Histórico

Obras que estuvieron en cartel y que ya forman parte de nuestra amplia base de datos

POR TODA LA HERMOSURA

 

Centro Dramático Nacional - CDN presenta

 

POR TODA LA HERMOSURA

(Escritos en la escena)

De Nieves Rodríguez Rodríguez Dirección Manu Báñez

Del 21 de junio a 2 de julio de 2017 en el Teatro Valle-Inclán

  Dentro del ciclo ‘Escritos en la escena‘ el Centro Dramático Nacional presenta POR TODA LA HERMOSURA de Nieves Rodríguez Rodríguez y dirigida por Manu Báñez. La obra sale de un proceso de investigación dramatúrgica del Laboratorio Rivas Cherif y podrá verse en la Sala Francisco Nieva del Teatro Valle-Inclán del 21 de junio a 2 de julio de 2017. Ester Bellver, Jesús Berenguer, Javier Carramiñana y Esther Isla forman el reparto.  

SINOPSIS

Entre un país y la frontera de otro, como peones en un tablero de ajedrez, habita una familia de desplazados que huyeron hace cinco años de una guerra. Hoy, en vísperas de un acuerdo de paz, la presencia de Un Otro regresa al lugar donde perdió a su padre cuando aún era un niño. Este inesperado encuentro irá transformando a todos los personajes hasta encontrar una paz. Una con la que recobrar la esperanza de reconstruir un hogar. Una con la que afrontar un pasado que se agolpa. Una con la que restaurar la memoria. Una con la que enfrentar la incertidumbre. Una paz pequeña, cotidiana, que dé luz para seguir. Para seguir, al menos, por toda la hermosura.  

NOTA DE LA AUTORA

Decía Zygmunt Bauman en Retrotopía que la felicidad humana ya no pasa por alcanzar un futuro ideal sino por alcanzar una imagen del pasado que, aunque robado, se ha resistido a morir. A los personajes de Por toda la hermosura la guerra les ha robado su pasado. Sin embargo, poner la mirada en él les conduce a encontrarse con la hermosura. Al hacerlo encuentran heridas abiertas, sí, pero también amor. Amor para emprender la ética de la esperanza. Amor para aceptar la responsabilidad moral que toda convivencia reclama y que nos puede salvar de la agonía. De estas reflexiones nace esta pieza. De estas reflexiones ha brotado una pequeña flor. Una flor que a pesar de las embestidas del mar lucha por permanecer viva. Lo conseguirá? Lo conseguiremos? Nieves Rodríguez Rodríguez  

NOTA DEL DIRECTOR

Las personas estamos condenadas a la esperanza. Ésta, la mayoría de las veces, se nos presenta en forma de ventana minúscula al final de un túnel oscuro, casi imperceptible, con la fragilidad de un castillo de naipes hecho a base de cartas usadas, como si fuera un holograma que no pudiéramos alcanzar, pero que sigue ahí, recordándonos que tras la pequeña ventanita habita un oxigeno de mayor pureza al que podríamos acceder. ¿Con qué fin? Sea cual sea el contexto político social en el que nos encontremos, la búsqueda de lo hermoso es una necesidad humana, la única flor al borde de un precipicio, unos niños que, rodeados de la desolación que ha dejado una guerra, juegan a mancharse con un bote de pintura, un baile en mitad de la oscuridad. La hermosura tiene el deber de imponerse al horror que campa en el mundo y dar sentido a la vida. Un recuerdo bonito, Una mirada, El calor de un cuerpo, El silencio, La respiración. Manu Báñez   [caption id="attachment_47924" align="aligncenter" width="700"]POR TODA LA HERMOSURA en el Teatro Valle-Inclán POR TODA LA HERMOSURA Foto: MarcosGpunto[/caption]  

FICHA

De Nieves Rodríguez Rodríguez Dirección Manu Báñez Escenografía Alessio Meloni Vestuario Guadalupe Valero Ayudante de dirección Irene Calabuig Diseño cartel ByG / Isidro Ferrer Fotografías MarcosGpunto Reparto: Ester Bellver, Jesús Berenguer, Javier Carramiñana y Esther Isla Producción Centro Dramático Nacional Fechas y horarios: Del 21 de junio a 2 de julio de 2017 Martes a sábados a las 18:30 horas y domingos a las 17:30 horas en el TEATRO VALLE-INCLÁN   [button link="http://www.entradasinaem.es/ListaEventos.aspx?id=2&idEspectaculo=66" newwindow="yes"]COMPRAR ENTRADAS[/button]  
https://www.youtube.com/watch?v=b_QnxM639oQ&w=640&h=360

LA CALLE 42. Una Antología de musicales

 

Orquesta Sinfónica Chamartín y Orfeón Chamartín presentan

 

LA CALLE 42. Una Antología de musicales

Director: César Belda. Solistas: Silvia Luchetti, Julia Möller, David Velardo y Chemari Bello.

Miércoles, 14 de junio a las 19:30h. en el Auditorio Nacional de Música

  El Miércoles 14 de junio a las 19:30h. en la Sala Sinfónica del Auditorio Nacional de Música de Madrid tendrá lugar el concierto LA CALLE 42. Una Antología de musicales.   En su segunda edición, LA CALLE 42 nos trae una antología de los mejores musicales de todos los tiempos. Con cuatro solistas de excepción, protagonistas de los principales musicales de la cartelera de Madrid, Barcelona, Londres, Hamburgo y Buenos Aires: Silvia Luchetti, Julia Möller, David Velardo y Chemari Bello, todo bajo la batuta de César Belda, director titular de la OSC y experto en teatro musical.  

