Histórico

Obras que estuvieron en cartel y que ya forman parte de nuestra amplia base de datos

TEATRO ESPAÑOL

Una coproducción de KVS Bruselas, Théâtre de la Monnaie, Théâtre de Liège, Teatro Español, DCJ Creation y la colaboración del Instituto Cervantes de Bruselas

presenta

L'HOMME DE LA MANCHA

OBRA EN FRANCÉS CON SOBRETÍTULOS EN CASTELLANO

del 9 al 11 de mayo de 2019

El 4 de octubre de 1968 el teatro de La Monnaie de Bruselas estrenó el musical L’homme de La Mancha, libreto de Dale Wasserman, música de Mitch Leigh y letra de Joe Darion, traducida, adaptada e interpretada en francés por Jacques Brel. Fue la única vez en toda su impresionante carrera que Brel interpretó y adaptó el trabajo de otros artistas. Porque amaba mucho el musical y amaba a Don Quijote, nuestro héroe de Cervantes, un personaje con el que se identificaba completamente.Medio siglo más tarde, el teatro KVS, La Monnaie, el Théâtre de Liège y el Teatro Español se unen para trasladar la obra maestra de Cervantes y Brel a la ciudad de hoy y de mañana. Michael De Cock y Junior Mthombeni dirigen un equipo extraordinario, performers, sopranos actores y actrices, bajo la dirección musical de Bassem Akiki.Una oda a Brel y a Bruselas, a las ciudades, a la imaginación, a la poesía y a los sueños imposibles que nuestra era tanto anhela.

TEATRO ESPAÑOL

Teatro Real, en coproducción con el Teatro Español, la Ópera de Butxaca i nova creació y el Teatro Lliure

presenta

JE SUIS NARCISSISTE

ópera bufa

DEL 7 AL 10 DE MARZO DE 2019

Parece un momento más que propicio para hablar de narcisismo. Ese narcisismo que todo lo inunda; ese que agranda nuestra percepción de nosotros mismos y nos empuja a hacer todo a lo grande, aunque hayamos olvidado muy bien la razón por la que lo hacemos. Partiendo de un humor negro sin concesiones, Je suis narcissiste nos presenta a una organizadora de eventos culturales que vive cada día como una carrera de obstáculos que se interponen entre ella y su felicidad.Los acontecimientos la desbordan y las personas la dejan sumida en una sensación de soledad. Parejas, mascotas, jefes, ascensoristas, artistas o empleados de pompas fúnebres parecen mucho más interesados en hablar que en escuchar. Ante un caldo de cultivo tan sabroso, bastará un desencadenante, en forma de gato muerto, para que llegue el colapso emocional. Abrumada, llega a la consulta de un psiquiatra que abraza todo tipo de teorías tan excéntricas como él. Ambos viajarán juntos a través de una experiencia transformadora (o no).Una producción del Teatro Real, en coproducción con el Teatro Español, la Ópera de Butxaca i nova creació y el Teatro Lliure
 

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Las mujeres piden paso en la ópera del siglo XXI

El Teatro Real, el Español y el Lliure coproducen 'Je suis narcissiste', una obra compuesta y dirigida mayoritariamente por creadoras

TEATRO ESPAÑOL

presenta

MI NIÑA, MI MIÑA /3D

De Amaranta Osorio e Itziar Pascual

del 6 de marzo al 7 de abril de 2019

El horror nos sacude porque se refiere a lo que hoy está pasando, porque sentimos que debemos ayudar, hacer algo, provocar la luz ante tanta oscuridad. Vemos imágenes de niños asustados, desorientados, hambrientos, con humo en la boca, sin zapatos, flotando en los mares, hacinados en trenes, huyendo en caminos, sin nada… y no sabemos qué hacer.Asistimos al infierno en la tierra; ese infierno que nos recuerda la obra sobre lo que fueron los campos de concentración nazis, y en concreto, sobre las tinieblas que atravesaron unas mujeres en el campo de Terezin, abusos, violaciones…El dolor es atroz. Resistir, despertar las conciencias para que la maldad se pare. Se pare de una vez. Esperanza, ilusión, Paz, llámenlo como quieran, seguir en eso, en eso que se llama Amor. Resistir.En paralelo, sucede la historia de una joven mujer que quiere saber quién es, le duele la oscuridad a la que se ve sumergida, entiende que debe aclararse, alumbrar su vida, encontrarse, quererse.“Lo infinito limita la maldad” nos dicen las autoras de esta obra. Queremos creer en eso. Poner la luz en eso. Cuantas más luces, menos oscuridad. Un mundo habitado por luciérnagas. Ese es nuestro intento, nuestra necesidad y sentido de montar esta obra.Una obra que nos habla de mujeres que lucharon ante la perversión, ante el espanto. Mujeres que se ayudaron con gestos pequeños. Gestos que salvaron vidas.Hoy, el montar esta obra, es ese gesto que entendemos necesario y que ojalá sirva, ayude, aporte luz.
Natalia Menéndez

