Histórico
Obras que estuvieron en cartel y que ya forman parte de nuestra amplia base de datos
UMBRAL DE PRIMAVERA
presenta
MEDEA (Outside)
El Umbral de Primavera acogerá el próximo 6 de marzo el estreno absoluto de la obra Medea (outside), un proyecto muy personal de la actriz y directora novel Coral Ros (con la inestimable colaboración de Laura Garmo) quien, inspirándose en el mito de Eurípides, descontextualiza al personaje de Medea alejándolo de la madre asesina para profundizar en el símbolo femenino, en lo que ella representó como mujer. Una mujer que, eligiendo su propio destino, rompe con lo establecido socialmente, sin intervención masculina. Una Medea que nos sirve para hablar de la emancipación de la mujer y de alguno de los males que aquejan a la sociedad contemporánea.
SINOPSIS
Medea (outside) no es Medea, no una Medea clásica. Nos propone un espectáculo contemporáneo 'a las afueras del Mito', por eso lo de (outside). Esta propuesta es el viaje emocional de una mujer de hoy, una de tantas mujeres que viven en la sociedad actual y que resultan muy reconocibles para los espectadores.
El punto de partida, como en el mito, es el dolor profundo por la pérdida de un ser querido pero en esta lectura contemporánea, se hablará de cómo el tabú de la muerte en occidente supone para el individuo mayor dificultad a la hora de gestionar emocionalmente la pérdida.
Podemos decir que la desacralización del individuo en el sistema occidental donde el capitalismo irrumpe en el tiempo reflexivo del hombre, ha creado una distancia enorme entre el ser humano y el espíritu. Negamos la muerte invisibilizándola, intentando borrarla de nuestro cotidiano, buscando consuelo sobre la gran duda existencial en el consumo, como intentando llenar ese vacío o mantenernos entretenidos con nuevas adquisiciones: Si tenemos somos. Pero, ¿qué ocurre si se produce una pérdida cercana a destiempo? ¿Cómo irrumpe en nuestras vidas? ¿Qué recursos emocionales tenemos que improvisar para sobrevivir? Esta es la pregunta que persigue Medea (outside)dejándose llevar por su instinto más primitivo: la supervivencia.
CORAL ROS.
Actriz afincada en Madrid desde 2012, donde ha trabajado en distintas obras teatrales, siempre como actriz en La colonia de vacaciones (2017) de Javier Montero. Montaje estrenado en el Festival Surge Madrid 2017 en El Teatro del Barrio donde también estuvo programada en febrero y el mes de abril de 2018 en la sala madrileña La Usina.
En 2017 trabajó en Inmersos de Laura Garmo, también estrenada en el Festival Surge Madrid 2017 en la sala La Usina.
Es fundadora de la Compañía Lolita Corina desde 2007 en Barcelona. Con ella monta sus dos espectáculos: Brujas (2014, Cía Lolita Corina) dir. Álex Navarro y Las Gallegas (2007, Cía Lolita Corina) dir. Álex Navarro, Premio del público al mejor espectáculo de la XI Feria de Teatro de Castilla y León 2008 y Premio del público al mejor espectáculo del XXVIII Festival de Teatro de Puebla de la Calzada, Badajoz, 2009). Actualmente en proceso de montaje del tercer espectáculo de la compañía.
Entre otros trabajos anteriores, destaca Las Furias de Bernarda (2003, dir. Sarah Dahan) adaptación de La casa de Bernarda Alba, donde fue nominada como mejor actriz en la 8ª Mostra de Teatre de Barcelona en 2003 por el papel de Adela y el espectáculo fue galardonado como Mejor espectáculo en el mismo certamen.
Actualmente se estrena como directora y única intérprete en la escena de su primer trabajo unipersonal Medea (Outside).
TEATRO DEL BARRIO
presenta
CARMIÑA
(Tercera entrega del ciclo: mujeres que se atreven)
Domingos. 13:00h
Tras la sorprendente UNA ANIMAL EN MI ALMOHADA Vanessa Espín se atreve con este relato centrado en la figura de Carmen Martín Gaite.