PROGRAMA

- Jellicle cats ………….. A. Lloyd Webber - Memory ……………… A. Lloyd Webber - Tradition……………… J. Herrmann - El violinista en el tejado ….. J. Herrmann - El fantasma de la ópera …. A. Lloyd Webber - I got rhythym ……….. G. Gershwin - Yo soy el capitán del gran ejército británico … Gilbert & Sullivan - El sueño imposible. ….. M. Leigh - El ciclo vital …………… E. John - You can’t stop the beat …. M. Shaiman - Bohemian rhapsody ….. F. Mercury - Electricity ……………… E. John - Mamma Mia! ………….. Bjorn & Ulvaeus   Intérpretes: Orquesta Sinfónica Chamartín y Orfeón Chamartín. Director: César Belda. Solistas: Silvia Luchetti, Julia Möller, David Velardo y Chemari Bello. Duración: 120min aprox. Fechas y horarios: 14 de junio a las 19:30h. en el AUDITORIO NACIONAL DE MÚSICA   [button link="http://bit.ly/2sfK8iG" newwindow="yes"]COMPRAR ENTRADAS[/button]  

MATINALES MUSICALES

 

Fundación Orquesta Sinfónica Chamartín y el Teatro Reina Victoria presentan

 

MATINALES MUSICALES

Del 8 de octubre al 28 de enero - Domingos 12h en el Teatro Reina Victoria

 

La próxima temporada 2017-18, la Fundación Orquesta Sinfónica Chamartín (FOSC) ofrecerá una serie de conciertos musicales en el Teatro Reina Victoria.

    Hubo un tiempo en que la gente solía tomar el vermú los domingos después de salir de misa de doce. Era como un ritual en el que participaban tanto personas mayores como gente joven. Y el vermú solía ser de botella, no tirado, así que cada uno lo pedía por su nombre de marca. Tampoco todos tomaban vermú. No había una zona determinada para quedar, pero la gente acudía a los bares próximos a la iglesia. La propuesta de temporada de la Orquesta Sinfónica Chamartín va a ser organizar conciertos seguidos de un encuentro en el que músicos, publico, amigos y familiares podamos comentar y disfrutar el evento acompañado de un vermú degustación. El vermú tendrá lugar en el bar del teatro para los 50 primeros, que adquieran un tique en taquilla previo pago el mismo día del concierto.  

PROGRAMA

 
  • 8 de octubre – CARTA BLANCA A GABRIEL BLANCO. Obras de Puccini, Verdi, Di Capua, Kander, Lara… Orquesta Sinfónica Chamartín; César Belda, dirección; Gabriel Blanco, tenor
  • 22 de octubre – LA HISPANIDAD MUSICAL. Música hispanoamericana. Orfeón Chamartín y Agrupación FOSC; César Belda, dirección; Jaime Márquez, guitarra; Marisa Canales, flauta
  • 5 de noviembre – CLÁSICOS DEL ROCK. Música Rock. Grupos Rock de la FOSC; Antonio Javier Pérez, organización y dirección artística
  • 19 de noviembre – JOSÉ LUIS MARTINEZ JAZZ PROJECT. Temas de Chema Saiz, Luis Barroso, Jorge Magaz y José Luis Martínez. José Luis Martínez, guitarra y dirección
  • 3 de diciembre – GLORIA DE VIVALDI. MÚSICA DE ADVIENTO. Obras de Vivaldi, Bach y Pergolesi. Orquesta Sinfónica Chamartín; César Belda, dirección; Carmen Bocanegra y Juana Molinero, sopranos.
  • 17 de diciembre – CELESTE CHRISTMAS TIME. Obras de F.X. Gruber, G. Michael y Tradicionales Navideñas. Celeste21; Sergio Hurtado, dirección; Paloma Arín y Carmen Bocanegra, solistas
  • 14 de enero – COROS DE SIEMPRE. Obras de Haydn, Mendelssohn y Dvořák. Coros La Salle Maravillas y Orquesta Sinfónica Chamartín; Javier Ibarz, dirección
  • 28 de enero – EN TIEMPOS DE MOZART. Obras de Bach y Mozart… Celeste Classic; José Herrador, dirección
  Fechas y horarios: Del 8 de octubre al 28 de enero - Domingos 12h en el TEATRO REINA VICTORIA [button title="Comprar entrada" link="http://bit.ly/2rSORGn" target="_blank" align="" icon="" icon_position="" color="" font_color="" size="2" full_width="" class="" download="" rel="" onclick=""] [button title="Reserva Parking Cercano" link="https://parclick.es/parking/madrid/teatros-madrid/?affiliate=5a21316f" target="_blank" align="" icon="" icon_position="" color="" font_color="" size="2" full_width="" class="" download="" rel="" onclick=""] [divider height="20" style="default" line="default" themecolor="1"]

NO SOY DEAN MORIARTY

 

Intemperie Producciones presenta

 

NO SOY DEAN MORIARTY

de Joan Yago

Desde el 5 de julio. Miércoles 20:15h en el Teatro Lara

 

¿Por qué preferimos vivir una vida supuestamente tranquila e incompleta, y a veces infeliz? ¿Hasta donde llegan las limitaciones del miedo y de la duda?

  El 5 de julio llega al Teatro Lara NO SOY DEAN MORIARTY. Una obra escrita por Joan Yago basada en la novela de Jack Kerouac, On The Road (1957), con dirección de Gerard Iravedra y con Fernando Tielve y Ferran Vilajosana como protagonistas de una obra que habla principalmente de la amistad.   Estrenada el 11 de mayo de 2016 en la Sala Tú. NO SOY DEAN MORIARTY duró en cartel varios meses gracias al éxito de crítica y público. A partir del 5 de julio la segunda producción de Intemperie Producciones se podrá ver en el Teatro Lara los Miércoles a las 20:15h.  

NOTA DEL DIRECTOR

NO SOY DEAN MORIARTY habla de la amistad. La relación entre Sal Paradise y Dean Moriarty es una de las más magnéticas y brutales que se han escrito en toda la literatura moderna, pero no dejan de ser ficción y la sociedad que ilustra la novela de J.Kerouac, es muy diferente a la nuestra. Podemos admirarlos, como hacen nuestros dos jóvenes protagonistas, pero sin tomar decisiones propias y sin actuar, nunca podremos ser como ellos: genuinamente auténticos. ¿Qué es el “conformismo vital”? ¿Miedo a decidir y a sufrir las consecuencias de nuestras propias decisiones?, ¿Por qué preferimos vivir una vida supuestamente tranquila e incompleta, y a veces infeliz? ¿Hasta donde llegan las limitaciones del miedo y de la duda? Gerard Iravedra  