Natalia Menéndez: "La magia del teatro está en la resistencia"

La reputada directora desembarca en el español con un texto que habla sobre el papel que jugaron algunos artistas en el Holocausto

Nacida en Madrid en 1967, Natalia Menéndez es, desde hace dos décadas, una de las directoras con mejor reputación de nuestro teatro. Responsable del Festival de Almagro entre los años 2011 y 2017, mientras prepara el estreno de Tres sombreros de copa para esta próxima primavera, aterriza en el Teatro Español con Mi niña, niña mía, un texto de Itziar Pascual y Amaranta Osorio sobre el horror y la memoria.   Comprar entradas

TEATRO ESPAÑOL

Ana Gracia, Rosa Morales y Antonio Resines

presenta

ESA CARA

del 13 al 24 de febrero de 2019

 Esa cara engancha desde el primer momento, desde la oscura y desquiciada noche con la que se inicia la función, en una institución educativa de alto nivel. No se sabe a ciencia cierta qué está ocurriendo pero, claramente, nada bueno. Polly Stenham escribe con un humor inteligente y salvaje, un elegante e irónico sentido del ritmo y una sorprendente capacidad de evocar lugares y personas. Los hechos tienen su continuación en un piso de un barrio elegante y distinguido. Allí asistimos a la inquietante relación entre Marta y Henry, su hijo apenas salido de la adolescencia. El texto parece un retrato de cierta clase adinerada española, permisiva y cosmopolita. Marta es la quintaesencia de algunas mujeres aniñadas e irresponsables, más adolescente que los adolescentes que la rodean. La situación de Marta apunta directamente a Hugo, su ex-marido y atractivo hombre de negocios y que ahora vive en la otra punta del mundo. Se dedica a tirar de tarjeta para ocultar la indiferencia y el aburrimiento que le produce su familia. La obra, con la brillantez de sus diálogos y el ingenio de su escritura invita a la pregunta y la reflexión: ¿Quién está dispuesto a afrontar que este Reino del Revés se está viniendo abajo?
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AVANCE DE TEMPORADA 2018/2019 (Volumen 2)

 

 Dejadme que os oiga decir estas palabras, para que pueda llevármelas conmigo 

"Grandes Esperanzas" Charles Dickens

AVANCE DE TEMPORADA 2018/2019 (Volumen 1)

AVANCE DE TEMPORADA 2018/2019 

 

GRANDES MUJERES

GRANDES AUTORES NACIONALES

Borja Ortíz de Gondra Aberto Conejero Juan Mayorga Iñigo Guardamino  

GRANDES DIRECTORES

Daniel Veronese  Claudio Tolcachir  Mario GasErnesto Caballero 

GRANDES AUTORES INTERNACIONALES

Arthur Miller David MametTracy Letts  John Logan

 

GRANDES ESPECTÁCULOS

GRANDES LOCOS BAJITOS

        

GRANDES #imperdibles

GRANDES ADELANTOS

  
 
 

TEATRO KAMIKAZE

dlcAos

presenta

ZÈBRE

4 – 15 Dic 2018

‘Zèbre’ es el término coloquial francés para ‘bicho raro’. Se califica así también a las personas dotadas de una alta capacidad emocional, sensitiva. Zèbre, que se inspira en algunos de los genios más grandes de la cultura y el pensamiento universal, es la última pieza de danza de la directora, coreógrafa y bailarina Manuela Barrero.

