Histórico

Obras que estuvieron en cartel y que ya forman parte de nuestra amplia base de datos

  

TEATRO DE LA COMEDIA

Institus Valencià de Cultura

presenta

TIRANT

A partir de la novela Tirant lo Blanc de Joanot Martorell

  Tirant lo Blanc es una novela prodigiosa, compleja, profunda y divertida, que inaugura el camino hacia la modernidad de un género literari que ha sido fundamental dentro del proceso de comprensión y de expresión de la realidad.Pese a partir de una tradición novelística típicamente medieval, la de los libros de caballería, el fdel representante de la mediana nobleza valenciana del siglo XV que fue Joanot Martorell supo romper con ella con la incorporación de una dimensión de realismo insólita dentro de la literatura europea de su época. Aventuras y reflexiones, batallas y amores se reunen para narrarnos, con una prosa bella, a veces solemne, a veces coloquial, viva, juguetona, la trayectoria vital y psicológica, tan alejada y tan próxima, al mismo tiempo, de nosotros, del singular caballero Tirant.Traducida a muchas lenguas y elogiada por los más grandes escritores, esta magnífica novela, auténtico hito de la literatura universal, ha sabido vencer al tiempo y ofrecer al lector actual, máss de quinientos años después de su publicación, el placer, el entretenimiento y la enseñanza que solo se encuentran en las grandes obras. 

ROBERTO GARCÍA

DIRECTOR ADJUNTO DE ARTES ESCÉNICAS DEL IVC

Cervantes salva el Tirant lo Blanc de la quema diciendo en su Quijote que es «el mejor libro del mundo». Dámaso Alonso de ne la obra como la primera novela moderna de Europa. El premio nobel Mario Vargas Llosa no escatima elogios ante esta obra total, cumbre del Siglo de Oro valenciano (siglo XV), escrita por Joanot Martorell cuando Valencia era claro epicentro de la actividad cultural y humanística del Mediterráneo. Para trasladar al escenario una obra tan compleja y torrencial hemos huido de la recreación literal o de la aproximación museística. Lo que continúa seduciendo de esta obra hoy en día es su contagiosa vitalidad, la vulnerabilidad de su héroe, el erotismo libertario de algunas de sus escenas y la riqueza de los personajes femeninos. Sobre eso hemos construido nuestro Tirant. Sobre eso y sobre una dramaturgia juguetona, una apuesta por la palabra y al mismo tiempo por el teatro físico. Que empiece la batalla… del amor gozoso.

"Tirant lo Blanc' es un filón inagotable"

Martín de RiquerMedievalista El próximo 20 de noviembre se cumplirán 500 años de la edición príncipe, en Valencia, del libro de Joanot Martorell Tirant lo Blanc. Una obra literaria en catalán que mereció encendidos elogios de Cervantes y que significó una ruptura con los hábitos narrativos de los relatos de caballería que se prodigaban entonces. Múltiples actos y celebraciones conmemoran a lo largo de este año los 500 años del Tirant, huyendo de la perspectiva arqueológica y con la idea central de que Martorell y su caballero tienen hoy mucho que decir.  