SINOPSIS

Un bar cualquiera perdido en cualquier lugar. Dos jóvenes camareros recogen mientras juegan a meterse en la piel de Sal Paradise y Dean Moriarty, los personajes de ‘En la carretera’, la mítica novela de Jack Kerouac. Juegan a ser libres. Admiran el espíritu aventurero y la forma de vivir al límite de los personajes de ficción exprimiendo el presente sin temer al futuro. De esta forma consiguen por unos instantes abandonar su gris realidad. Pero hoy, uno de los dos querrá viajar. Querrá vivir. Y querrá hacerlo en la realidad y no en la ficción. ¿Le acompañará su amigo?   [caption id="attachment_47854" align="aligncenter" width="680"]NO SOY DEAN MORIARTY en el Teatro Lara NO SOY DEAN MORIARTY[/caption]  

FICHA

Autor: Joan Yago (A partir de la novela de Jack Kerouac) Dirección: Gerard Iravedra Elenco: Fernando Tielve y Ferran Vilajosana Producida por Intemperie Producciones y Sala Tú Fechas y horarios: Desde el 5 de julio. Los Miércoles a las 20:15h en el TEATRO LARA   [button link="https://www.ticketea.com/entradas-teatro-no-soy-dean-moriarty/?a_aid=AFFPAP-madridesteatro&a_bid=d191752a" newwindow="yes"]COMPRAR ENTRADAS[/button]    

TRES DÍAS SIN CHARLIE

 

NUEVENOVENOS presenta

 

TRES DÍAS SIN CHARLIE

De QY Bazo Dirección: Juanma Romero Gárriz

Del 7 al 30 de julio en el Teatro del Barrio

 

CRÓNICA DE MIEDO Y ODIO EN LAS RRSS

  Estrenada dentro de la programación del Festival Frinje16, en la Sala Fernando Arrabal del Matadero. El 7 de julio regresa a los escenarios TRES DÍAS SIN CHARLIE escrita por QY Bazo ('Nada que perder', 'La rebelión de los hijos que nunca tuvimos'), a partir de las reacciones que tuvieron las redes sociales durante los atentados al Charlie Hebdo.   Producida por Nuevenovenos ('Precisiones para entender aquella tarde', 'Topos. Basado en hechos reales') y con dirección de Juanma Romero Gárriz, TRES DÍAS SIN CHARLIE se podrá ver del 7 al 30 de julio en el Teatro del Barrio.   TRES DÍAS SIN CHARLIE, que cuenta con el apoyo del Nuevo Teatro Fronterizo y Le Monde Diplomatique, fue reconocida con la Mención de Honor del Premio de Teatro Lope de Vega en 2015. QY Bazo cuestionan el uso que hacemos de nuestra libertad de expresión.   Los dramaturgos han usado la figura del coro del teatro griego para crear un coro de redes sociales en el cual los coreutas son fácilmente expulsados fuera y absorbidos dentro del coro. Pretenden retratar el modelo de las redes sociales con un coro de personas que hablan a la vez, intercambian opiniones completamente antagónicas entre ellas, absurdas, irónicas… “El posicionamiento de la obra es el posicionamiento de Charlie Hebdo”, indica Quique Bazo, es decir, el uso de la sátira y la risa como herramienta de crítica.  

SINOPSIS

TRES DÍAS SIN CHARLIE recorre los tres días que duraron los atentados al Charlie Hebdo, narrados desde un prisma muy particular: el de los comentarios y las reacciones que estos ataques provocaron en la ciudadanía, expresados conforme sucedían, a través de Internet y de las Redes Sociales. Como se vivieron los tres días que duraron los atentados de Paris empezando por el asalto a la redacción del semanario Charlie Hebdo, el 7 de enero de 2015.  

FICHA

Autores: QY Bazo Dirección: Juanma Romero Gárriz Ayudante de dirección: Nacho Antelo Espacio audiovisual y sonoro: Daniel Ramírez Dirección técnica e iluminación: Diego Palacio Producción / Distribución: Carlota Guivernau Con el apoyo de Nuevo Teatro Fronterizo y Le Monde diplomatique en español Proyecto beneficiario de la ayuda a la creación Frinje16 con el apoyo de la Comunidad de Madrid Reparto: Sofian Elbenaissati, Marina Herranz, Pedro Ángel Roca, Marta Alonso, Somaya Taoufiki. Fechas y horarios: Del 7 al 30 de julio Viernes, sábados y domingos a las 20h. en el TEATRO DEL BARRIO   [button link="https://es.patronbase.com/_TeatroDelBarrio2/Productions/0405/Performances" newwindow="yes"]COMPRAR ENTRADAS[/button]  
Tres días sin Charlie from nuevenovenos on Vimeo.

INCONSOLABLE

 

El Centro Dramático Nacional presenta

 

INCONSOLABLE

De Javier Gomá Dirección Ernesto Caballero

Del 28 de junio al 23 de julio en el Teatro María Guerrero

  El 28 de junio se estrena en el Teatro María Guerrero INCONSOLABLE del filósofo y escritor Javier Gomá. Un conmovedor monólogo dramático con mucho sentido del humor que gira en torno a la muerte del padre. Bajo la dirección de Ernesto Caballero, Fernando Cayo protagoniza el que será su sexto monólogo. La escenografía corre a cargo de Paco Azorín. INCONSOLABLE se podrá ver en el Teatro María Guerrero del 28 de junio al 23 de julio.   El trabajo de Ernesto Caballero como director responde a muchas de las claves que aparecen también en su producción dramática: la misma insistencia en la temática social y la misma búsqueda de los límites entre el escenario y la realidad, la indagación en la metateatralidad, y el juego de tiempos y espacios.   El Mundo publicó el monólogo "Inconsolable" en 2016. Y el 10 de abril de 2017 en la sala Princesa del Teatro María Guerrero se realizó una lectura del monólogo por su autor, Javier Gomá.  

