las Naves Espai d’Innovació i Creació Con el apoyo de: Beques a la Recerca i la Creació en els ámbits de les Arts Visuals, dels Nous Sectors Creatius, de les Arts Escèniques, de la Música i el Pensament de la Generalitat de Catalunya
Fechas y horarios:  Del 27-29  abril. Horario 20.30h en las NAVES DEL MATADERO [button title="Comprar Entradas" link="https://navesmatadero.shop.secutix.com/list/events" target="_blank" align="" icon="" icon_position="" color="" font_color="" size="2" full_width="" class="" download="" rel="" onclick=""] [button title="Reserva Parking Cercano" link="https://parclick.es/parking/madrid/teatros-madrid/?affiliate=5a21316f" target="_blank" align="" icon="" icon_position="" color="" font_color="" size="2" full_width="" class="" download="" rel="" onclick=""] [divider height="20" style="default" line="default" themecolor="1"]
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GRAND APPLAUSE en las Naves del Matadero

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Presenta

EL MATRIMONIO DEL CIELO Y EL INFIERNO

INSTITUTO STOCOS

Del 14 al 22 de abril

  El núcleo central de Blake es el restablecimiento de la unión de pares opuestos, aparentemente irreconciliables, ya que como afirmaba el poeta “sin contrarios no hay progreso”. Por una lado está la virtuosa claridad del pensamiento racional tecnocientífico (el cielo, el logos) y por otro, las endemoniadas y arrolladoras fuerzas creativas de la imaginación y el instinto, que emergen de la energía corporal (el infierno, el mythos).“La obra original de Blake desafía los géneros combinando de forma orgánica una gran variedad de elementos: desde ilustraciones, poemas, parodias, una mitología original, un canto político o manifiestos religiosos, hasta toda una teoría de la percepción y varios descensos a los infiernos. En nuestra visión escénica, estos elementos emergen del cuerpo de los bailarines en forma de entidades sonoras e imaginería visual desarrolladas mediante alta tecnología: modelos de inteligencia artificial y síntesis de sonido conectadas en tiempo real a los movimientos de los bailarines.El acoplamiento entre los cuerpos en escena y la tecnología digital interactiva amplía la energía corporal de la danza a otras modalidades sensoriales como la acústica y la imaginería visual. La obra propuesta tiende un puente entre el pensamiento abstracto tecnocientífico y la experiencia concreta del cuerpo”, explica el Instituto Stocos.La pieza analiza aspectos expresivos del movimiento corporal, como la energía, la fluidez, la simetría o la impulsividad, traduciéndolos (en tiempo real) en abstracciones digitales sonoras y visuales. Instituto Stocos transforma el espacio escénico en un entorno reactivo que brota de la actividad corporal de los bailarines. Explora los límites de la imaginación coreográfica y crea una realidad aumentada de la danza.Este proyecto utiliza tecnología diseñada para el desarrollo de la danza en el Proyecto Europeo WhoLoDancE, del programa de Industria Comunicación y Tecnología (ICT) Horizonte 2020 (H2020), del que Instituto Stocos es socio beneficiario. 
EL MATRIMONIO DEL CIELO Y EL INFIERNO en las Naves del Matadero