TEATRO DE LA COMEDIA

Morboria Teatro

presencia

EL LINDO DON DIEGO

La compañía de teatro Morboria celebra con esta adaptación sus 34 años de historia y el cuarto centenario del nacimiento del autor de la obra, Agustín Moreno.Del 10 a 13 de abril, el Teatro de la Comedia de Madrid se llenará de carcajadas y de ironía gracias al estreno de la adaptación de El Lindo Don Diego, escrita por el dramaturgo y poeta madrileño Agustín Moreto en 1654. En la historia original, Don Diego y Don Mendo llegan a Madrid requeridos por Don Tello su tío para tomar como esposas a sus primas Doña Inés y Doña Leonor. Don Juan, enamorado de Inés, se entera de los proyectos de Don Tello de casar a su hija con su sobrino Don Diego, un rival estúpido fanfarrón y petulante. Con la ayuda de Mosquita, su amiga y confidente, tejen un enredo para que el Lindo rechace a Doña Inés por emparentar con una rica condesa viuda. La obra acaba con un final feliz con boda incluida, muy al gusto de la época, y un ridículo Don Diego castigado y humillado ante toda la concurrencia.Sin embargo, esta adaptación, dirigida y escrita por Eva del Palacio, no se sitúa en el siglo XVII en el que fue escrita la obra original, sino en el Madrid de los años 30 del siglo XX. Concretamente, transcurre en el célebre Club Morboria, frecuentado por actores, músicos, pintores y lo más granado de la alta sociedad de la época atraídos por las sicalípticas actuaciones de la gran bailarina Tórtola Valencia y su música de jazz con de aires de extravagancia y modernidad.A pesar de los tres siglos que separan ambas versiones, la esencia es la misma: reflejar un retrato lleno de ironía sobre la vanidad y el narcisismo humanos, presentes tanto en ambas épocas, como en pleno siglo XXI, pues casi cuatro siglos después podemos hacer una fotografía mucho más ridícula y espeluznante de nuestra sociedad. Y es que, como en toda comedia, el fin último de El Lindo Don Diego es hacer reír, pensar y disfrutar a partes iguales. 

TEATRO CAPITOL GRAN VÍA

presenta

COMANDANTE LARA & CÍA.

29, 30 oct, 3, 4 dic. 2022 4, 5 mar. 15, 16 abril de 2023

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TEATRO LARA

presenta

Un grito desesperado a la libertad y la verdad, que no siempre es confortable.

Descubre El grito de la tortuga en Sala Lola Membrives, un montaje original y evocador que pone de manifiesto el poder que otorgamos al silencio. ¿Hasta dónde somos capaces de llegar para acallar todo lo que no queremos oír?
Tras el éxito de Una corona para Claudia, La Corona Producciones y Serieteatro nos traen la historia de una joven sorda y de dos hermanos que, a la muerte de su padre, vuelven a la casa del pueblo en la que se criaron. Un reencuentro que abre viejas heridas y destapa secretos que cambiarán sus vidas para siempre.El grito de la tortuga es una obra que te invita a reflexionar sobre la capacidad sanadora de compartir, la dinámica de la culpa y la importancia de enfrentarse a los monstruos.
 

EL TEATRO AMAYA

Scenarte Producciones S.L

Presenta

LA VENGANZA DE LA PETRA

El Teatro Amaya recibe la comedia más divertida de Carlos Arniches, uno de los dramaturgos más célebres del teatro español de principios del s.XX. El ingenioso lenguaje de la obra, lo acertado de los conflictos y situaciones y el perfecto acabado de los personajes ¡aseguran la risa y la diversión!

La venganza de la Petra esconde, tras un sencillo argumento (los recursos que utiliza una mujer guapa, ayudada por el ingenio de un padre muy singular, para recuperar a un marido casquivano y juerguista), un despliegue de mecanismos típicamente arnichescos, coherentemente estructurados y que tienen como finalidad última hacer reír al espectador. María Angulo Egea ha sido últimamente profesora en la Universidad Complutense y en Duke University (Carolina del Sur, USA) y es ahora becaria del CSIC.Este clásico argumento es el soporte sobre el que Carlos Arniches, con su habitual maestría, construye una completa galería de personajes enraizados en la comedia española.

El gracejo e ingenio del lenguaje, lo acertado de los conflictos y situaciones y el perfecto acabado de los personajes, hacen que la risa y el entretenimiento estén completamente asegurados.

