Histórico

Obras que estuvieron en cartel y que ya forman parte de nuestra amplia base de datos

TEATROS DEL CANAL

Producciones Teatrales Contemporáneas

presenta

LA MÁQUINA DE TURING

De Benoit Solès y dirección de Claudio Tolcachir

del 22 de octubre y el 15 de noviembre de 2020

Inspirado en Breaking The Code, de Hugh Whitemore, basada en Alan Turing: The Enigma, de Andrew Hodges   

Manchester. Invierno de 1952. Tras haber sufrido un robo en su casa, el profesor Turing presentó una denuncia en la comisaría. Debido a su aspecto poco convencional, al principio el sargento Ross no lo toma en serio. Pero su presencia no escapa a los servicios secretos. Y por una buena razón, Alan Turing es un hombre con muchos secretos… Desde su increíble determinación de descifrar el código «Enigma», hasta su carrera irreprimible para entender el «código» de la naturaleza, descubrimos a un hombre atípico y entrañable, inventor de “Una máquina pensante”, auténtica génesis de la inteligencia artificial y las computadoras…

Marcado para siempre por la muerte de su amigo de la infancia, Christopher, Alan Turing finalmente será condenado por homosexualidad y terminará sus días, al igual que Blancanieves, comiéndose una manzana envenenada… Aquí está el extraordinario destino de un genio que permaneció injustamente en la sombra y que fue aplastado por la bien pensante maquinaria de la Inglaterra de los años cincuenta.

¡Un hombre que había cambiado el mundo!

Breaking The Code

El nombre de Alan Mathison Turing (1912-1954) suele recordarse con admiración en el ámbito académico pues está asociado con investigaciones pioneras en campos como la lógica matemática, el nacimiento de la informática o la inteligencia artificial, el descifrado de las máquinas Enigma, con trabajos novedosos en morfogénesis y otros casi desconocidos en teoría de la probabilidad y estadística. El recuerdo cambia, según percepciones, al referirse a su vida privada, sobre todo por su juicio y condena por homosexualidad y su temprana muerte por suicidio mordiendo una manzana envenenada con cianuro. 

La figura de Turing es sin duda controvertida y para un personaje de su talla son pocos los libros dedicados a glosar su vida y obra. De hecho, hasta 1983, cuarenta años después de su muerte, no se publicó una completa y documentada biografía: Alan Turing: The Enigma, un libro de Andrew Hodges que se ha convertido en la referencia indispensable sobre la vida del matemático. 

El dramaturgo y guionista británico Hugh Whitemore escribió su obra de teatro Breaking the Code basándose en el libro de Andrew Hodges. La obra se estrenó el 15 de septiembre de 1986 en el Yvonne Arnaud Theatre, en Guildford, con Sir Derek Jacobi interpretando el papel de Alan Turing. Poco después pasó a representarse en Londres y, también con Jacobi como actor principal, en Nueva York en 1987. La producción de Broadway fue candidata a los premios Tony Awards y Drama Desk Awards. En 1995, The Drama House y la cadena de TV WGBH de Boston realizaron una reducida adaptación televisiva para la BBC británica. 

Hugh Whitemore: "Una obra de teatro puede tener éxito sin necesidad de renunciar a nada y sin tener que pedirles a las personas del público que dejen sus cerebros junto a sus sombreros en el guardarropa cuando entren en el teatro". 

Cuenta Hugh Whitemore que, poco antes del estreno, Sir Derek Jacobi entró en pánico al temer que las numerosas y prolijas explicaciones matemáticas contenidas en la pieza pudiesen aburrir a la audiencia y arruinar la representación. La reacción del público fue la contraria, pues Jacobi consiguió transmitir la pasión que un matemático siente, y la pasión con la que un matemático habla de su trabajo. Whitemore realizó un excelente trabajo de documentación matemática y no dudó en introducir en la obra, con notable profundidad, las reflexiones científicas y filosóficas necesarias para poner en contexto las contribuciones científicas de Turing. 