Sentado, un personaje sumido en tristes pensamientos, una mano apoya en la cara… Su cabeza se precipita hacia la tierra, ladeada, sin expresión.‘Zèbre’ es el término coloquial francés para ‘bicho raro’. Se califica así también a las personas dotadas de una alta capacidad emocional, sensitiva. Lo asocio además a la incomprensión social que esto genera. Incomunicación emocional e intelectual que provoca en la ‘zebra’ un estado de melancolía permanente.El camino que conduce a Zèbre está asfaltado de numerosas referencias, punto de partida para la construcción de escenas, dramaturgia, luz, escenografía, sonido y, sobre todo, movimiento, danza. Un ejemplo: cuenta Aristófanes que al comienzo del mundo los hombres tenían cuatro brazos y cuatro pies y, orgullosos, se comparaban con los dioses. Por ello fueron separados en dos mitades y, desde entonces, tienen la esperanza de verse unidos de nuevo y hacerse uno a través del amor. Esto me recuerda a Alegoría del placer y del dolor, de Da Vinci, y a la unión de las dos figuras que aparecen en su dibujo que, según se cuenta, son el propio artista y su amante.Zèbre está inspirado en genios de la cultura y el pensamiento universal cuyas biografías y obras son para mí síntomas externos de la ‘patología’ que parece que es ‘ser diferente’: Leonardo, Durero, Borromini, Anibale Carraci, Rodin… Antepasados de nuestra zebra contemporánea. La propuesta es comunicarlo por medio del lenguaje de la danza.Zèbre es soledad común, es reivindicar lo diferente como la esencia desencadenante del acercamiento entre seres humanos diversos en una cultura que impone la homogeneidad del no criterio. Es provocar un abrazo a lo desconocido. Pero propone la experiencia de la no indiferencia, de la compasión ante el sufrimiento del otro, del amor por el otro. No por lo que le define, sino por lo que nos define. Es mirar el cielo echando de menos una estrella única, especial porque nunca ha sido vista. Y, en medio de eso, calma y generosidad, conocimiento, que en Zèbre es tinta negra bebida a pequeños sorbos. Esa es la melancolía de la pieza, deseo incurable de cielo y tierra, una necesidad profunda de llamada a la inspiración escurridiza, una búsqueda de consuelo y comunicación.Poner Zèbre en escena es desnudar públicamente un pensamiento privado. Es comunicar al resto de seres humanos lo que se es y cómo esta información llega al otro. El movimiento es el reto. La danza como lenguaje universal. Trabajando desde ella y para ella, reflexiono sobre el concepto de anamorfosis aplicado a la danza. Es decir, la proyección de la forma fuera de sí misma. La pieza plantea este concepto como un hermoso recurso para generar movimiento danzado.Zèbre es la última pieza de la directora, coreógrafa y bailarina Manuela Barrero. Ficha:Coreografía y dirección Manuela Barrero Intérpretes Davicarome y Manuela Barrero Iluminación Sergio Torres Fotografía Jacobo MedranoUna producción de dlcAos
Fechas  y horarios: 4 – 15 Dic 2018. Martes 4 Dic, 19:00 h. (estreno absoluto) Martes a Sábado, 19:00 h., en el TEATRO KAMIKAZE ZÈBRE en el Teatro Kamikaze
 

TEATRO KAMIKAZE

Baraka Teatro

presenta

SUEÑO LORCA O EL SUEÑO DE LAS MANZANAS

9 – 24 Nov 2018

Un viaje poético por la vida y obra de Federico García Lorca a través de sus trabajos menos populares. El surrealismo, las piezas inacabadas, los fragmentos de sus extraordinarias y poéticas entrevistas y toda suerte de anécdotas biográficas componen un collage escénico que entremezcla la realidad del poeta con diálogos, poemas y canciones con la ficción de los sueños. Nominado a 3 Premios Max 2010: mejor producción privada, mejor diseño de iluminación y mejor actriz de reparto.