La venganza de la Petra esconde, tras un sencillo argumento (los recursos que utiliza una mujer guapa, ayudada por el ingenio de un padre muy singular, para recuperar a un marido casquivano y juerguista), un despliegue de mecanismos típicamente arnichescos, coherentemente estructurados y que tienen como finalidad última hacer reír al espectador. María Angulo Egea ha sido últimamente profesora en la Universidad Complutense y en Duke University (Carolina del Sur, USA) y es ahora becaria del CSIC.
Carlos Arniche Barreda
Carlos Arniches nació el 11 de octubre de 1866 en Alicante, dejó muy pronto su hogar familiar para trasladarse a Madrid donde comenzó a trabajar de periodista, lo que le permitió impregnarse de ese ambiente castizo que trasladó a sus obras teatrales y que lo convirtió en el maestro del sainete popular madrileño. Fue un renovador del llamado género chico -a través de unas 300 obras, que abarcan sainetes, comedias. Su obra trata del juego de apariencias, el contraste y los conflictos que sufren los personajes al enfrentar su apariencia social a sus verdaderos sentimientos. La obra de Arniches se encuentra a medio camino entra la tragedia y el humor. La riqueza de la lengua popular madrileña, unida al humor, la ironía y el juego de palabras, caracterizan la obra de este autor que supo mostrar la vida madrileña de los corrales y que tuvo admiradores de la talla de García Lorca. Colaboró también como libretista de zarzuelas para los maestros Ruperto Chapí, Federico Chueca y José Serrano. Fue miembro de la Real Academia de la Lengua. Muchos de sus argumentos han sido adaptados para el cine. Murió en Madrid el 16 de abril de 1943.
 

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EN GIRA

Pentación

presenta

LA FUERZA DEL CARIÑO

Adaptación de la película de 1983, ganadora de 5 Oscar

Aurora y Emma son una madre y una hija muy unidas, pero con puntos de vista muy distintos sobre la vida. Aurora, que está viuda, es una mujer temperamental pero de buen corazón, y Emma es una joven rebelde que está deseando salir de casa e independizarse. Pero sus vidas sufren un duro revés cuando Emma recibe la noticia de que tiene un cáncer incurable.James L. Brooks, una de las personalidades más laureadas e influyentes de la televisión americana, artífice como productor de series como ''Lou Grant'', ''Cheers'' o ''Los Simpson'', debutó en el cine con ''La fuerza del cariño''.

No pudo hacerlo mejor, ya que la película, que se convirtió en uno de los grandes éxitos comerciales de ese año, recibió once nominaciones a los Oscar y consiguió finalmente cinco estatuillas: mejor película, director, guión adaptado, actriz (Shirley MacLaine) y actor secundario (Jack Nicholson, en un papel que Burt Reynolds había rechazado por problemas de agenda).Tras proponerle el proyecto a varias productoras, finalmente fue la Paramount, con la que más había trabajado Brooks a lo largo de su carrera, la que confió en la cinta, logrando así un éxito tan enorme como inesperado.

Notas de la directora
Aurora, la madre perfecta y tímida viuda, y Emma, su hija rebelde y entrañable, y el profesor torpe y seductor, y el astronauta excéntrico y mujeriego. Estos cuatro seres, a pesar de sus grandes diferencias, celebran la vida de cada día. La celebran con humor, lágrimas, ironías, enfados, gritos, risas...Esta vida que nos ordena al azar, que nos acerca y separa por lazos de sangre o de deseo, de forma misteriosa, cumpliendo mágicas constelaciones que no sabemos interpretar, y que ahí nos deja, en medio del viaje.La madre, la hija, el profesor y el astronauta viven enredados en lazos amorosos que les hacen salir de las sábanas cada mañana. Transitan la vida veloces, con un corazón trepidante que apenas les permite gozar del fondo hermoso y profundo del paisaje.Merodean alrededor de la burbuja en la que todos queremos entrar para olvidar la angustia de la vida, para encontrar el placer infnito de dar amor y sentirse amado. Amor. La emoción que necesitamos como alimento ecológico y esencial para despertar las hormonas de la felicidad.Pero cuando la vida tiembla y el temporal se lleva la ropa y tiritan de frio, el viaje se detiene. Ya no hay fltros, y con potencia salvaje aparece la fuerza del cariño que de golpe los coloca en el paisaje real de la vida. que los convierte en seres humanos completos. Imbatibles. Auténticos. Sinceros. Admirables. Verdaderos supervivientes.Magüi Mira

SALA TARAMBANA

presenta

DANNY Y ROBERTA

Sábados de marzo.

 

DANNY Y ROBERTA (Danny and the Deep Blue Sea), escrita por John Patrick Shanley entre 1982 y 1983, es algo más que un encuentro, es algo más que un análisis del azar, de la vida difícil, del hastío y de la pérdida de esperanza. Es algo más y no es tampoco una simple historia de amor.