La escritora Carmen Martín Gaite dio un célebre ciclo de conferencias en la década de los noventa del pasado siglo. El monólogo se inicia con una de esas conferencias; una imaginaria, cuyo tema principal es el vínculo entre literatura y vida.
Esta conferencia tiene lugar en la sala de un teatro en cuyo backstage se encuentran ensayando la hija de Carmiña, Marta, y un grupo de amigos. Su presencia llevará a la escritora a evocar a Marta y lo que representó su vida y su muerte; lo que significó haber encontrado al interlocutor que siempre buscó, y haberlo perdido.
Detrás del drama personal de Carmen están también las dificultades de dos generaciones de españolas para comunicarse y definir sus proyectos y el sentido de sus vidas, pero, sobre todo, la conferencia contiene una propuesta de orden tanto personal como político: “seguir vivas, por nuestros muertos”.
Mujeres que se atreven (III parte)
Este ciclo, concebido por Noelia Adánez para el Teatro del Barrio, comenzó con “Emilia” (estrenado en noviembre de 2016, Premio Max 2018 a la mejor actriz protagonista para Pilar Gómez) en el que describimos a una escritora empoderada -Emilia Pardo Bazán- y crítica con los discursos hegemónicos en su época -el último tercio del siglo XIX- en torno a lo femenino. Continuamos con “Gloria” (se estrenó en marzo de 2018), donde contamos la historia de Gloria Fuertes, una niña de la guerra que desafía la moral de su tiempo en procura de una identidad -y a una idea de libertad- que no se ajusta a ningún molde. En “Carmiña” (febrero de 2020) exploramos alguna de las facetas vitales y literarias de Carmen Martín Gaite y ponemos voz a una escritora de extracción social burguesa, que desde su individualidad afronta el drama que acompaña el paso de la dictadura a la democracia en España; drama que podríamos resumir -en el caso de Martín Gaite- en estas interrogantes: qué legado dejar a las generaciones que ya no sufrirían la presión del franquismo; cómo establecer con ellas un diálogo fructífero; cómo darle una dimensión literaria a este conjunto de experiencias.
TEATRO FERNÁN GÓMEZ CCV
presenta
UN ANIMAL EN MI ALMOHADA
Texto y dirección: Vanessa Espín
Del 1 al 18 de diciembre de 2022
(más…)CUARTA PARED
presenta
INSTRUCCIONES PARA CAMINAR SOBRE EL ALAMBRE
Una nueva entrega de thriller social, coescrita y dirigida por Javier G. Yagüe
Tras la exitosa Nada que perder, la compañía Cuarta Pared estrena Instrucciones para caminar sobre el alambre, la continuación de su Trilogía Negra.
Del 10 al 17 de septiembre (excepto sábado 18). Viernes y sábados a las 20h00, domingos a las 19h00.
(más…)NAVE 73
Sedom Producciones
presenta
SEDOM. UN PUEBLO LLAMADO PECADO
Julio Vargas estrena su primera pieza a partir de un proyecto inconcluso de Lorca sobre ‘La destrucción de Sodoma y Gomorra’. ‘Sedom. Un pueblo llamado Pecado’ trata temas relacionados con la maternidad / paternidad y el alma humana, desde diferentes perspectivas
Nave 73 acoge el estreno absoluto de ‘Sedom. Un pueblo llamado Pecado’, montaje que reflexiona sobre la maternidad / paternidad en términos poco frecuentes a los que estamos acostumbrados. La historia comienza con la llegada de una mujer extranjera a una aldea y con su encuentro con una Madre y sus hijas, quienes viven aisladas debido a una extraña alergia que sufren y cuyo tratamiento han costeado, de manera altruista, sus vecinos.
En esta pieza, Julio Vargas, autor y director, cuestiona, desde puntos de vista perversos y poco comunes, la verdadera naturaleza del alma humana. Para ello, el punto de partida fue ‘La destrucción de Sodoma’, un texto que tenía pensado escribir García Lorca, como confesaba al periodista Martínez Nadal en julio de 1936, y que sería, según sus propias palabras, “una gran historia de conversación y vida, de poesía y sexo”. Sin querer continuarlo sino con la intención de tomar las notas que dejó esbozadas el artista granadino como fuente de inspiración creativa, Vargas esboza preguntas nuevas, para dilemas añejos.