 En el 120º aniversario del nacimiento de Lorca y en el 10º aniversario de Baraka Teatro, retomamos la función con la que se estrenó y se dio a conocer esta compañía madrileña: Sueño Lorca o el sueño de las manzanas.Los poetas hablan al público y sueñan. Farolillos: comienza un baile en la plaza del pueblo. Los amantes se conocen, discuten y se despiden por mucho tiempo a pesar del amor. Un barco a Nueva York, apasionante y detestable. Parece que no hubiese pasado el tiempo. Un hombre que despierta de una pesadilla, resucita y baila tangos en Buenos Aires. Chopos que susurran el nombre de Federico y niños crueles que no entienden la diferencia entre un magnolio, un geranio, una violeta y una siempreviva. Pero la gata muerta sí es su amiga, a pesar del miedo… Los actores entran y salen de una realidad que pudo existir, como si fuesen sinapsis entre neuronas del poeta andaluz.Sueño Lorca o el sueño de las manzanas es un viaje poético por la vida y obra de Federico García Lorca a través de sus trabajos menos populares. El surrealismo, las piezas inacabadas, los fragmentos de sus extraordinarias y poéticas entrevistas y toda suerte de anécdotas biográficas componen un collage escénico que entremezcla la realidad del poeta con diálogos, poemas, canciones de creación propia y la ficción de los sueños.La infancia, la adolescencia, los viajes, la corta madurez y la muerte se mezclan sin nociones aristotélicas de acción, tiempo o espacio, como en un sueño. Así vemos un niño Lorca que juega al desierto con Dalí en una residencia de estudiantes o una mujer que pasea por la 5ª avenida neoyorquina mientras las manzanas se lamentan de su suerte. Un hombre cuyo paraguas no le aleja de su cruel destino y un pie izquierdo con una nube. Pámpanos y cascabeles. Un mundo de contrastes, de vida y muerte, donde el miedo a lo diferente toma distintas caras. A veces es un maestro, otras es un soldado y, otras, una melodía popular, una niña gitana mal pintada con zapatos de tacón que pasea entre Corrientes y el Albaicín. Un mundo de mujeres afectuosas, de teatro, de manteles bordados a mano, de sonidos de guitarra y teclas de piano, coplas, romances, cuentos y dramáticas liturgias en los altos de una casa granadina, bajo un cielo raso lleno de posibilidades. Un mundo de leyendas, de calor humano, de olor a tierra, de cantos de quejío andaluz, de pastores, de soledad y de bichos, muchos bichos.Un mundo de amor por la vida y por la libertad. La misma libertad que le ayudaría a ignorar el profundo cerco que silenciosamente se estrechaba.Nominado a 3 Premios Max 2010: mejor producción privada, mejor diseño de iluminación y mejor actriz de reparto.
Dramaturgia y direcciónMaría Caudevilla
IntérpretesSara Campbell, María Caudevilla, José Manjón (resto de elenco por confirmar)
ProducciónBaraka Teatro
EscenografíaMaría Caudevilla
VestuarioLudy Ruiz
Iluminación y sonidoFlavia Mayans
Diseño sonoroJosé Mora
Una producción de Baraka Teatro
 
 

TEATRO KAMIKAZE

La Quintana Teatro

presenta

DESDE LO INVISIBLE

Premio Max al mejor espectáculo revelación 2008

24 Oct – 4 Nov 2018

Relatos escénicos y situaciones que giran en torno al mundo de las personas con discapacidad intelectual. Desde el humor y un acercamiento comprometido, Desde lo invisible cuestiona la medida de la inteligencia y dónde están los límites de lo normal, lo políticamente correcto y el sentido de la belleza. Quisimos abrir una ventana para atrevernos a mirar lo “diferente”. Pero no había ventanas que abrir, ni diferencias que observar. Ganador del Premio Max al mejor espectáculo revelación 2008.