Para su autor, estos dos personajes pertenecen a la noche, a un ambiente pobre y resentido, donde la ambición tiene mucho que ver con las cosas pequeñas y aparentemente sencillas. Dos vidas rotas, ciegas -este es el punto de partida-, que se encuentran y se ven. Dos seres que en este destello reconocen no ser ni tan distintos, ni tan raros. Sí tan infelices.Danny y Roberta es uno de los mejores retratos de dos perdedores en el teatro contemporáneo. Es una radiografía de los miedos y las miserias de una sociedad que hace de la violencia el escape final hacia ninguna parte. Son dos personajes límites, solitarios, incomprendidos, que por un momento creen encontrar alguien con quien compartir sus sueños y llegar a ser “como los demás”. 

SINOPSIS

Danny y Roberta son dos seres al margen de todo eso, que se han pasado su existencia navegando por un espacio sólo reconocido por ellos. Un rincón interior hosco, muy erosionado por chocar continuamente con la normalidad de los otros: los seres contentos, prudentes, sin tacha. Ellos son bailarines de una danza apache -como bien reza el subtítulo original de la obra-, de una coreografía loca e imprudente que sigue un ritmo musical maldito, extenuante. Subversivo e incomprensible para los que quieren coherencia y tranquilidad. Danny y Roberta son dos seres humanos heridos, pero no dolientes, que se han habituado a caminar a oscuras, a no dar oportunidades, a no soñar ni a hacerse ilusiones, porque saben que no se puede ser feliz, porque siempre hay algo que te lo impide. Eso piensan antes de que la mesa de ese bar les obligue a conocerse y les conceda el regalo imprevisto de ver la luz, de dar con la ternura, con la protección, con el descubrimiento de un alma gemela, igual de descarnada. Un rescate que dura muy pocas horas y donde esas dos vidas cenicientas están obligadas a no encontrar el otro zapato después del baile.Danny y Roberta son conscientes de ello, porque su condición de marginados les hace ver con una claridad pasmosa el futuro, sin sobresaltos, intentan purificarse, reconocerse en el otro durante ese momento. Pero poco a poco van bajando la guardia y nos permiten presenciarles más próximos y nada extraños: desnudos, vulnerables, sin ganas de atacar o de defenderse ante el mundo. Como todos cuando hallamos la calma y la cabeza nos deja descansar.Quién sabe. Quizá Danny y Roberta son uno, un él o un ella que en un rato de hastío se pone a anhelar a alguien con quien compartir tanto desencanto. Un Danny que siente la necesidad de mirarse al corazón como si fuera un espejo roto para hallar a una Roberta, o al revés, con quien sentirse a gusto, digno de tener un mundo, capaz de poderlo compartir para luego poder recordarlo al menos. Cuando vuelvan a estar solos. Comprar entradas

TEATRO DE LA COMEDIA

Presenta

EL DESDÉN CON EL DESDÉN

La obra maestra de Moreto, síntesis de las virtudes de la comedia cortesana, propone, en desenfadada peripecia, un remedio para vencer la indiferencia del ser amado: mediante una frialdad fingida, Carlos logrará restablecer el orden natural del amor, perturbado por los desvaríos escolásticos de Diana. El tema, que no era nuevo en el teatro español del siglo XVII, alcanza aquí dimensiones perfectas, gracias sobre todo a una arquitectura precisa, hecha de sutiles simetrías que se dibujan en el marco frívolo y galante de las Carnestolendas barcelonesas.