Pero Hugh Whitemore fue más ambicioso y la obra, además de acercar la figura, el trabajo y la tragedia personal del extraordinario matemático que fue Alan M. Turing, ofrece diversos planos de interpretación del significado de su propio título, Breaking the Code (literalmente, "Rompiendo el código"). 

Ciertamente, Turing rompió el código nazi de las máquinas Enigma. Pero Turing también vulneró el código de la moral sexual imperante con su abierta homosexualidad. Ello le llevó a infringir el código de la ley. Más aún, como apunta Stephen Hawking, Turing transgredió un código social muy arraigado en la sociedad británica de la época: "Lo peor, quizá, fue que traspasara la jerarquía social y que intimara con alguien de la clase obrera". Y, finalmente, Turing contravino el código ético-religioso al suicidarse (su madre, ferviente creyente, mantuvo siempre la teoría de la muerte accidental). 

Además, el contraste entre el Turing inocente, vulnerable e ingenuo en sus asuntos personales frente al genio científico permite a Whitemore indagar en el conflicto entre pensamiento y sentimiento. Y utiliza como metáforas algunos conceptos extraídos de artículos de Turing. 

En su artículo Computing Machinery and Intelligence, Turing defendió la idea de que el cerebro humano era, básicamente, una computadora digital y que, por tanto, una máquina computadora podría, en un futuro tal vez no muy lejano, imitarlo y "pensar". Así, en Breaking the Code algunos humanos se comportan como máquinas, siguiendo a rajatabla su "programa": sea éste la ley, como para el sargento Ross, o las normas de seguridad nacional, como para el agente de inteligencia Smith. 

El trabajo de Turing en On Computable Numbers estableció un límite para el poder de las matemáticas, de las computadoras digitales, para decidir sobre la verdad o falsedad de una proposición. Y la obra rebosa de referencias al dilema moral entre la verdad y la mentira. Turing afirma: "Es un artículo técnico de lógica matemática, pero también trata de la dificultad de discernir entre lo cierto y lo falso". Christopher Morcom es tajante: "No debió haber mentido, fue un grave error. Tengo las ideas muy claras acerca de lo que es bueno y lo que es malo, y mentir es siempre malo". Turing inicialmente miente a la policía, aunque luego cuenta la verdad. Ron miente a Turing acerca del robo del dinero en la cartera. El agente del servicio secreto miente a Turing. Knox regaña a Turing por su indiscreción sexual pero le oculta su propia homosexualidad porque, en su opinión, decir la verdad puede ser muy doloroso para los otros: "Cuando usted revela su naturaleza sexual, no puede ignorar el efecto que inevitablemente tendrá en las personas". ¿Codificar un mensaje no es simplemente ocultar la verdad? No obstante, como sentencia Turing: "A la larga, no es descifrar el código lo que importa... es el camino que tomas después. Ése es el verdadero problema". 

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TEATRO FERNÁN GÓMEZ

presenta

ANA, TAMBIEN A NOSOTRO NOS LLEVARÁ EL OLVIDO

de Irma Correa

Del 21 al 25 de octubre 2020

El espectáculo obtuvo en 2019 cuatro candidaturas a los Premios Max y seis Premios Réplica del Teatro Canario:  Mejor Espectáculo, Mejor Dirección, Mejor Interpretación, Mejor Escenografía y Mejor Iluminación.

Ana es un ama de casa convencional de la España de los años 60 casada con Lope, abogado que va a ser nombrado con un puesto en el Ministerio.  Los días de Ana transcurren entre las tareas del hogar, la atención a su marido y las visitas a la peluquería de Satur, consejera y amiga. Su vida dará un giro el día que conoce a Vivian, fotógrafa francesa de espíritu libre que le hará ver que su vida no es, ni de lejos, lo que ella en el fondo ansía.

Ana (También a nosotros nos llevará el olvido), habla de todas esas pequeñas victorias de las mujeres que nos antecedieron, y también de todas las puertas que, como Nora, aún nos quedan por atravesar.