 Una mujer embarazada que no sabe si su bebé tendrá una discapacidad, una chica que no acepta que el martes no hay piscina, otra en su primer día de trabajo, una hermana que ya no puede más con los cuidados…Estas y otras historias, como las que cuentan los jóvenes y adultos de un centro ocupacional de Madrid, reflejan un contexto social aún desconocido para muchos de nosotros y nosotras. El entorno familiar de monitores, amistades y vecinos es también el protagonista de los relatos más hilarantes, políticamente incorrectos, crudos, emotivos y sinceros que se crean desde lo invisible del corazón.Dos actrices encarnan múltiples personajes y situaciones en un devenir de saltos en el tiempo y acumulación dramática. Un músico-actor acompaña las escenas resignificando sus objetos cotidianos, como el manillar de una bicicleta, en instrumentos musicales.El espacio escénico es la metáfora de un cerebro aún sin nombre, que no entiende de normalidad ni de perfecciones a las que aspirar. Sus conexiones neuronales e impulsos eléctricos atraviesan el mismo universo de estrellas que existe entre la vida y la muerte o el dolor y la felicidad.Desde lo invisible surge hace diez años como un proyecto de investigación sobre la discapacidad intelectual. Durante un año, las actrices compartieron experiencias con chicas y chicos de un centro ocupacional de Madrid. A raíz de esas experiencias, sumadas a las del resto del equipo artístico, fueron creándose los distintos personajes y situaciones que hoy constituyen un todo teatral.Con dramaturgia de Irma Correa y Rubén Tejerina, Desde lo invisible es una sucesión de relatos escénicos y situaciones que giran en torno al mundo de las personas con discapacidad intelectual. Desde el humor y un acercamiento comprometido, la obra cuestiona la medida de la inteligencia y dónde están los límites de lo normal, lo políticamente correcto y el sentido de la belleza. Quisimos abrir una ventana para atrevernos a mirar lo “diferente”. Pero no había ventanas que abrir, ni diferencias que observar.Ficha:
Textocreación colectiva de Irma Correa, José Manuel Pizarro, Isabel Rodes, Rolando San Martín, Victoria Teijeiro y Rubén Tejerina
Dirigido porRolando San Martín
IntérpretesIsabel Rodes, Nacho Martín, Victoria Teijeiro
DramaturgiaIrma Correa y Rubén Tejerina
IluminaciónRosana García
EscenografíaAlicia de Miguel e Ikerne Jiménez
VestuarioIkerne Jiménez
Creación musicalJosé Manuel Pizarro
Realización técnicaEnrique Benito
VídeoRaúl Arias, Alberto Zuya, Germán Michelena, Josito Hernández
FotografíaMarcosGpunto
DistribuciónVictoria Teijeiro
Una producción de La Quintana Teatro
Fechas  y horarios: 24 Oct – 4 Nov 2018. Miércoles 24 Oct, 18:30 h. (reestreno) Martes a Sábado, 18:30 h. Domingo, 20:30 h., en el TEATRO KAMIKAZE
 

TEATRO KAMIKAZE

Buxman Producciones

presenta

HERMANAS

10 Ene – 10 Feb 2019

El estreno absoluto de Hermanas, de Pascal Rambert (La clausura del amor, Ensayo) tendrá lugar en paralelo en Madrid con la producción española en El Pavón Teatro Kamikaze y en París con la producción francesa en el Théâtre des Bouffes du Nord.

Pascal Rambert es Artista Asociado a El Pavón Teatro Kamikaze.

 “Escribo, por primer vez, para cuatro cuerpos. Dos cuerpos de actrices francesas, Audrey Bonnet y Marina Hands, y dos cuerpos de actrices españolas, Bárbara Lennie e Irene Escolar. Cuatro cuerpos para dos personajes femeninos. Una versión en París. Una versión en Madrid. La misma historia. El mismo texto. Pero pensado para cuatro energías. Cuatro actrices deslumbrantes. Cuatro maravillas. Hermanas es una historia dura entre dos hermanas. Un momento de reproche y de amor. Algo para toda la vida entre dos cuerpos salidos del mismo cuerpo pero profundamente dispares. Unidos. Y, sin embargo, opuestos.Para la versión española me alegra mucho reencontrarme con Bárbara tras La clausura del amor y con su trabajo único. Su presencia y lenguaje tan llenos de talento. Y espero con impaciencia trabajar con Irene, a la que vi y me encantó en Blackbird. Pienso en las dos cuando escribo. Están en mi imaginario como lo están Audrey y Marina. Esas hermanas son nuestras hermanas. Son la multitud que vive en cada uno de nosotros. Esa multitud se llama: exigencia, verdad, lucha”.
Pascal Rambert

Francia y España, hermanadas por el teatro

Bárbara Lennie e Irene Escolar: "Lo importante es gozar del camino y no dar el coñazo"

HERMANAS en el Teatro Kamikazev Comprar entradas
 

en gira

TXALO PRODUCCIONES

presenta

JUNTOS

de Fabio Marra, dirección Juan Carlos Rubio

 Juntos aborda  un tema candente: ¿existe la normalidad? ¿Qué significa ser normal? ¿Estamos preparados para aceptar lo diferente? Fabio Marra, su autor, mezcla risas y sentimientos en una fabulosa comedia que fue candidata en Francia a varios Premios Moliere 2017, “mejor comedia”, “mejor texto”, alzándose con el galardón de mejor actriz protagonista.Isabel vive, o mejor dicho, sobrevive, en un modesto piso junto a su hijo Miguel, un joven discapacitado, impulsivo y generoso. La inesperada visita de su hija mayor, Sandra, ausente desde hace más de diez años, hará que las complejas relaciones familiares se tambaleen, arrastrando a todos ellos en una espiral de ternura, ironía e mucho humor