NOTA DEL AUTOR

Un hombre de cincuenta años comparece en escena y sin más preámbulos inicia una exposición íntima, lúcida y conmovedora. Explica que la muerte de su padre, todavía reciente, ha atravesado su vida como un acontecimiento. Asombrado ante la magnitud del suceso, que él no había podido ni imaginar, desea compartir públicamente el itinerario de sus primeros cuarenta días de duelo. Escogidas anécdotas de su vida familiar ilustran cada una de las fases del itinerario, sus vueltas y retrocesos inevitables. Huyendo de lo que llama literatura maleducada, una plaga que nos contamina, según él, prefiere un estilo más civilizado, que combina la inteligencia con la amenidad y no desdeña el sentido del humor. Todo parece bajo su control cuando, de pronto, sin apenas advertirlo, el monólogo se desliza hacia un terreno distinto, porque, a consecuencia de determinadas revelaciones, la situación obliga al protagonista a experimentar en toda su desnudez y crudeza el sentimiento de lo absolutamente inconsolable por la pérdida, aquello que no tiene ni quiere tener consuelo. La negrura, la tragedia, se apoderan de la escena en un movimiento de creciente desesperación y vértigo hasta que, súbitamente, tiene lugar una aparición misteriosa, difícil de definir, que precipita el desenlace. El protagonista, al final de un rodeo existencial, una aventura del pensamiento y las emociones, consigue reconciliarse consigo mismo y con la vida. Aunque titulado Inconsolable, el monólogo acaba infundiendo consuelo al espectador porque, en una operación de alquimia dramática, convierte la aflicción del duelo en una invitación a una vida digna y bella. Escrita con mundanidad y gravedad a partes iguales, la obra verbaliza con precisión filosófica las profundidades insondables de una experiencia tan personalísima como universal, pues todos somos hijos, llamados a ser huérfanos y a dejar huérfanos. Javier Gomá   [caption id="attachment_48514" align="aligncenter" width="700"]INCONSOLABLE en el Teatro María Guerrero INCONSOLABLE ©MarcosGpunto[/caption]  

FICHA

Texto Javier Gomá Dirección Ernesto Caballero Escenografía Paco Azorín Iluminación Ion Anibal Vestuario Juan Sebastián Música y espacio sonoro Luis Miguel Cobo Reparto: Fernando Cayo Producción Centro Dramático Nacional Fechas y horarios: 28 de junio a 23 de julio De martes a sábados, a las 20:30 h. Domingos, a las 19:30 h. en el TEATRO MARÍA GUERRERO   [button link="http://www.entradasinaem.es/ListaEventos.aspx?id=3&idEspectaculo=204" newwindow="yes"]COMPRAR ENTRADAS[/button]    
https://www.youtube.com/watch?v=273OJExP7m0&w=640&h=360

EL FIN DE LA VIOLENCIA

 

La Compañía Proyecto Prometeo presenta

 

EL FIN DE LA VIOLENCIA

de Sergio Martínez Vila

Del 22 de junio al 1 de julio 2017 en la Sala Cuarta Pared

 

El tiempo es aquí y ahora. Pero todo ha sucedido ya. Y seguirá sucediendo.

  El 22 de junio se estrena en la Cuarta Pared EL FIN DE LA VIOLENCIA del dramaturgo Sergio Martínez Vila.   EL FIN DE LA VIOLENCIA es una reflexión escénica acerca de la desobediencia civil, contada a partir de once historias y de un total de veintidós personajes diferentes, todos ellos encarnados por tan solo tres actores: Esther Blanca, Esteban Hirschhorn y Sergio López. Rosa Briones se encarga de la dirección. EL FIN DE LA VIOLENCIA se podrá ver del 22 de junio al 1 de julio en la Sala Cuarta Pared.   EL FIN DE LA VIOLENCIA es un ‘manual escénico’ de desobediencia civil que se inspira en la improvisación y el debate. Nos encontramos ante un escenario de crisis y cambio. No es una obra con la que sentirse cómodo y, sin embargo, tampoco es una obra ajena al humor y al placer. Su objetivo es inyectar luz y posibilidades constructivas a los conflictos de conciencia que definen nuestros días.  

SINOPSIS

El Sol ha dejado de salir, sumiendo a los habitantes de un pueblo de montaña a tres días de oscuridad total. Esto avecina el fin de un paradigma y quizás el cambio hacia otro. Imaginar el final de algo es alumbrar, también, una nueva posibilidad a partir del vacío. ¿Puede darse una alternativa real a lo ya conocido? Con una hipotética revolución de tipo cósmico como espina dorsal, distintos relatos de ‘desobediencia’ se van alternando como si fueran las piezas de un puzzle. Políticos, soldados, campesinos, sumos pontífices, ciudadanos anónimos y hasta los míticos Zeus y Prometeo conviven en este crisol de historias y arrojan distintos puntos de vista sobre el acto de la rebeldía, el derecho a la libertad y las distintas formas de contestar a un poder autoritario y brutal. EL FIN DE LA VIOLENCIA es una obra coral basada en el desafío de conservar la integridad en medio de una sociedad injusta, y en el amor que subyace a todo intento humano por dominar o por empoderar al otro.  

EL FIN DE LA VIOLENCIA en la Cuarta Pared

 

FICHA

Dramaturgia: Sergio Martínez Vila Dirección: Rosa Briones Escenografía: Juan Sanz Ballesteros Espacio Sonoro: Juan Carlos Blancas Diseño de iluminación: Antonio Agudo Roncero Reparto: Esther Blanca, Sergio López y Esteban Hirschhorn Compañía Proyecto Prometeo Fechas y horarios: Del 22 de junio al 1 de julio de jueves a sábado a las 21h. en la Sala CUARTA PARED   [button link="http://bit.ly/2t6ylAw" newwindow="yes"]COMPRAR ENTRADAS[/button]  
EL FIN DE LA VIOLENCIA de Sergio Martinez Vila from Esteban Hirschhorn on Vimeo.

TEATRO FÍGARO

KOMPANIA ROMANELU presenta

EL TRUCO DE OLEJ

Del 14 de julio al 19 de agosto de 2017

Un espectáculo de circo cuyos artistas son muñecos, para los cuales nada es imposible.