Irma Correa.  Autora

Laboratorio Galdós es un proyecto de innovación escénica enmarcada dentro del Bienio Galdosiano que celebra el 175 aniversario del nacimiento, en 2018, y el centenario de la muerte, en 2020, de D. Benito Pérez Galdós.  Además de la puesta en valor de la herencia del escritor, otros pilares fundamentales del proyecto son la innovación escénica, la participación ciudadana y la aplicación del uso ciudadano del espacio público.

Este proyecto trianual incluye tres producciones que se fundamentan en su literatura (2018), su faceta periodística (2019) y su biografía (2020). Del amplio y variado proceso creativo de 2018, que incluía ensayos abiertos, talleres formativos, trabajos en centros educativos, charlas y ensayo y error, emana Ana, también a nosotros nos llevará el olvido.
El texto de Irma Correa se inspira en la obra Tristana y, con reminiscencias de Casa de Muñecas de Ibsen, lo sitúa en la España de los años 60 para lanzar un mensaje de lucha por la liberación de la mujer en aquella época.

UNAHORAMENOS PRODUCCIONES
Fundada en 1999, la trayectoria de esta compañía va unida a la de su director artístico, Mario Vega. Ha codirigido Longina y Emigrante en La Habana. Ha producido espectáculos como La mosca detrás de la oreja de George FeydeauSofá para dos o Boeing ambas de Marc Camoletti. Vega vuelve a la dirección artística en 2014 con cinco montajes consecutivos (El crimen de la perra Chona (Antonio Lozano Alexis Ravelo), Me llamo Suleimán (Antonio Lozano) o Aladino y El enredo de los genios (Pedro Carballino).  Dirige Los Malditos, primera producción dentro del proyecto de los Corredores Culturales, creado por los socios de la Red Eurolatinoamericana de las Artes Escénicas (Redelae).  Un proyecto bajo la dirección y la producción de Vega en el que participan países como Argentina, Uruguay, Colombia, Guinea Ecuatorial y España.

En 2018 inicia Laboratorio Galdós, un proyecto de artes escénicas basado en la investigación, innovación y participación ciudadana tomando como base la herencia de Benito Pérez Galdós. Este proyecto incluye talleres de formación para profesionales, ensayos abiertos, un área pedagógica, charlas con especialistas… El primer espectáculo de este proyecto es ANA, que ha recibido 5 Premios Réplica en Canarias y el reconocimiento a nivel nacional obteniendo la R de espectáculo Recomendando por la RED de teatros, auditorios, festivales y circuitos de Titularidad Pública, cuatro candidaturas y una nominación en la XXII edición de los Premios Max de Teatro.  Un año después crean el segundo espectáculo, El crimen de la Calle Fuencarral. Un texto de Fabio Rubiano, con
la dirección de Mario Vega (obtuvo la R de espectáculo Recomendando por la RED de teatros, auditorios, festivales y circuitos de Titularidad Pública).

NAVES DEL ESPAÑOL

El Desván Producciones, Festival Internacional de Mérida y Teatro Español

presentan

ANTÍGONA

Obra original de Sófocles le sirve al dramaturgo mexicano David Gaitán para reflexionar sobre el concepto de democracia

El dramaturgo mexicano David Gaitán montó esta versión de Antígona en su país pensando en uno de los hechos más negros de su historia reciente: la desaparición forzada de 43 estudiantes por parte (presuntamente) del Gobierno de entonces y la lucha de sus familiares por saber la verdad. Ahora, la tragedia de Sófocles llega a España para hablar de democracia, de transición, de desinformación, de discursos de odio, de populismos… Un texto atemporal, versionado y dirigido por el propio Gaitán.

Del 25 de marzo al 2 de mayo de 2021 en las NAVES DEL ESPAÑOL

Conversar en torno a la democracia, problematizarla, es desde hace algunos siglos un tema de vigencia garantizada. Sin embargo, en tanto que el teatro tiene la obligatoriedad de hablarle al espectador frente a sí, no basta con asumir que un tema se insertará en el momento sociopolítico solo porque en otras latitudes así lo hizo.