Notas del autor (Fabio Marra)

¿Qué es la normalidad? Juntos aborda este apasionante tema a través de la historia de Isabel y sus hijos: Miguel y Sandra. Isabela nunca ha aceptado que su hijo sea diferente de los demás, y Miguel se ha convertido en su única razón de vivir. ¿Pero qué ocurre con la vida de Miguel? Y Sandra, ¿qué tipo de hermana es? ¿Qué sucede actualmente cuando un miembro de nuestra familia depende de nosotros? ¿Existen vidas que no merecen la pena ser vividas? En tal caso, ¿quién decidiría cuál merece la pena y cuál no? Antes el sacrifico venía recompensado moralmente, actualmente los valores han cambiado, y lo más valorado es el éxito personal. Así que muchas personas no se adaptan a nuestro nuevo modo de funcionar. ¿Por qué cada vez hacemos menos cosas juntos? Nuestra sociedad nos empuja a ser los mejores, a pensar primero en nosotros mismos, y después, quizás, solo quizás, en los demás. Pero la vida se construye a través del intercambio con los otros, a través de los momentos que vivimos juntos…

 

  

TEATRO KAMIKAZE

Bella Batalla Producciones y Esto Podría Ser presenta

UNA ENLOQUECIDA AVENTURA INTERIOR

 Del 26 de diciembre al 4 de enero

Proyecto que forma parte de la I Residencia Artística El Pavón Teatro Kamikaze. Una enloquecida aventura interior plantea un recorrido por la vida de seis mujeres a través de su particular visión del mundo y de su vía de escape: el arte. Seis mujeres poetas, novelistas, cantautoras. Todas ellas decidieron poner fin a sus vidas, hecho que pasó a convertirlas en “poetas suicidas”. Lo obvio es que se suicidaron, pero el denominador común es cómo escapaban, con sus creaciones, de unas vidas que las oprimían, de la sociedad y de los cánones impuestos. 
Seis actrices habitan las vidas de Violeta Parra, Alejandra Pizarnik, Sylvia Plath, Alfonsina Storni, Anne Sexton y Virginia Woolf. A partir de la recopilación de textos, titulares y entrevistas, cada actriz “acoge” a una de estas artistas que han pasado a la historia no solo por su legado creativo, sino también porque decidieron poner fin a sus vidas. Este hecho pasa a convertirlas irremediablemente –a ojos de los críticos, estudiosos y de la sociedad en general– en lo que ha dado en llamarse “poetas suicidas”. Son muchas la ocasiones en las que el acto del suicidio parece haber tomado más relevancia que su trabajo en sí, o incluso se sugiere haber ganado en calidad debido a ello.En Una enloquecida aventura interior, las vidas de estas mujeres convergen en un mismo lugar, un espacio de aislamiento, de reclusión. Lugar de cura y recuperación, ya sea obligada o voluntaria. La decisión de que los personajes deambulen en este espacio surge por la  concepción que prima en el imaginario colectivo cuando nos referimos a ellas.Pero hemos querido ir más allá, al igual que lo hicieron las poetas. A pesar de la enfermedad o de los diversos intentos autolíticos y posteriores suicidios, el denominador común en estas mujeres es que eran creadoras. Su labor artística condicionaba sus vidas más allá de su estado mental.Por ello, en nuestra obra los límites entre la realidad y sus propias creaciones se difuminan. Nos movemos en dos mundos paralelos: el real, en tiempo presente, es un hospital psiquiátrico con sus horarios, tareas y medicación; y el mundo imaginario, que se llena de sus recuerdos, pensamientos, anhelos, en definitiva, de sus creaciones.Nuestras poetas saltan del presente-real a su pasado (imaginario o no) habitando sus vidas como si fuese la primera vez.Los personajes dejan constancia sobre el escenario de lo que las poetas ya hicieron sobre el papel: el arte fue su forma de vida.Una enloquecida aventura interior, de la compañía Essere Colpito, forma parte de la I Residencia Artística El Pavón Teatro KamikazeFicha:Idea Sheyla Niño y Aldana Herrera Möller Texto creación colectiva de Sandra Holguín, Marta Maestro, Sheyla Niño, Raquel Varela y Raquel Verdugo. Incluye tres fragmentos de los diarios de Alejandra Pizarnik Dirección Sheyla Niño Intérpretes  Silvia Herraiz, Aldana Herrera Möller, Sandra Holguín, Marta Maestro, Sheyla Niño, Raquel Varela y Raquel Verdugo Matesanz Coreografía Alberto Ferrero Espacio sonoro Manu Solís Fotografía Nacho Laseca Voz en off Alba Enríquez y Noemí Morante Montador voz en off Aitor RollánFechas y horarios Del 26 de diciembre al 4 de enero. Miércoles a Sábado, 18:30 h. en el  TEATRO KAMIKAZE