El truco de Olej es una colorida obra familiar de teatro negro, cuya narración ocurre en el ámbito de un circo imaginario con un fuerte impacto estético. Un circo cuyos artistas son muñecos, para los cuales nada es imposible. Este espectáculo, para toda edad, es una selección de las propuestas más impactantes representadas con anterioridad por este grupo de teatro negro. Cuenta la historia de un niño barrendero que busca ser mago... Este niño intentará aprender la profesión de mago haciendo enojar a los presentadores del circo, mientras se suceden distintos cuadros típicos del espectáculo circense: malabaristas, acróbatas y equilibristas. El truco de Olej es una colorida obra infantil, cuya narración ocurre en el ámbito de un circo ilusionario con un fuerte impacto estético, en el cual los personajes, muñecos de distintos tamaños y colores fluorescentes, se arman y se desarman cobrando vida gracias a la complicidad de la oscuridad, a cargo de la magia de la compañía Romanelli. En El Truco de Olej, el escenario se viste de espectador; el silencio contempla la sala y la magia refuerza la ilusión circense del universo Romanelli

 EL TRUCO DE OLEJ en el Teatro Fígaro


Fechas y horarios: Del 14 de julio al 19 de agosto de 2017 Martes a sábados 19:30 horas.  La semana del 25 al 30 de julio el horario será a las 19:00 horas. TEATRO FÍGARO
 

TEATRO KAMIKAZE

 

La_Abducción y El Pavón Teatro Kamikaze

presentan

BARBÁDOS, ETCÉTERA

De Pablo Ramón

Del 13 al 19 de Junio

y

Del 16 de octubre al 2 de noviembre

  Escrita y dirigida por Pablo Remón, Barbados, etcétera es una triple función inspirada en la tradición del teatro anglosajón de agrupar obras breves que comparten resonancias, temas o estilos. Tres textos compuestos para dos actores, Fernanda Orazi y Emilio Tomé, que pueden leerse como variaciones de un mismo tema, en el sentido musical. Los tres exploran el mundo de la pareja y tienen que ver con la memoria, la comunicación y el amor. También con el ruido que los acompaña, es decir, la desmemoria, la incomunicación y el desamor. Y las tres comparten la isla de Barbados como punto de fuga, como espacio imaginario.   SOBRE LA OBRA Al principio, no hay nada. Dos actores, un espacio en blanco. ¿Quiénes son? ¿De dónde vienen? Imposible saberlo. ¿Son personajes? No lo son. ¿Hay una historia? No la hay. ¿Qué hay entonces? Solo una cosa: palabras. Esas palabras flotan en el escenario vacío, como objetos suspendidos. Poco a poco, construyen personajes, historias, situaciones. Construyen un mundo. En ese mundo aparecen las cosas. ¿Qué cosas? Un tapicero enamorado, la sección “Terraza y jardín” de Ikea, un vídeo musical de Europe, la isla de Barbados. Sobre todo, aparece una pareja. Una pareja típica. Todo eso aparece en el mundo. ¿En qué mundo? En la cabeza del espectador. Barbados, etcétera es una triple función, inspirada en la tradición del teatro anglosajón de agrupar obras breves que comparten resonancias, temas o estilos. Tres textos compuestos para dos actores, que pueden leerse como variaciones de un mismo tema, en el sentido musical. Los tres exploran el mundo de la pareja y tienen que ver con la memoria, la comunicación y el amor. También con el ruido que los acompaña, es decir, la desmemoria, la incomunicación y el desamor. Barbados, etcétera es el tercer montaje de La_Abducción, compañía dirigida por Pablo Remón, después de La abducción de Luis Guzmán y 40 años de paz, que recibió cuatro candidaturas a los Premios Max y resultó finalista a Mejor Autoría Revelación. La_Abducción pretende crear teatro moderno, de texto, partiendo del trabajo conjunto con los actores, y entendiendo la escritura y el montaje como un proceso de búsqueda y descubrimiento permanentes. Barbados, etcétera es una coproducción entre La_Abducción y El Pavón Teatro Kamikaze.  

BARBÁDOS, ETCÉTERA en el Teatro KamikazeBARBÁDOS, ETCÉTERA en el Teatro Kamikaze

FICHA

Texto y Dirección Pablo Remón Ayudante Dirección Raquel Alarcón Iluminación y sonido David Benito y Oscar G. Villegas Producción Silvia Herreros de Tejada y Pablo Ramos Escola Escenografía y Vestuario La_Abducción Fotografía Vanessa Rábade Diseño Cártel Dani Sanchís Diseño Gráfico Dani Sanchís y Patricia Portela Reparto Fernanda Orazi y Emilio Tomé Fechas y horarios: Del 13 al 19 de Junio en el TEATRO KAMIKAZE Todos los días a las 19 h. (fechas funciones 13, 14, 15, 16, 19, 20,21 26, 27, 28 y 29) Fechas y horarios: Del 16 de octubre al 2 de noviembre en el TEATRO KAMIKAZE Lunes 16 de octubre, 19h (Reestreno) De lunes a jueves, 19h   [button link="https://es.patronbase.com/_TeatroKamikaze/Productions/0041/Performances" newwindow="yes"]COMPRAR ENTRADAS[/button]   BARBÁDOS, ETCÉTERA en el Pavón Teatro Kamikaze  
https://www.youtube.com/watch?v=acppnwhMbWw&w=640&h=360

HITS, la despedida de TRICICLE

Teatro de la Luz Philips Gran Vía

 

Tricicle presenta

HITS

 

Del 18 de octubre de 2017 al 28 de enero de 2018 en el Teatro de la Luz Philips Gran Vía

 

HITS –el nombre no engaña– contiene lo mejor de lo mejor de Tricicle. El más largo de todos los espectáculos que haya hecho Tricicle, cien minutos rellenos de gags en los que quizá no estén todos los que son pero sí que son todos los que están.