Hace algunos años que monté esta obra en México, la temperatura social estaba determinada en buena medida por un hecho oscuro de la historia reciente mexicana: la desaparición forzada de 43 estudiantes (que se sumó a la de cientos de miles de personas más) por parte -presumiblemente- del gobierno mexicano de entonces. Las salidas en masa que muchas familias hicieron con el fin de encontrar el cuerpo de sus seres queridos para encontrarlos con vida o darles la sepultura que merecían hacían que el proyecto Antígona tomara una relevancia particular desde el ángulo político y un sutil peligro desde el artístico, al correr el riesgo de ser catalogada como una apuesta oportunista frente al dolor de la sociedad.

La dirección de este nuevo montaje va íntimamente ligada con la voluntad de hacer los ajustes necesarios al texto (desde conjugaciones y modismos hasta acentos discursivos) en pro de una comunicación poderosa con quienes asistan a la sala. La democracia representativa, la transición que las fuerzas políticas de oposición tienen que atravesar una vez que consiguen el objetivo de ocupar el poder, la desinformación como estrategia para incidir en procesos democráticos, la popularidad como disfraz para discursos de odio, son algunos de los temas que con Antígona pueden abordarse en aras de dialogar elocuentemente con la sociedad española que potencialmente asistirá a la representación.
David Gaitán

Antígona encarna el conflicto entre la conciencia y la obediencia: entierra a su hermano aunque contradice la ley. Con el rigor intransigente con el que actúa, porque está convencida de que está haciendo lo correcto, convierte a Antígona en una de las figuras teatrales más famosas de la historia.

Antígona es la hija de Edipo. Sus dos hermanos se mataron en la batalla por la ciudad de Tebas. El cadáver del asaltante Polinices no debe ser enterrado por orden del rey Creonte, sino que debe arrojarse a las aves en busca de comida frente a las murallas de la ciudad de Tebas. Esa es la nueva ley.

Pero Antígona siente que la voluntad de los dioses no se toma en cuenta en este mandamiento y entierra secretamente a su hermano en la noche. Ella sabe que por su insubordinación tiene que esperar la pena de muerte. Cuando se encuentra a Polinices cubierto de tierra y polvo por la mañana, los guardias lo desentierran, con lo cual Antígona lo entierra de manera demostrativa a plena luz del día. Creonte es indignante, pero Antígona se enfrenta a él. Por su orden, ella es castigada, enterrada viva.

Sófocles, poeta, político y sacerdote, creía en la musa del poeta, en la compasión de los dioses, pero también sabía como político que era cómo librar guerras y qué significa exigir obediencia por la fuerza.

TEATRO FERNÁN GÓMEZ

presenta

BIEN ESTÁ QUE FUERA TU TIERRA, GALDÓS

Del 15 de octubre al 29 de noviembre 2020

Una obra concebida como un proyecto de indagación en sí misma.  De este modo, a través del juego entre las fronteras de la ficción, los cinco actores del espectáculo se verán reconvertidos en investigadores escénicos. Todo comienza con una pregunta: ¿Cómo repensar a Galdós desde el siglo XXI?.

La respuesta a ello llega con un golpe de suerte: el descubrimiento en los archivos de la Biblioteca Nacional de la autobiografía novelada que Galdós escribió en sus últimos días y que jamás dio a conocer. A través de la escritura y dramatización en directo de estos manuscritos, los ecos de la historia e intrahistoria de nuestro país atravesarán la representación: Sisita, José María de Pereda, Real Academia Española, Concepción Arenal, El Liberal, Pardo Bazán, Café Universal, Valle Inclán, Maura, Isabel II, Exposición Universal, Partido Socialista Obrero Español, Margarita Xirgú, Clarín, Teatro Español…

Recordar hoy a Galdós implica adentrarse de lleno en la complejidad de su personalidad, en la variedad de su literatura y en el enigma de algunos de los aspectos de su pensamiento: recuperar su identidad a través de cómo Galdós se ha comunicado con el mundo, supone encontrar una fecunda red de interconexiones que permitan trasladar al presente escénico la esencia de lo que verdaderamente pudo ser el escritor canario. Por ello, tras un fecundo año de conferencias, charlas y diferentes adaptaciones de su obra literaria, la dramaturgia que hemos planteado quiere funcionar, en cierto modo, como aire fresco (tanto conceptualmente como por los textos escogidos) que arroje nueva luz sobre Galdós y la sociedad de su tiempo: un viaje de ida y vuelta que acabe llegando
a cómo hoy en día el escritor continúa teniendo mucho que decirnos.