 SOBRE INSTITUTO STOCOSLa inteligencia artificial, la biología, las matemáticas y la psicología experimental se pueden bailar. La expansión de la energía corporal de la danza a otras modalidades sensoriales, gracias a la tecnología, es el campo de investigación de la coreógrafa y bailarina Muriel Romero y el compositor Pablo Palacio. Romero, que comenzó su trayectoria con coreógrafos como Forsythe o Jiří Kylián, se unió a Pablo Palacio para fundar el Instituto Stocos, desde el que analizan y desarrollan la interacción entre gestos, sonidos e imaginería visual. Se sirven de la tecnología para evolucionar la danza. Investigan el movimiento en una escena tridimensional donde los cuerpos interactúan con entes sonoros y visuales. Fruto de su imaginario, el Instituto Stocos ha producido una serie de trabajos escénicos que funcionan como una diseminación artística de su investigación. Piezas suyas como Acusmatrix, Catexis, Stocos, Double Bind, Neural Narratives1: Phantom Limb, Neural Narratives2: Polytopya o Piano & Dancer hablan este nuevo idioma inventado por ellos.El cuerpo teórico que generan Muriel Romero y Pablo Palacio es objeto de estudio en conservatorios y Universidades de todo el mundo. Han participado en proyectos europeos pioneros de investigación como WhoLoDancE, Metabody y D.A.N.C.E. Y, desde 2010, colaboran en el desarrollo del Motion Composer, una tecnología orientada a la interacción entre cuerpo y sonido para personas con discapacidad.
Ficha artística
Dirección: Pablo Palacio y Muriel Romero Coreografía: Muriel Romero Composición de música: Pablo Palacio Simulación visual interactiva: Daniel Bisig Diseño de sistemas láser: Daniel Bisig Interpretación y colaboración coreográfica: Clyde Emmanuel Archer, Frabrice Edelman, Kateryna Hummenyuk, Arnau Pérez, Lucía Almenzar, Gabriela de Alteriis, Teresa Garzón y Aina Canela. Simulación visual interactiva: Daniel Bisig Software y tecnología interactiva: Daniel Bisig, Pablo Palacio e Infomus Casa Paganini Iluminación: Juan Carlos Gallardo Vestuario: Instituto Stocos Producción: Pablo Palacio Coproducción: Naves Matadero – Centro Internacional de Artes Vivas, Teatro Museo Universidad de Navarra Apoyos: Comunidad de Madrid, EU ICT H2020, Compañía Nacional de Danza, Teatros del Canal, Hebel Halle (Heidelberg, Alemania), Infomus-Casa Paganini- University de Genova (Génova, Italia) e Institute for Computer Music and Sound Technology of Zurich Idioma: Español e inglés
Fechas y horarios:  Del 14 al 22 de abril. Horario 20.30h en las NAVES DEL MATADERO [button title="Comprar Entradas" link="https://navesmatadero.shop.secutix.com/selection/event/date?productId=1197530037" target="_blank" align="" icon="" icon_position="" color="" font_color="" size="2" full_width="" class="" download="" rel="" onclick=""] [button title="Reserva Parking Cercano" link="https://parclick.es/parking/madrid/teatros-madrid/?affiliate=5a21316f" target="_blank" align="" icon="" icon_position="" color="" font_color="" size="2" full_width="" class="" download="" rel="" onclick=""] [divider height="20" style="default" line="default" themecolor="1"]
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EL MATRIMONIO DEL CIELO Y EL INFIERNO en las Naves del Matadero