 
Traten de elegir los 12 mejores sketches entre esas 12 horas de ‘Humor Inteligente, Trepidante y Sorprendente’ (HITS). Si lo ha intentado, es usted un valiente. Si lo ha logrado, enhorabuena, es usted un genio del ‘encaje de bolillos’. A punto de cumplir 40 venerables años sobre un escenario -no siempre el mismo-, ni siquiera para Joan Gracia, Carles Sans y Paco Mir resultaba fácil resumir en 100 minutos ‘lo mejor de lo mejor de Tricicle’.   Entonces… ¿CÓMO SE HA HECHO LA SELECCIÓN DE LO MEJOR DE LO MEJOR? Buena pregunta. Este es uno de los puntos fuertes del espectáculo y se resume diciendo que TRICICLE propone y el público dispone. De las trece horas de espectáculo que hemos creado escogeremos cuarenta sketches de los que el público de cada localidad -a través de FACEBOOK y nuestra propia WEB- podrá escoger cinco sketches. Los doce más votados constituirán la parte central de un espectáculo que concluirá siempre con un elaborado macro resumen antológico. ¿Haremos trampas? Casi seguro. Este método de configuración de"espectáculos a la carta" ya lo pusimos en práctica en nuestro primer espectáculo conmemorativo - TRICICLE 20- y descubrimos que el público siempre quería ver lo mismo por lo que, si seguíamos sus criterios, cada día hubiésemos acabado repitiendo la misma función así que, de vez en cuando, nos permitíamos alguna que otra concesión para ir variando los sketches y, sobretodo, para justificar todo el volumen escenográfico que trasladábamos de ciudad en ciudad. HITS - acrónimo de Hilarantes Individuos Tragicómicos y Solazosos- gustará (mucho) a los que nos conocen de toda la vida y sorprenderá (muchísimo) a los hijos de sus hijos ya que, afortunadamente, cada nueva generación nos ha traído más público.  

HITS de TRICICLE en el Teatro de la Luz Philips

 
HITS –acrónimo de Humor Inteligente Trepidante y Sorprendente– reúne doce sketches mínimamente reducidos y un amplio resumen, que cierra el espectáculo, compuesto de gags cortísimos que dejan al espectador al borde del colapso respiratorio. Casi todos aparecen tal cual fueron estrenados ya que el paso del tiempo –salvo aspectos tecnológicos que hemos obviado o variado– no les ha afectado para nada.

40 años de TRICICLE

Tricicle cumple cuarenta años sobre los escenarios. Diez espectáculos, decenas de países, cientos de ciudades, miles de actuaciones, centenares de miles de quilómetros recorridos, millones de risas y todo sin perder la ilusión de los primeros días porque, en el arte del humor, nadie puede dormirse en los laureles.
HITS de TRICICLE en el Teatro de la Luz Philips   Web compañía:  TRICICLE Duración aprox: 100 minutos Fechas y horarios: Del 18 de octubre de 2017 al 28 de enero de 2018. Miércoles a viernes 20:30 h. Sábados 19:00 y 21:30 h. Domingos 18:00 horas TEATRO DE LA LUZ PHILIPS [button title="Comprar entrada" link="http://bit.ly/2uhU0um" target="_blank" align="" icon="" icon_position="" color="" font_color="" size="2" full_width="" class="" download="" rel="" onclick=""]

   No hay nada mejor que cuando los años te etiquetan como CLÁSICO. MadridEsTeatro

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https://www.youtube.com/watch?v=eEQbRX8zPpQ&w=640&h=360
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TEATROS DEL CANAL, ESCENARIO CLECE

 

BALLET NACIONAL DE ESPAÑA  presenta

HOMENAJE A ANTONIO SOLER

Coreografías de Antonio El Bailarín, dirigidas por Antonio Najarro, con música en directo

Del 21 de julio al  30 de julio en los Teatros del Canal

 

Coreografías de Antonio El Bailarín, dirigidas por Antonio Najarro, con música en directo

    Selección de coreografías, la mayoría pertenecientes al repertorio del BNE, en las que quedaron representados varios de los estilos de la Danza Española a través de las brillantes creaciones del gran Antonio: Eritaña, Zapateado de Sarasate, Taranto (La Taberna del Toro), Fantasía Galaica y El Sombrero de Tres Picos. Música en directo de la Orquesta Sinfónica Verum, dirigida por el maestro Manuel Coves. En este espectáculo se puso especial interés en recuperar los telones y escenografías originales. Para llevar a cabo dicha recuperación, fue fundamental la labor de documentación que permitió reproducir con detalle los decorados y trajes de las distintas coreografías. Obras de arte, que siempre identificaron la creatividad y puesta en escena de Antonio.  

ERITAÑA

Coreografía: Antonio Ruiz Soler Música: Isaac Albéniz  Figurines: Vicente Viudes Escenografía original: Vicente Viudes  Adaptación de escenografía: Jesús Acevedo Realización de escenografía: Sfumato Diseño de iluminación: Ginés Caballero (AAI) Vestuario hombre segunda producción: Sastrería González Calzado: Sansha

Estreno absoluto el 28 de abril de 1960 por Antonio y su Ballet Español, en el Teatro del Liceo de Barcelona.

Estreno el 28 de octubre de 1981 por el Ballet Nacional de España, en el Teatro de la Zarzuela de Madrid.

Isaac Albéniz compuso Suite Iberia en el final de su vida, entre 1905 y 1909. Eritañforma parte del Cuaderno nº 4 y se estrenó el 9 de febrero de 1909, en París, tres meses antes de su fallecimiento. Su fuente de inspiración son las sevillanas y su nombre procede de la famosa venta que estuvo junto al Parque de María Luisa, en Sevilla. Incluido en el programa Homenaje a Albéniz, creado por Antonio en 1960 para el Teatro del Liceo de Barcelona, y dentro de la coreografía llamada Suite Iberia, Eritaña se nutre de los pasos de las sevillanas boleras y su forma de ejecución durante el XIX. Es imprescindible recordar las palabras que le dedicó Claude Debussy a la obra de Albéniz -«nunca la música ha alcanzado expresiones tan diversas; los ojos se cierran como fatigados de haber contemplado tantas imágenes»-, ya que puede extenderse a la coreografía diseñada por Antonio, donde la dificultad técnica de sus variaciones aporta todavía más brillantez a las notas del compositor. En ella encontramos todos los elementos necesarios para que su traducción al baile español sea absolutamente natural. Son pocos minutos, se hacen muy cortos, pero Eritaña es una de las obras imprescindibles para entender la danza española en su camino hacia la excelencia por medio de la estilización coreográfica.  

TARANTO (DE LA TABERNA DEL TORO: ESTAMPA FLAMENCA)

Coreografía: Antonio Ruiz Soler Música: Popular Cantaor invitado: Sebastián Cruz Adaptación de escenografía: Jesús Acevedo Realización de escenografía: Sfumato Diseño de iluminación: Ginés Caballero (AAI) Vestuario: Milagros (En Escena) Calzado: Gallardo

Estreno absoluto el 29 de octubre de 1956 por Antonio y su Ballet Español, en el Teatro Palace de Londres.