A lo largo de las escenas ondearán las voces no solo de los principales personajes de nuestra historia, sino también de todas aquellas personas y momentos que influenciaron en la óptica con la que Galdós aprendió a mirar el mundo. Entender, por lo tanto, la manera tan estrecha en la que obra y vida del escritor dialogaron.  Espectáculo concebido de forma caleidoscópica que descubra al espectador la capacidad de Galdós para navegar por lo más recóndito del ser humano, de la sociedad española: descubrir y manifestar sin reparos la incomodidad que supone contemplar las aristas de lo que aún continuamos sin saber solucionar. Por todo ello, importa, más que nunca, exclamar: “¡Bien está que fuera esta tu tierra, Galdós!”, pues solo así el público del siglo XXI puede advertir la suerte de que nuestro patrimonio cultural pueda contar con la fuerza de unas palabras que continúan generando ecos y paralelismos con nuestro presente.


PROYECTO PEDAGÓGICO: Perfil de Instagram de Galdós.

VENEZIA TEATRO ha creado un perfil de Instagram de Benito Pérez Galdós, ViveGaldós, orientado a colegios e institutos. De este modo, el alumnado podrá conocer aspectos de la vida y obra de Galdós a través de las imágenes, vídeos y comentarios que el escritor irá publicando en su cuenta. El taller, que se realizará después de las funciones, busca establecer un puente entre generaciones a través de la creatividad y el ocio. Acercase a Galdós desde el juego y la curiosidad, desempolvando a un escritor para que deje de ofrecer una visión alejada y ajena a nuestro universo. Ofrecer, en definitiva, a los más jóvenes la oportunidad de descubrir o re-descubrir a Galdós desde otro prisma de absoluta actualidad.

TEATRO MARÍA GUERRERO

Centro Dramático Nacional, Check-In Producciones y Pedro Hermosilla Producciones

presentan

QUERIDO CAPRICHO

de  Tomás Cabané en colaboración con Tomás Pozzi

Del 20 de noviembre al 13 de diciembre de 2020; de martes a jueves a las 18h.

Enamorarse de un hombre veinte años menor y encerrarse en una habitación a esperar su llamada puede parecer una salvajada. Esto puede convertirse en una vieja estampa de amor o en la mayor de las tragedias. Es una historia de ocho encuentros, con mezcla de recuerdos y ficción que se proyectan en una frágil correspondencia.

No queremos ni un disfraz, ni una máscara, sino su esencia como mujer. Su cuerpo reflejará el paso del tiempo y una lista de lametones y maldiciones... Ella se ha cansado de esperar y ya no cree en el amor como lo hacía antes, ahora lo ve como un simple capricho.

Tomás Pozzi

Licenciado en arte dramático por la Escuela Nacional de Arte Dramático de Buenos Aires.

En teatro ha intervenido en diversos montajes, entre ellos, Dos noches con Don Juan (Mario Gas); Black el payaso(Ignacio García); Itaca (Francisco Suárez); Últimas palabras de Copito de Nieve y La noche y la palabra (Andrés Lima); Beautiful peopleDesinsectaciónCorazones perversasHamletHe visto a Dios o El Principito.

En cine ha intervenido en películas como Manolete y La máquina de bailar y le hemos visto en las series de televisión AídaLos SerranoMis adorables vecinosTirando a dar y Matrimonio con hijos.

Entre los premios obtenidos hay que destacar el de mejor actor por Beautiful people, en la Muestra de Teatro de Barcelona, y el de mejor actor de la Universidad Austral.