NAVES DEL MATADERO

Presenta

ECLIPSE : MUNDO

Paz Rojo

desde el jueves 5 abril 2018 hasta el domingo 8 abril

 La bailarina y coreógrafa Paz Rojo investiga sobre el encuentro entre las prácticas artísticas, la coreografía y la filosofía. Comienza su carrera en 1994 con el premio a la bailarina sobresaliente en el VIII Certamen Coreográfico de Madrid, con Rui Horta como presidente del jurado, y los diez años siguientes se traslada a Ámsterdam donde se gradúa en “creación coreográfica” en la School for New Dance Development (SNDO Universidad de las Artes de Ámsterdam) y recibiendo el apoyo del estado holandés. Desde entonces sus piezas están presentes en la escena de vanguardia internacional: Impulstanz Festival Viena (Austria), Festival Contemporâneo de Dança Internacional (São Paulo) y Springdance Festival (Holanda). Para Rojo la danza no es una coreografía a realizar, sino que ha de ser encontrada y creada en el lugar exacto donde ya está. “Se trata de estar a la altura de lo que percibimos en lugar lo que queremos hacer ver. Por eso, la danza, desde la óptica que ofrece un eclipse, solo podría ser percibida como una ausencia de perspectiva a la que sumar miradas para continuarse en algo”, reflexiona. Ha sido la directora artística del Festival ¿qué puede un cuerpo? (La Casa Encendida, Madrid 2014-2015) y ha presentado sus piezas en el Museo Reina Sofía, el CCCB, el Festival Escena Contemporánea de Madrid o el CA2M Móstoles, entre otros lugares nacionales de referencia.En la actualidad realiza su doctorado en la Universidad de las Artes de Estocolmo con la tesis The refusal to choreograph and its movement: the subaltern pathway (El rechazo a la coreografía y su movimiento: el camino subalterno). Esta investigación incluye el laboratorio itinerante coreografía: un problema a practicar realizado desde 2010 en diferentes festivales, instituciones y contextos (Madrid, Barcelona, São Paulo, Moscú, Viena, Estambul, Ámsterdam, Estocolmo, Bruselas y Ciudad de México). Tras una residencia en Naves Matadero – Centro Internacional de Artes Vivas, presenta su última creaciónECLIPSE : MUNDO.“Un agujero se abre en el espacio de la caja negra. Un agujero negro. ECLIPSE : MUNDO es la puesta en práctica de un abismo, un cierto «no saber», un «no hacer ver» que sin embargo es un conocer. El origen griego de la palabra «eclipse» significa, precisamente, «abandono». En este sentido, ECLIPSE : MUNDO ofrece una coreografía dejando de ser coreografía y, simultáneamente, una danza tomando forma, es decir, aprendiendo a ver la posibilidad de (un) mundo en el que todo sigue siendo, pero de otra manera. Danza oscura que desactiva toda intencionalidad por medio de un distraer, un dejar perderse. O más bien, un ignorar, un olvidar. Un danzeo que, aunque no signifique nada, consiga hacer algo. ECLIPSE : MUNDO es una aproximación a la potencialidad de la danza como objeto y experiencia estética. Un paisaje, superficie y refugio a la intemperie habitado por el sonido, la luz, cinco danzantes y diferentes materialidades”, Paz Rojo.
Ficha artística
Concepto y dirección: Paz Rojo Danza: Oihana Altube, Arantxa Martínez, Jaime Llopis, Paz Rojo y Ricardo Santana Espacio sonoro: Fran MM Cabeza de Vaca Iluminación: Carlos Marquerie Vestuario y materiales escena: Jorge Dutor Asistencia técnica: David Benito Gestión y producción: Lola Lizzi Con el apoyo de: UNIARTS (Stockholm University of the Arts) Suecia y Naves Matadero – Centro Internacional de Artes Vivas Fechas y horarios:  Del jueves 5 abril 2018 hasta el domingo 8 abril . Horario 20.30h en las NAVES DEL MATADERO [button title="Comprar Entradas" link="https://navesmatadero.shop.secutix.com/selection/event/date?productId=1197530038" target="_blank" align="" icon="" icon_position="" color="" font_color="" size="2" full_width="" class="" download="" rel="" onclick=""] [button title="Reserva Parking Cercano" link="https://parclick.es/parking/madrid/teatros-madrid/?affiliate=5a21316f" target="_blank" align="" icon="" icon_position="" color="" font_color="" size="2" full_width="" class="" download="" rel="" onclick=""] [divider height="20" style="default" line="default" themecolor="1"] 
 