Isabel Arenal, Abraham Arenas, Marta Escurín, Emilia Lazo, Jerónimo Salas, Ana Serna, Mario Velasco y Raquel Ventosa son los intérpretes que habitan este pueblo en el que se muestra que la ambigüedad del alma es de una veracidad trágica. En las funciones, se cambiará el sexo del personaje protagonista, siendo un día Padre y otro Madre, pero se mantendrán dos versiones idénticas. “De esta forma, obtenemos dos significantes completamente opuestos y experimentaremos sobre las connotaciones inconscientes de los roles sociales marcados, provocando que la visión del público cambie”, comenta el joven dramaturgo y director.
‘Sedom. Un pueblo llamado Pecado’ se completa con una exposición pictórica creada por la artista plástica Raquel Ventosa sobre fotografías de Miguel Zaragoza a los actores durante el proceso creativo. Las obras inspiradas en la fábula muestran un universo bello pero perturbador que trata de plasmar las contradicciones del alma humana en un entorno mitológico.
Sedom Producciones presenta esta obra que también cuenta con la ayudantía de dirección de Rosel Murillo Lechuga y la asesoría de movimiento de Andrés Acevedo. Se representará los viernes y sábados del mes de febrero a las 20:00h en Nave 73.
Sedom. Un pueblo llamado Pecado:
Un pueblo acoge la llegada de una extranjera, una refugiada. Una madre hospeda a la forastera en su casa, donde vive con sus dos hijas. La madre debe mantener a sus hijas en aislamiento, debido a una extraña alergia, cuyo costoso tratamiento ha sido pagado altruistamente por sus vecinos. La forastera no dejará indiferente a ninguno de los habitantes de este pueblo llamado “Pecado”, quienes tratarán de conocerla sin darse cuenta de que en lugar de eso, se están dando a conocer ellos mismos.
TEATRO BELLAS ARTES
Pentación y el Teatro Español
presentan
LAS CRIADAS
de Jean Genet, dirección de Luis Luque
Desde el 1 de diciembre de 2021
(más…)TEATRO FERNAN GÓMEZ
un proyecto de colaboración España/México con el apoyo de Iberescena. Espectáculo co-producido por El Desván Producciones y la Consejería de Cultura, Turismo y Deportes de la Junta de Extremadura.
presentan
EL OTRO
de Miguel de Unamuno y Alberto Conejero
Está encerrado en nuestro cuarto. No me deja entrar. No me deja dormir con él. Me dice que no quiere que le espíe mientras sueña. Cuando le llamo por su nombre me dice No, sino el Otro. Y yo tengo miedo porque algo dentro del pecho me dice que algo terrible ha ocurrido.
Escrita en 1926 y estrenada seis años después, parece situarse en una difícil encrucijada entre la fascinación que sigue ejerciendo y su práctica desaparición de los escenarios. El otro no es literatura dramática sino teatro. No es para ser leído sino para ser representado. El otro ha nacido para el teatro y para el teatro va.
Sinopsis
Estrenada en el Teatro Español en 1932 trata, según las palabras del autor: ..de uno de esos temas eternos, más interesantes aun que el del amor: el de la personalidad.
Cosme, en estado de semilocura, no permite que nadie le vea dormir por miedo a hablar en sueños. Ha roto todos los espejos de la casa y tampoco permite que se le llame por su nombre. Cuando Laura, su mujer se dirige a él como “Cosme” el replica; “no, sino el otro”. Ante las preguntas de Ernesto, neuropsiquiatra y hermano de Laura, Cosme le cuenta lo sucedido: Estaba, pues, como te digo, aquí conmigo, cuando me anunciaron al otro. Me vi entrar como si me hubiera desprendido de un espejo, y me vi sentado ahí, donde tú estás... Me vi entrar, y el otro... yo... se puso como estoy, como estás. Y se me quedó mirando a los ojos y mirándose en mis ojos. Y entonces sentí que se me derretía la conciencia, el alma; que empezaba a vivir, o mejor a desvivir, hacia atrás, como en una película que se haga correr al revés... Empecé a vivir hacia atrás, hacia el pasado, a reculones, arredrándome. Y desfiló mi vida y volví a tener veinte años, y diez, y cinco, y me hice niño, ¡niño! y desnací... y morí. Me morí al llegar a cuando nací, a cuando nacimos. Morí, sí. Y al rato resucité; pero sentado ahí, donde tú estás, y aquí, donde estoy, estaba mi cadáver.