Dirige Iñaki Rikarte, responsable de obra como SOLITUDES o ANDRÉ Y DORINÉ

 El desdén con el desdén es título y argumento de una comedia fabulosa: Carlos, enamorado de Diana y desdeñado por ella, finge su propio desdén para conquistarla. Sobre esta contradicción, Moreto construye una estructura e cacísima en la que siempre prioriza el juego, abundando las situaciones donde los personajes se ven obligados a mentir, a disimular, a ocultar lo que sienten, conocedor de esa paradoja cruel de la comedia según la cual, cuanto peor lo pasan los personajes, más nos divertimos los espectadores. La contradicción aflora constantemente en los rasgos adolescentes de los protagonistas: son inmaduros, competitivos, tozudos, vanidosos, egoístas, tiranos, manipuladores y, casi al mismo tiempo, pueden mostrarse juiciosos, generosos, empáticos, delicados, autocríticos, ponderados. Es también contradictorio el modo en que ellos mismos describen los efectos del amor o de los celos en sus propios cuerpos: con turbación adolescente y rigor casi científico. Como si fuesen investigador y cobaya al tiempo. Textos como éste destilan y requieren una energía y vitalidad extraordinarias. Encarnarlos es casi un ejercicio atlético. Por eso creo que es una gran noticia que se haya pensado en La Joven CNTC para devolverlo a las tablas.
IÑAKI RIKARTE, DIRECTOR

En su traba jo como director destacan “Ildebrando Biribó o un soplo al alma”de Emmanuel Vacca (2002), “La lengua de las mariposas” de Manuel Rivas (2004), “Sísifo B” de Iñaki Rikarte (2010), “André y Dorine” producido por Kulunka (2010), “Babia” de Ganso y Cía (2012), “Pulgarcito” (2013) de Teatro Paraíso, “HappyEnd”(2014) de Vaivén Producciones y “Solitudes”(2015) de Kulunka. Como ayudante de dirección, ha trabajado en “El rey Lear” dirigido por Gerardo Vera para el CDN (2008) y “El hombre que quiso ser rey” escrito y dirigido por Ignacio García May, coproducido por el CDN y la compañía Tigre-Tigre (2008). Además, es autor de los textos teatrales “El perpetuum mobile” (2005), “Gris Mate” (2006) “Sísifo B” (2009) y “Quitamiedos” (2013).

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El amor, a dos carrillos

Iñaki Rikarte dirige 'El desdén con el desdén' con mano ágil, certera y polícroma (por Javier Vallejo)

 

TEATRO MARÍA GUERRERO

El centro dramático Nacional

presenta

ESPEJO DE VÍCTIMA

Texto: Ignacio del Moral Dirección: Eduardo Vasco

 
"Siempre me ha parecido una perversa paradoja el hecho de que, cuando nos vemos metidos en un conflicto o confrontación, casi todos deseamos ostentar el papel de víctimas.Los reyes antiguos buscaban la complicidad de sus pueblos en sus acciones sin disimular sus intenciones agresivas o expansivas, y hacían ostentación de los muchos enemigos a los que habían matado, a ser posible con sus propias manos… Hoy, la propaganda bélica oculta los muertos infligidos al otro bando y disfraza sus matanzas de defensivas, necesarias e inevitables.De manera que los enunciados más repugnantes, las acciones más viles, se presentan siempre (o lo intentan) como reacciones a una agresión previa. El verdugo le arrebata así a su víctima el derecho a la piedad.Es paradójico que en una sociedad tan narcisista y exhibicionista como la nuestra, al final parezca preferible causar lástima antes que admiración. Tal vez porque ser víctima nos exonera de cualquier obligación. De esto hablan las dos piezas especulares que hoy les mostramos. Ha sido una inmensa alegría poder hacerlo de la mano de un Eduardo Vasco veinte años más sabio que la primera vez que coincidimos".
Ignacio del Moral
"Hay pocas veces en las que uno lea un texto, entienda que habla de algo urgente e importante y sienta grandes deseos de llevarlo a escena. Espejo de víctima tocó mi fibra de amante del teatro desde la primera lectura y me sorprendí al momento haciendo cábalas con un posible reparto y una puesta en escena en la que ahora, afortunadamente, trabajo junto a Ignacio. Dos actores en un combate a dos asaltos en el ring de la actualidad poniendo en tela de juicio asuntos que nos preocupan a diario y sirviendo, a través de acción y emociones, las inquietudes que nos asaltan; enfrentándonos a un espejo incómodo.Y más, porque hay que entender que es inevitable que ambos —el autor y quien esto escribe— entendamos este proyecto como un feliz reencuentro, ya que hace 20 años —realmente 21— abordamos, también de la mano del CDN, otra obra suya, Rey negro, en aquella Sala Olimpia de la que tantos buenos recuerdos guardamos muchos de nosotros".
Eduardo Vasco