Estreno el 18 de junio de 2016 por el Ballet Nacional de España, en el Teatro de la Zarzuela de Madrid.

En la mencionada película y, tras bailar Zapateado, Antonio es recogido por la pareja protagonista -ella es la bailarina clásica Ludmilla Tcherina- y les dice que pueden parar a desayunar en La taberna del toro. Allí, entre otros paisanos, hay una chiquilla pizpireta, interpretada por la primera bailarina de su compañía, Carmen Rojas. Tras interpretar el Tango de Juana Vargas La Macarrona durante unos instantes, Antonio le pregunta a la jovencita si sabe bailar el taranto “con los brazos bien arriba y bien cimbreado ese talle”, dice, colocándole el cuerpo. La taberna del toro se había estrenado dos años antes del rodaje de Luna de miel, en el Palace Theatre de Londres, donde actuaron durante ocho semanas y continuaron estrechando lazos con la capital inglesa, donde tanto lo apreciaron. Elsa Brunelleschi escribió, a propósito de ese nuevo estreno londinense, que, “si ya la había encontrado de gran calidad un año antes, la compañía de Antonio había mejorado ahora mucho más allá de cualquier reconocimiento”.

[caption id="attachment_50704" align="aligncenter" width="700"]HOMENAJE A ANTONIO RUIZ SOLER, Teatros del Canal HOMENAJE A ANTONIO RUIZ SOLER[/caption]  

ZAPATEADO SARASATE

Coreografía: Antonio Ruiz Soler Música: Pablo Sarasate Diseño de iluminación: Ginés Caballero (AAI) Vestuario: José Antonio Arroyo Calzado: Gallardo

Estreno absoluto en 1946 por Antonio, en el Teatro Bellas Artes de México.

Estreno el 14 de junio de 1981 por el Ballet Nacional de España, en el Teatro Lope de Vega de Sevilla.

Se cumplen setenta años desde que Antonio estrenara su versión de Zapateado, de Pablo Sarasate, su solo, sin duda, más emblemático. La partitura del compositor navarro es una delicia, pero la interpretación que hizo Antonio, dándole todos los matices que pide la partitura,  elevó su prestigio más aún. “Era como una sinfonía de Beethoven, in crescendo, desde el piano hasta el fuerte”, escribieron de él, y Antonio explicaba en nuestra entrevista de 1989, que, bailándolo, “acariciaba el suelo; hay que hablar con los pies, no dar patadas”. Pueden admirar a nuestro protagonista interpretándolo en la película Luna de miel, donde se utiliza, además, como elemento narrativo haciendo avanzar la acción, realizándolo Antonio por una carretera, con el sonido, por supuesto, doblado. En las últimas décadas, lo han bailado primeros bailarines de las compañías que contaron con el arte de Antonio, pues es pieza de repertorio que va pasando de generación en generación, como debe ser con las obras clásicas.  

FANTASÍA GALAICA

Coreografía: Antonio Ruiz Soler Música: Ernesto Halffter Figurines: Carlos Viudes Adaptación de escenografía: Jesús Acevedo Realización de escenografía: Sfumato Diseño de iluminación: Ginés Caballero (AAI) Vestuario: Encarnación, Perís y Sastrería González Calzado: Gallardo y ArteFyl

Estreno absoluto el 30 de junio de 1956 por Antonio y su Ballet Español, en el V Festival Internacional de Música y Danza de Granada, Jardines del Generalife.

Estreno el 12 de mayo de 1979 por el Ballet Nacional de España, en el Teatro Juárez de Guanajuato, México.

En el libro que Gyenes dedicó en 1964 a Antonio, se recogen las palabras de Ernesto Halffter,   compositor de esta obra, sobre la coreografía de nuestro protagonista.  “Nunca olvidaré lo que Antonio hizo con mi Fantasía Galaica, de tantas bellezas en el detalle y en su conjunto; con aciertos tan singulares como el paso a dos, armonioso y poético, con el sonar de las vieiras contrapunteando el trenzar de los pasos… Antonio sabe hacer plásticas las ideas musicales con entera servidumbre y autenticidad al espíritu y a la letra de cada pentagrama”. Y es que la coreografía creada por Antonio es un ejemplo de cómo estilizar nuestras danzas -en este caso, los bailes gallegos-, reinterpretando los pasos desde la sabiduría técnica, potenciando su estética teatral y haciendo casi visible la música. También encontramos aquí su pasión por el paso a dos, expresivo, acercándose a la tradición del ballet, ofreciéndolo despojado de etnicidad. Al final, eso sí, se vuelve esta creación vertiginosa en su alborada de cierre, recogiendo la dinámica propia de la muñeira, el baile más popular de Galicia. FANTASÍA GALAICA: Introducción y encuentro Canción y danza de los arrieros Muñeira de las aguadoras Maruxiña o teu refaixo Muñeira de los campesinos Presagio (Paso a dos)  

EL SOMBRERO DE TRES PICOS

Coreografía: Antonio Ruiz Soler Música: Manuel de Falla Escenografía: Pablo Picasso Figurines: Pablo Picasso Adaptación de escenografía: Jesús Acevedo Realización de escenografía: Sfumato y Mambo Diseño de iluminación: Ginés Caballero (AAI) Proyecciones: Emilio Valenzuela Vestuario hombres: Sastrería González; Mujeres: Peris; Molineras: Milagros (En Escena) Calzado: Gallardo

Estreno absoluto el 24 de junio de 1958 por Antonio y su Ballet Español, en el Festival Internacional de Música y Danza de Granada.

Estreno el 13 de mayo de 1981, por el Ballet Nacional de España, en el Teatro Lope de Vega de Sevilla.