Alberto Conejero, notas:
Como el resto de la producción dramática de Unamuno, El otro (escrita en 1926 y estrenada seis años después) parece situarse en una difícil encrucijada entre la fascinación y que sigue ejerciendo y su práctica desaparición de los escenarios.
Por un lado, y de ahí la fascinación, el teatro de Unamuno quiso acercar la escena española a las vanguardias europeas. Se trata de un teatro audaz, sintético hasta la desnudez, abierto radicalmente a la experimentación, y que presenta un nuevo paradigma del personaje dramático. No encontramos ya el intento ilusionista de construir el trasunto de una “persona real” sino la asunción plena de la naturaleza poética / ficcional del personaje. El dramaturgo presenta una voz que ocupa un lugar indeterminado entre el actor y la ficción. Esta voz se define por una serie de rasgos voluntariamente imprecisos. De este modo, cada personaje es uno y a la vez toda la humanidad. Es fácil rastrear la huella de Maeterlinck o Ibsen, pero también la de sus coetáneos Evreinov o Pirandello hasta descubrir su inesperada influencia en autores aparentemente tan lejanos como Fosse, Kane o Rambert. Los temas de los que se ocupa —la mentira vital, la otredad, el misterio de la existencia ante un Dios ausente— no sólo no han ido perdie do interés sino que nos golpean con renovada fiereza.
Unamuno era plenamente consciente de que su teatro exigía a los espectadores un nuevo pacto de recepción, de colaboración (creo que a la gente le va a costar seguir mis ideas). Es un teatro que necesita de una escucha activa, cómplice, de una voluntad de misterio. De ahí el otro elemento de la encrucijada a la que me refería al inicio de estas líneas: el ostracismo del teatro de Unamuno de los escenarios. Ya en su época se le acusó de hacer un teatro demasiado literario. Es un juicio que, con distintos matices, se ha ido repitiendo a lo largo de las décadas. Unamuno reclamaba la teatralidad implícita en sus textos. En el caso que nos ocupa: El otro no es literatura dramática sino teatro. No es para ser leído sino para ser representado. El otro ha nacido para el teatro y para el teatro va.
OFF LA LATINA
presenta
LA SOMBRA DEL TENORIO
un texto de José Luis Alonso de Santos protagonizado por el gran Chete Guzmán
La sombra del Tenorio de Alonso de Santos es casi un recorrido por el texto de Zorrilla, visto desde la óptica de un comediante de ínfima categoría que está deshauciado en un Hospital de caridad. Ve a descubrirlo en el OFF de La Latina en Madrid.
Ha llegado el momento del 'mutis final' para Saturnino Morales, un típico actor secundario, enfermo de tuberculosis y apartado en un hospital para pobres. Se prepara para el instante en que 'caerá el telón de su vida' y, sin embargo, no quiere despedirse del mundo sin interpretar su personaje soñado: Don Juan Tenorio.
La sombra del Tenorio, de José Luis Alonso de Santos, es una reflexión acerca de la vida y cómo vivirla siendo actor secundario deseando ser el protagonista; amores y relaciones, criados y señores,… se muestran como algunos de los elementos con los que juega el autor para ir mostrándonos la vida de Saturnino Morales que, enajenado por las fiebres, habla con una Sor Inés imaginaria. Una obra intimista donde las emociones quedan presentadas al natural, cuidando cada detalle con esmero, ayudándonos a adentrarnos en cuestiones vitales de carácter existencial.
Él, que siempre hizo del criado, del gracioso..., del eterno secundario tanto en la vida como en el escenario, quiere 'en esta postrera hora de su existencia', y ayudado por un público imaginario que le escucha y le observa desde la oscuridad, 'subirse en el cartel para ser, aunque sea por una sola y definitiva vez en su vida, el protagonista, el actor principal'.