NAVES DEL MATADERO

Presenta

ESTOY PENSANDO EN TORTUGAS

CLAUDIA FACI

desde el viernes 9 marzo

  La bailarina, coreógrafa, actriz, directora, docente y autora independiente Claudia Faci es un verso imprescindible en las artes escénicas contemporáneas españolas. “Quizás no exista mejor archivo que la piel de Claudia Faci. Todo lo que, de alguna manera, ha sido relevante durante los últimos treinta años de historia de la danza en España, ha dejado una marca en sus carnes enjutas”, ha dicho de ella Jaime Conde-Salazar. Como nieta e hija de maestras (María de Ávila y Lola de Ávila) las hebras de su ADN conocen bien la profundidad de la danza, pero su necesidad de actualizar constantemente su manera de vivir la escena hace que sus creaciones reten las convenciones, huyan de los lugares comunes y distorsionen la noción de autoría basada en las leyes establecidas por el mercado. Faci desdibuja los límites entre el sujeto y el objeto, entre quien mira y quien recibe la mirada.Desde que en 2006 estrenara Nur Für Dich en el festival Madrid en Danza, bajo el heterónimo Klara von Himmer, concentra su actividad en la creación nutriéndose de su experiencia en la danza, el teatro, la performance y la literatura.Sus piezas han recibido elogios en el Festival de Otoño a Primavera, Temporada Alta de Girona o Escena Contemporánea de Madrid. Decía Miquel Insua que “si Claudia Faci desarrollara su actividad en Berlín formaría parte de la programación habitual de la Schaubühne”.En la última década ha mantenido abierto un diálogo fundamental para el desarrollo de su trabajo con creadores como Jaime Conde-Salazar, Chantal Maillard, Fernando Renjifo, los colectivos MaDam y Terrorismo de Autor y Óscar G. Villegas."Imaginemos la posibilidad de una escritura que no suceda necesariamente sobre el papel. Una escritura hecha de carne que no conozca otro tiempo sino el “instante-ya”. Imaginemos que el teatro se convierte en una suerte de máquina de producir escritura.Soy un cuerpo en busca de una escritura que se deslice como un lametazo a la superficie del tiempo, que sea puro pasaje, agarrada a la vida hasta confundirse con ella.Me atrevo a decir “yo” y apareces: “tú”. Acarreo la primera persona porque sé que el premio es tu cuerpo al otro lado. Eres la consecuencia inmediata de este (y de cualquier otro) intento de escribir, el precio que con gusto acepto pagar. “Soy el eres-tu”. Yo y tú, rebote de mi existencia. Somos Dos.Dos invitan a otras dos. C y Ó se desdoblan en sus reflejos: dos cuerpos más. Y así sucesivamente. De lo que se trata es de escenificar la distancia que nos separa y que permite la escritura. Pero en este tiempo ahora, este tiempo que se inscribe dentro del instante del deseo, no queda espacio para el mito. O mejor, dicho, no nos queda otra que desterrar ese mito impuesto que nos obliga a entender la distancia que nos separa como una imposibilidad.Entre yo y tú el aire. Entre tú y yo el calor, la luz, la música, y mi voz. Entre los dos la mirada, la razón profunda del deseo: “esa posibilidad de desdoblamiento que engendra del sí mismo al otro, a ese otro especular cuyos ojos deseamos y en cuyos ojos –los ojos deseados- deseamos que su deseo, el de él, el del otro, nos haga existir”, dice J.Á. Valente . Puesto que tú y yo respiramos el mismo aire, la distancia no debe confundirse más con la separación. O y C se multiplican reventando el espacio del mito.El principio que gobierna este aire-ya es el eros. Aquí, la materia busca sin cesar formas de organización transitorias que trasciendan los límites de los cuerpos individuales. Aquí se está llamando a las criaturas. Entre tú y yo, ellas, las criaturas: superficies sobre las que el lenguaje discurre y se escurre, encarnaciones sobre las que se predican palabras que les exceden, bestias que dejan escapar de sus sexos un texto que suena en música. El Amor está aquí para revelar los otros cuerpos, aquellos que fecundan la distancia que ya no nos separa", Claudia Faci.ESTOY PENSANDO EN TORTUGAS en Naves del Matadero
Ficha artística
Creación: Claudia Faci, Óscar Villegas, Luciana Pereyra-Agoff, Lucas Condró, Sandra Gómez, Jaime CondeSalazar y Ana Rovira En escena: Lucas Condró, Claudia Faci, Luciana Pereyra-Agoff y Óscar Villegas, Sandra Gómez y Jaime Conde-Salazar + invitados Luz: Ana Rovira Sonido y música: Óscar Villegas Texto: C. Faci, L. Pereyra-Agoff y Ó. Villegas, a partir de C. Lispector, H. Michaux y C. Millet Dramaturgia y dirección: Claudia Faci Fotografía: Pedro Albornoz Vídeo: Gonzalo Munilla Producción: Claudia Faci con la colaboración de Naves Matadero y Patronato Municipal de las Artes escénicas y de la Imagen del Ayuntamiento de Zaragoza Idioma: Español, inglés, francés 
Fechas y horarios:  Del viernes 9 marzo 2018 hasta el domingo 18 marzo. Horario 20.30h en las NAVES DEL MATADERO [button title="Comprar Entradas" link="https://navesmatadero.shop.secutix.com/selection/event/date?productId=1197530038" target="_blank" align="" icon="" icon_position="" color="" font_color="" size="2" full_width="" class="" download="" rel="" onclick=""] [button title="Reserva Parking Cercano" link="https://parclick.es/parking/madrid/teatros-madrid/?affiliate=5a21316f" target="_blank" align="" icon="" icon_position="" color="" font_color="" size="2" full_width="" class="" download="" rel="" onclick=""] [divider height="20" style="default" line="default" themecolor="1"]
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NAVES DEL MATADERO