TEATRO ARLEQUÍN GRAN VÍA

Trece Gatos

presenta

DOÑA ROSITA LA SOLTERA O EL LENGUAJE DE LAS FLORES

Federico García Lorca

Poema granadino del novecientos, dividido en varios jardines, con escenas de canto y baile

 La compañía Trece Gatos presenta la última obra estrenada en vida por Federico García Lorca, convirtiéndola en un cuento fantástico, y un viaje a través del tiempo y sus emociones. Cuando se abre en la mañana, roja como sangre está, la tarde la pone blanca con blanco de espuma y sal y cuando llega la noche, se comienza a deshojar…”

Rosita es una doncella en flor, joven, grácil y hermosa. Toda la esperanza del mundo está en ella. Aunque huérfana de padres, vive feliz con sus tíos, siempre rodeada de rosas. En su juventud despreocupada la vida es aún un juego. La muchacha está apasionadamente enamorada y en medio de tanta alegría recibirá una terrible noticia: su novio ha de viajar a Tucumán a hacerse cargo de la hacienda de sus padres. Sin embargo, ella mantiene viva la esperanza y antes de separarse, los enamorados se prometen amor eterno, quedando Rosita sola y una indefinida promesa de matrimonio en el aire.

Partiendo de esta premisa, Lorca logra exprimir la sencillez de los sentimientos universales para exponer una obra que es probablemente lo mejor de su teatro y se cuenta, sin duda, entre lasobras maestras del teatro universal del siglo XX. Los distintos aspectos de la condición humana se reflejan con maestría en este mágico cuento, que plantea una reflexión sobre la huída del tiempo y los sueños, abordando el tema de la soltería y la presión social con romanticismo, humor y sensibilidad poética.

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La obra de Federico García Lorca Doña Rosita la soltera o el lenguaje de las floresse estrenó en Barcelona, con carácter mundial, el 12 de diciembre de 1935. La protagonista de la obra fue Margarita Xirgu, y el director de la compañía Cipriano Rivas Cherif.[Hace cinco años la retomó Nuria Espert, que la ha representado en el montaje de Jorge Lavelli por toda España y por varios países del mundo y que considera que ésta es "una de las más bellas y perfumadas" obras de Lorca, "de una profundidad encubierta, como la de Chéjov"].El argumento lorquiano surgió de la imagen de los tres tiempos de la vida efímera de la rosa. El poeta vio en la historia de la rosa mutabile, como él la llamó, el oscuro drama de la soltería de las muchachas españolas sacrificadas por el medio social que condicionaba el futuro de sus vidas a una virginidad estúpida, que esterilizaba sus ilusiones y su alegría de gozar. El poeta no dudó en hacer de Granada su escenario. Evoca la Alhambra, la Puerta de Elvira, con sus manolas,"...las que se van a la Alhambra, / las tres y las cuatro solas.../ Pero en el mundo hay galanes que se tapan con las hojas".El nudo sentimental de Doña Rosita pertenece a una vivencia amorosa protagonizada por una prima del autor, Clotilde García Picossi. Esta mujer se identificó con el personaje, desvelándonos su secreto hace tan sólo unos años: su novio, primo hermano, se le fue al argentino Tucumán y allí se casó con otra; ella lo esperó durante mucho tiempo. Doña Clotilde nos descubrió también otras anécdotas de su juventud que andan incorporadas al acervo del mundo dramático lorquiano. Desde niños, los dos primos estuvieron muy unidos; de su mano salió el poeta por primera vez a un escenario, cuando tenía tres o cuatro años, a actuar de comparsa en la zarzuela La alegría de la huerta, en unas funciones de aficionados, en Fuentevaqueros. Doña Clotilde pasaba una buena parte del año en su huerta del Tamarit, cercana a la huerta de San Vicente, en la vega de Granada, residencia veraniega de la familia García Lorca.   Comprar entradas
 