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TEATROS LUCHANA

ANDY CHANGO

presenta

EL HOMBRE NADA

 

Tras la buena acogida de la obra “El hombre nada” en el Teatro del Barrio en Madrid, prorrogada en dos ocasiones, Andy Chango vuelve nuevo a la capital, en esta ocasión a los Teatros Luchana. La obra estará en cartel todos los sábados desde  el 1 de septiembre al 13 de octubre

 “El hombre nada” es un espectáculo difícil de definir ya que combina diferentes facetas de un solo artista: los textos -quizás surgidos a raíz de la publicación de “Indianápolis”, su primera novela (Ed. Planeta/2016)-, el humor verbal, potenciado por su experiencia televisiva en los últimos años en argentina por la que fue nominado a los premios más importantes de dicha televisión (Martín Fierro) y su ya conocida trayectoria como cantante y compositor.El Hombre Nada se ríe de casi todo: sus orígenes, el Alzheimer, Dios, la impotencia sexual, la paternidad, la inmigración, la monarquía, el alcohol, las enfermedades psiquiátricas, el rock, la vagancia y el patetismo humano en general. Con su pequeño órgano electrónico, Andy Chango nos lleva a pasear por un universo de música y palabras destinadas a borrar con una sonrisa todos los males de este mundo. La mordacidad de los textos, la composición musical y la despreocupada honestidad con la que este artista inclasificable nos cuenta sus verdades convierten a “El hombre nada” en un espectáculo lúcido y disparatado, como su autor.Este primer unipersonal del polifacético artista argentino  ha sido dirigido por el conocido director teatral Pepe Miravete- y en el 2017 la obra fue seleccionada para participar en la Feria de Artes Escénicas de San Sebastián (DFeria). Es un espectáculo muy interactivo y con mucho humor, con el que sin duda hará reír a carcajadas a todos los asistentes.Artista polifacético con una gran trayectoriaAndy Chango, necesita poca presentación teniendo en cuenta su trayectoria: como músico y compositor ha publicado cinco discos, con los que ha girado a ambos lados del charco, además de componer bandas sonoras para diferentes largometrajes.Su faceta televisiva se forja en 2001 a raíz de una serie de entrevistas televisivas que provocaron una inesperada popularidad en su país. Empieza a colaborar en programas como “El Intermedio” en España y se consagra en su país natal, participando durante dos temporadas en el popular programa “Duro de Domar” en la televisión en Argentina, con su sección “Chango Feroz”, por la cual fue nominado a los importantes premios “Martín Fierro”.Su faceta mediática, la combina con su trabajo radiofónico, iniciado con Radio 3 RNE (con el programa “Andy y Amigos”), luego en Radio Nacional Argentina (“La espuma de las noches”) y actualmente en el programa “Futuro Rock”. A su vez acaba de publicar su primer libro “Indianápolis” (Ed. Planeta) y se encuentra inmerso en la escritura de su segundo libro, también para Planeta, y su primer espectáculo unipersonal, “El hombre nada”.Música, cine, televisión, son algunos de los campos que han conocido del talento excéntrico y transgresor de Andy Chango. En Argentina es particularmente conocido por sus intervenciones en radio y tv (“La espuma de las noches”, “Andy y Amigos…”), en tanto que en España alcanzó la fama por sus proyectos musicales con Ariel Rot y Andrés Calamaro entre otros.Fechas y horarios: Desde el 1 de septiembre al 13 de octubre, los sábados a las 21:45h. / 20.00h. (último sábado de septiembre y sábados de octubre), en el TEATROS LUCHANA

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