Teatro Praga

Presenta

DESPERTAR DA PRIMAVERA

de Frank Wedekind

2, 3 y 4 marzo

 Despertar de Primavera, escrita en 1891 por el dramaturgo alemán Frank Wedekind, escandalizó en su época por abordar escenas con temática homoerótica, masturbación, sado-masoquismo, violación, suicidio y referencias al aborto.125 años después, la compañía portuguesa Teatro Praga rescata este texto de Wedekind, sobre un grupo de adolescentes en conflicto con una sociedad conservadora y moralista, para cuestionar algunas dictaduras invisibles actuales como las identidades duales o establecidas socialmente (hombre y mujer, homosexual y heterosexual) y la identidad de la lengua. Para ello, en la traducción (y traición) del texto, el dramaturgo portugués Vieira Mendes ha creado un lenguaje único, con tinte queer, repleto de palabras de diferentes orígenes. “Una promiscuidad idiomática que, por veces, nos puede recordar que estamos ante una obra de otro siglo, y, por veces, hacernos pensar en una civilización del futuro que maneja una amalgama lingüística”, dice Alfonso Becerra de Becerreá. Este lenguaje “de una generación que crece bajo la luz artificial, ante pantallas de plasma y entre la maraña del universo digital”, nos habla sin titubeos de la invasión del mundo globalizado. Y su mensaje baila a través del universo rosa de lentejuelas, brillos, purpurinas y unicornios hinchables que cubre constantemente la escena cuestionando las identidades de género, las discusiones sexuales y el teatro tradicional.“Por invitación del Centro Cultural de Belém regresamos a un clásico de la literatura dramática para inscribir, en un texto y en el canon teatral, a quienes están excluidos por el teatro representativo. Despertar da Primavera está invadida por una pubertad que engaña a la naturaleza, que rechaza el sometimiento de un cuerpo a otro, la construcción de identidades, y se agarra a un rito de emancipación que busca desafiar los estándares tradicionales. Un lugar donde se requiere que coexistan varios idiomas, donde las referencias se pierden y reconstruyen, donde la desesperación es la vida y el suicidio la victoria. Es una performance que reivindica la necesidad de idear cierta humanidad”, explica la compañía. 
DESPERTAR DA PRIMAVERA en las Naves del Matadero
 SOBRE TEATRO PRAGATeatro Praga (en español Teatro Plaga) nació en 1995 y se han convertido en un referente de creación contemporánea portuguesa en el mundo. Sus creaciones han encontrado el apoyo de las instituciones culturales contemporáneas más prestigiosas de Portugal y se han presentado en festivales internacionales como, por ejemplo, Macao Arts Festival de China, Festival Chantiers d’Europe del Théâtre de la Ville de París o el VIE Festival de Módena. Aunque el trabajo que desarrolla Teatro Praga sea aparentemente convencional, su manera de trabajar la escena es excepcional. Ellos se definen como un grupo de artistas, diferentes en cada espectáculo, con un escudo heráldico que nos une. “Nos regocijamos con el orden establecido y encontramos que las variaciones impredecibles de sí mismas son una forma de ampliar el concepto de predictibilidad”, explican. Actualmente su sede es Rua das Gaivotas 6, en Lisboa, donde también ofrecen residencias a jóvenes artistas emergentes portugueses que no tienen cabida en otros lugares.
Ficha artística
Texto: Frank Wedekind Traducción: José Maria Vieira Mendes Participan: André E. Teodósio, Cláudia Jardim, Cláudio Fernandes, Diogo Bento, Odete C. Ferreira, João Abreu, Mafalda Banquart, Óscar Silva, Patrícia da Silva, Pedro Penim, Rafaela Jacinto, Sara Leite y Xana Novais Diseño de luces: Daniel Worm D’Assumpção Diseño de sonido: Miguel Lucas Mendes Operador técnico: João Neves Diseño de escenografía: Bárbara Falcão Fernandes Vestuario: Joana Barrios Jefa de sastrería: Rosário Balbi Producción: Andreia Carneiro Producción ejecutiva: Bernardo Lacerda Asistente de producción: Alexandra Baião Coproducido por: Teatro Praga, Centro Cultural de Belém, Teatro Nacional São João, Teatro Viriato Artistic Residence y ensayo abierto en 23Milhas - Casa Cultura Ílhavo Idioma: Portugués con subtítulos en español Fechas y horarios: 2, 3 y 4 marzo a las 20.30h. en LAS NAVES DEL MATADERO
[button title="Comprar Entradas" link="https://navesmatadero.shop.secutix.com/selection/event/date?productId=1201113027" target="_blank" align="" icon="" icon_position="" color="" font_color="" size="2" full_width="" class="" download="" rel="" onclick=""] [button title="Reserva Parking Cercano" link="https://parclick.es/parking/madrid/teatros-madrid/?affiliate=5a21316f" target="_blank" align="" icon="" icon_position="" color="" font_color="" size="2" full_width="" class="" download="" rel="" onclick=""] [divider height="20" style="default" line="default" themecolor="1"]
DESPERTAR DA PRIMAVERA en las Naves del Matadero 