TEATRO DEL BARRIO

Impulso

presenta

LACURA

 · El jueves 17 de octubre inicia temporada en el Teatro del Barrio, LACURA de Bibiana Monje, un solo teatral en el que esta creadora representa a más de siete personajes y que cuestiona las creencias personales a través de la sátira y el humor. La obra estará los días 17, 18, 19, 24, 25 y 26 a las 20h y domingos 20 y 27 de octubre a las 20:30h. Un solo teatral, una comedia de auto ficción que dirige la mirada exterior hacia uno mismo, cuestionando las creencias personales a través de la sátira y el humor. Una actriz encarnando más de siete personajes en distintos estilos teatrales -pantomima, teatro coreográfico, proyecciones, parodia, realismo mágico, musical, stand up comedy- intentando desquebrajar en su argumento la idea social de soledad y separación.
Sobre la obra:Bibi, es un personaje del enfermo sigloXXI, hilarantemente poseída por los espíritus que la habitan, decide contarnos como loca su propia mirada al mundo. Familia, amantes, temores y paisajes psicológicos serán el hilo conductor de la historia, llevándonos hacia un viaje interior sin retorno a través del dolor y la risa, dándole la vuelta a la tortilla y descubriendo que no hay huevos.
Lacura es un solo teatral, una comedia de auto ficción que dirige la mirada exterior hacia uno mismo, cuestionando las creencias personales a través de la sátira y el humor. Lacura utiliza lo personal como ejemplo de conciencia colectiva, a través de un viaje autobiográfico por la psique de la artista, “el cuento de su propia enfermedad al vivir en un mundo que no ha inventado ella”, evidenciando la responsabilidad del poder que todos tenemos: Crear realidades. La actriz investiga los límites entre lo íntimo y lo privado, haciendo del trauma una trama y exponiendo, con agudo sentido del humor, las heridas ocasionadas por algunas creencias personales/sociales.Más de siete personajes encarnará la protagonista utilizando distintos estilos teatrales -pantomima, teatro coreográfico, proyecciones, parodia, realismo mágico, musical, stand up comedy- intentando desquebrajar en su argumento la idea social de soledad y separación.     Comprar entradas

TEATROS LUCHANA

presentan

MEATFISH

MEATFISH, una obra de Elena Seguí que se representará a partir del 3 de marzo en los Teatros Luchana. Y se podrá ver todos los domingos de marzo a las 20:45. 
Meatfish o el viaje del género fluido, llegará a los Teatros Luchana el próximo día 3 de marzo. Una versión libre basada en ‘As you like it’ de Shakespeare dirigida por Elena Seguí y protagonizada por un elenco joven y coral que proviene del último curso de la escuela WorkinProgress de Darío Facal y que con esta obra profesional- al igual que lo hicieran sus compañeros en otras ediciones con gran éxito- culmina su formación. Ellos son: Patricia Peñalver, Patricia Fuertes, Rocío León, Irene Hidalgo, Paula Sancho, Xacobe Sanz, Marta Guillén y Santana Lantigua.Dos acciones, dos lugares: la ciudad y un Festival Queer en el bosque. En la ciudad dos hermanos se odian y dos primas se aman. Una ubicación donde a posteriori se desarrolla la acción, el Festival de música iDentifY(X). Un lugar donde, encontraran divertidos e inteligentes personajes, con quienes realizarán un viaje de transformación interior. La conversión de la tristeza en poder y alegría. El amor como concepto universal.Elena Seguí, basa en este caso su adaptación, precisamente en un viaje, una búsqueda de lo fluido en el género y plantea un universo donde todos tenemos una dualidad. Una comedia hilarante, donde el juego y la diversión priman.SinopsisCon una versión libre de ‘As you like it’ de Shakespeare, MeatFish es una búsqueda de lo fluido en el género, un viaje que se plantea las fronteras entre lo que significa ser hombre o mujer. Y que va más allá: ¿Verdaderamente significa algo?Se abre el telón. En un camerino comienza la acción familiar de los personajes, dos hermanos y dos primas. Determinados sucesos les llevarán a un festival poco convencional llamado iDentitY(X). Allí encontrarán personajes y situaciones disparatadas pero reveladoras y se enfrentarán a un viaje de descubrimiento personal.
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