El estreno de su versión original, coreografiada por Leonide Massine, fue en el Teatro Alhambra de Londres, el 22 de julio de 1919, por los Ballets Russes de Serge Diaghilev. El histórico empresario, con su gran olfato para reconocer el talento, le encargó a Manuel de Falla que reescribiese su ballet-pantomima El corregidor y la molinera, de 1917, creado para orquesta de cámara. Diaghilev y su joven coreógrafo Leonide Massine asistieron a su estreno en Madrid, ya que durante la I Guerra Mundial, y gracias a la ayuda del Rey Alfonso XIII -a quien consideraban su  “padrino”-, los Ballets Rusos pudieron actuar (y, por ello, sobrevivir) en la España neutral. Gregorio Martínez Sierra y María Lejárraga habían adaptado para el teatro la novela de Pedro Antonio de Alarcón, de 1874, basada en una leyenda popular. En 1915, el matrimonio había colaborado con el músico gaditano en El amor brujo, gitanería para Pastora Imperio que Antonia Mercé La Argentina estrenó ya como ballet en 1925. Falla compuso El sombrero de tres picos según las indicaciones de Massine, adaptando las escenas a su idea coreográfica, como cuando Tchaikovsky escribió sus famosos ballets siguiendo las necesidades del coreógrafo Marius Petipa. Este dato es muy importante si hablamos de autoría, ya que es el coreógrafo quien pide al músico la estructura, matices o ritmo que desea en la partitura; no es que encuentre una composición ya creada y realice después la coreografía. Durante sus giras por España, entre 1916 y 1918, Leonide Massine se había prendado del baile español. No sólo del flamenco, sino también de nuestros variados bailes y danzas. Tuvo a su lado a un artista autóctono contratado por Diaghilev para que se empapara de él, Félix Fernández, bailaor espectacular –cuentan- en sus intervenciones en solitario –la verdadera naturaleza del baile flamenco-, pero menos apto  para integrarse en una pieza coreográfica para la que se necesite el rigor académico. Desgraciadamente, Félix Fernández pagaría cara su imposibilidad de adaptarse a la disciplina de una coreografía: tras ver que su nombre no aparecía como protagonista de El sombrero de tres picos en su estreno londinense de 1919, su mente sufrió una gran perturbación y pasaría el resto de su vida confinado en un sanatorio mental en Inglaterra, hasta su fallecimiento en 1941. Es el capítulo más triste de la gestación de El sombrero… En 2004, el Ballet Nacional estrenó El loco, ballet basado en la historia de Félix, con coreografía de Javier Latorre, guión de Francisco López y música de Mauricio Sotelo y Juan Manuel Cañizares. Con la versión de Antonio,  El sombrero de tres picos triunfa como coreografía con el lenguaje de la danza española. Estrenado en 1958, en el Festival Internacional de Música y Danza de Granada, como adelantábamos, es con la versión de Antonio con la que el ballet adquiere su verdadera naturaleza, ya que la partitura de Manuel de Falla es una obra maestra en la estilización de nuestros ritmos y melodías populares. La creación de Massine de 1919, en definitiva, no deja de ser una “fantasía” sobre nuestra danza –como hemos apuntado antes-, ya que, aunque el coreógrafo y bailarín ruso se empapara de “lo español” y aprendiera algunos pasos y formas de nuestra expresión dancística, no era un artista con formación completa de danza española y, por tanto, cayó en muchos momentos en lo que podríamos llamar “falso español”.   Fechas y horarios: Del 21 de julio al  30 de julio en los TEATROS DEL CANAL   [button link="http://bit.ly/2qPFdBv" newwindow="yes"]COMPRAR ENTRADAS[/button]
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AY, CARMELA

 

Lamedina.es y Producciones Come y Calla presentan

AY, CARMELA

de José Sanchís Sinisterra

Del 27 de octubre al 11 de noviembre en los Teatros del Canal

 

Fernando Soto dirige a Cristina Medina y Santiago Molero en esta producción de LaMedinaEs y Producciones Come y Calla.

El director nos presenta un AY, CARMELA como un canto a la supervivencia, a la dignidad del ser humano, mucho más allá del contexto político en que se desarrolla. La historia de dos supervivientes que lo único que tienen para sobrevivir es necesitarse el uno al otro, incluso cuando uno de los dos ya ha muerto. Si algo reivindica ¡Ay, Carmela! es la idea de que los muertos no deben caer en el olvido, que los muertos acaban de morir cuando dejamos de recordarlos. Una Carmela con la que quieren volver a los orígenes del texto y que no es más que la relación de dos pobres seres humanos (en este caso dos cómicos) en un contexto tan brutal como es una guerra, donde la palabra justicia se vuelve sorda por el ruido de la bombas.  

SINOPSIS

AY, CARMELA es un canto a la supervivencia, a la dignidad del ser humano, un suspiro, un dolor encerrado en un “Ay”, es una historia contada desde los ojos de Paulino (Santiago Molero), un muerto en vida que necesita aferrarse a la idea de que la aparición de Carmela (Cristina Medina), una muerta que vuelve a la vida, es real y que el espectáculo debe continuar sea como sea. El deseo de esta propuesta es poder sumar algo nuevo a un texto que de por sí es de una belleza y una grandeza que lo han convertido en un clásico de nuestra dramaturgia contemporánea. …Escuchemos pues que tienen que decirnos Carmela y Paulino…  

FICHA

Autor: José Sanchís Sinisterra Dirección: Fernando Soto Ayudante de Dirección: Laura Ortega Escenografía: Mónica Boromello Vestuario: Chary Caballero / Óskar Armendáriz Diseño de Iluminación: Felipe Ramos Diseño de Imagen Cartel: Ouka Leele Jefa de Prensa: María Díaz Dirección de Producción: Eva Paniagua. Producciones Come y Calla S.L Distribución: Elena Carrascal- Impulso X Distribución Intérpretes: Cristina Medina, Santiago Molero Producción: Lamedina.es y Producciones Come y Calla, S.L Fechas y horarios: Del 27 de octubre al 11 de noviembre en los TEATROS DEL CANAL 27 de octubre 21.30 h. 28 de octubre 18.00 h. 29 de octubre 17.30 h Resto de funciones: De martes a viernes 20.30 h. Sábados 18.30 y 21.30h. Domingos 19.00 h [button link="https://entradas.teatroscanal.com/janto/?Nivel=Evento&idRecinto=TDC&idEvento=AYCARMELATC2017&id_origen=MET" newwindow="yes"]COMPRAR ENTRADAS[/button]