TEATRO DE LA ABADÍA

presenta

TIEMPO DE SILENCIO

Luis Martín-Santos
Dirección: Rafael Sánchez
Del 28 de febrero al 17 de marzo, 2019
Tiempo de silencio, uno de los hitos de nuestra literatura del siglo XX, dibuja un grotesco retrato del Madrid de la posguerra. La obra aúna la línea de escritores como Joyce, Faulkner y Proust, a la tradición picaresca, el lenguaje de Valle-Inclán y el imaginario de Goya. Dos años después de su publicación, su autor, el escritor y psiquiatra Luis Martín-Santos, falleció en un accidente de coche con apenas 40 años de edad.Tiempo de silencio (1962) fue traducido enseguida a otros idiomas; en alemán le pusieron como título Silencio sobre Madrid (“Schweigen über Madrid”) y en francés, Las moradas del silencio (“Les demeures du silence”). Nunca ha sido adaptado al teatro, aunque sí al cine (en 1986, por Vicente Aranda). Es considerado un libro sumamente innovador tanto por su forma como por su contenido.Aunque la trama se desarrolle a finales de la década de 1940, su visión caricaturesca no se aleja mucho de nuestro modelo de sociedad actual, especialmente atribulado en las grandes ciudades. La soledad que se siente en mundos estancos, la disfunción de los lazos familiares, la impotencia y el odio más allá del sentir político, el silencio que envuelve el quehacer cotidiano…Este descenso a los infiernos urbanos, un infierno al que nos hemos acostumbrado, presenta la historia de un investigador que a través de experimentos con ratas indaga en el aspecto hereditario del cáncer. Ante la falta de ratas de laboratorio, va a buscar nuevos ejemplares en unas chabolas a las afueras de la capital española. Allí descubre la dura realidad vital de los marginados y acaba implicado en una trama que posee la desolación propia del mundo de los cuentos.En esta historia que rezuma la sordidez de la época franquista, La Abadía ha encontrado el punto de partida idóneo para el debut en nuestro país del joven director Rafael Sánchez. Descendiente de emigrantes españoles, se crio en Suiza y actualmente está vinculado al teatro municipal de Colonia (Schauspiel Köln), siendo una de las figuras más singulares de la escena alemana de nuestros días. 

TIEMPO DE SILENCIO en el Teatro de la Abadía

 

MET Opina: “ Qué gran historia, que elenco tan tan tan equilibrado y una dirección tan acertada, que narran un tiempo de silencio que hizo de la brutalidad, la normalidad

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