El objetivo principal del espectáculo es transportar al espectador, a través del recorrido del propio protagonista, por las luces, las sombras, las dudas, los recuerdos, las vivencias de un hombre sencillo que no ha sido capaz de cumplir su sueño y que se cuestiona -y nos cuestiona- si ha merecido la pena vivir sin conseguirlo y nos anima a cuidad y perseguir, con toda la pasión y el alma, aquello que más queremos culminando este viaje en la intensa reflexión final.
presenta
EL GRAN TARTUFO
(Una legítima burla)
de Pedro Ruiz
El Actor, humorista, inquieto y provocador Pedro Ruiz regresa a las tablas de los teatros con la comedia teatral El GRAN TARTUFO.
Esta divertida función teatral protagonizada por PEDRO RUIZ y ARIANA BRUGUERA esta llena de ironía, sarcasmo, verdades, humor inteligente y mucha picardía… La acción nos traslada a un plató de informativos y entrevistas de televisión donde la presentadora ELENA LOGAN (Ariana Bruguera), irá entrevistando al SR. GUTIÉRREZ (Pedro Ruiz) en diferentes contextos. El GRAN TARTUFO es una comedia ligera, mordaz, llena de humor, atemporal, ágil, fresca, “políticamente incorrecta”, y con buen ritmo. Una manera perfecta de pasar un buen rato y que garantiza unas buenas carcajadas.
Amapola entertainment
presenta
AQUELLAS PEQUEÑAS COSAS
el musical con las canciones de Joan Manuel Serrat
Enero 2022
(más…)TEATRO VALLE INCLÁN
Centro Dramático Nacional y Buxman Producciones
presentan
LOS DÍAS FELICES
Texto: Samuel Beckett Versión y Dirección: Pablo Messiez
Del 30 de septiembre al 1 de noviembre
Volver a Beckett es recordar que el teatro puede ser otra cosa. Es desintoxicar la mirada de desvíos varios que usurpan las salas cuando estarían tanto mejor en la tele, en el cine, en una columna de opinión de suplemento dominical, o en un libro.
Los días felices sólo puede suceder en la escena. Leerla es incluso bastante engorroso. Pero montarla es encontrarse con un mundo que no se parece a nada y que sin embargo nos interpela directamente.
Las grandes obras, como la música, se inventan un tiempo. Un tiempo que se actualiza en la encarnación en un ahora-siempre. Golpean el centro del corazón de lo humano. Y nos dejan temblando. Intentando entender.
Es un privilegio poder trabajar este material con este equipo y poder contar con Fernanda Orazi y Francesco Carril para volver cuerpo las palabras. Ambos también creadores de tiempos propios y singulares, como todo actor/actriz poeta.
Pablo Messiez
Días Felices es un soplo de aire: una pieza en la que aparentemente no sucede nada, donde Winnie, personaje protagonista, se encuentra atrapada entre la desesperanza de su propia situación y la voluntad de vivir pese a esa carga. Beckett sumerge al personaje en una existencia dramática y por otro lado le dota de una herramienta preciosa para sobrellevarla: el optimismo. Profundamente frívola, atolondrada y charlatana, Winnie persiste en comenzar cada jornada con una dosis de buen humor con el que nos proyecta hacia lo más profundo y básico de la condición humana, recordándonos el valor de la esperanza.
Y para los que disfrutamos del teatro, Dias Felices es una joya. Un torrente de palabras y pequeñas acciones que el autor organiza prodigiosamente, para convertir el escenario en el lugar de encuentro de la plástica, la música y de la poesía, hilos fundamentales con los que una gran actriz pueda tejer un trabajo rico, preciso, emocionante, profundo y cargado de humor, ironía y humanismo.
El director teatral estrena ‘Los días felices’, escrita por el Nobel irlandés en 1961, que protagoniza Fernanda Orazi
- Un Beckett que es Beckett y un Lorca que no es Lorca
- SAMUEL BECKETT, VIDA Y OBRA: “DE EN SILENCIO A OTRO”*