Tomás Cabané

Nacido en Granada. La primera obra que escribió fue Viaje a Francia (2006), seleccionada en el Certamen de Familia organizado en la Sala Cuarta Pared. Después, se forma como actor en la Escuela Municipal de Arte Dramático, con profesionales como Carmen Rico y Santi Senso. Más tarde, se gradúa en Dirección de Escena y Dramaturgia por la Real Escuela Superior de Arte Dramático.

En la actualidad es director y productor de su propia compañía, Malala Producciones, con la hace un trabajo de búsqueda e investigación hacia un lenguaje propio, mezcla de danza y teatro. También es profesor de interpretación para adolescentes en la escuela Primera Toma Coach. Su obra En La Capital ha sido estrenada en 2018 en Lima, Perú.

TEATRO LARA

presenta

DESDE EL SOFÁ

Del 7 Mar al 25 Abr 2021
Domingos 18:00 h

Llega al Teatro Lara el monólogo musical que ha triunfado en Argentina. Protagonizado por Gisela Novais, nos hará reflexionar sobre quién somos y qué queremos de nosotros mismos.

Con la música, el humor y la emoción como vehículo, “Desde el Sofá” llegará al corazón del espectador revelando la única verdad inexorable: Todos nos vamos a morir…Pero  ¿Qué vamos a hacer mientras la vida este ganando, momentáneamente, la partida?

SINOPSIS

Una noche de insomnio Ana, tras la muerte de su vecina, se hará una existencial pregunta: “Si me muriera mañana, ¿he hecho todo lo que me gustaría hacer?” A través de una estructura musical, Ana comenzará un diálogo consigo misma que le disparará un sin fin de pensamientos, contradicciones y emociones.  Y se encontrará hablando del amor, de las redes sociales, de la soledad, de la muerte, de Dios.

TEATRO VALLE INCLÁN

Centro Dramático Nacional con la colaboración de Octubre Producciones

prentan

TRIBUS

de Nina Raine

El CDN repite con Nina Raine. Tras la magnífica CONSENTIMIENTO, que la afianzó como una de las dramaturgas británicas más interesante del momento; ahora se estrena TRIBUS, justo su anterior obra, con la que ganó numerosos premios.

Tribus trata sobre el lenguaje, sobre los signos, sobre la comunicación. Tribus trata sobre una familia, y sobre el concepto mismo de grupo, de clan, y lo que nos hace pertenecer a uno, y, quizás obligatoriamente, nos separa del resto. El texto de Raine es agudo, luminoso y en ocasiones oscuro y opaco. En esto, es igual que la lengua que hablamos, cualquiera que sea, español, inglés, o igual que cualquier lenguaje que utilicemos, puede ser un instrumento de comunicación, o una barrera infranqueable, dependiendo de la voluntad de aquellos que lo usan. Raine nos muestra, con humor y contundencia, que el lenguaje, ya sea nuestra lengua oral, o la lengua de signos, o del tipo que sea, es solo una herramienta. La voluntad de qué hacer con ella está en el que la usa. Recordemos eso.

Ojalá esta pieza pueda hacernos, a nosotros los primeros, al explorarla, revisar muchas cosas que damos por sentadas acerca de la comunicación, y de la pretendida identidad que surge de dominar un idioma. En ese aspecto, Tribus es un tour de force extremadamente divertido y profundamente inclemente.

Julián Fuentes Reta ( es director, dramaturgo, actor y pedagogo en Australia, Canadá, Vietnam, Francia, Portugal, Italia y España. Es director artístico de la compañía Corazón de Vaca, en la que ha integrado instituciones y actores australianos y aragoneses. Triunfó en el Teatro Español de Madrid con la obra ‘Cuando deje de llover’, del australiano Andrew Bovell. Con ella consiguió el premio Max a la mejor dirección de escena y al mejor espectáculo teatral en 2015. Repitió con Bowell la pasada temporada "Las cosas que sé que so de verdad")

TEATRO MARÍA GUERRERO

La sala Beckett

presenta

EL CHICO DE LA ÚLTIMA FILA

de Juan Mayorga

Desde su estreno en el 2006, El chico de la última fila se ha representado una y otra vez en varios paises. François Ozon se encargó de llevarla al cine : Dans la maison (En la casa). La película ganó la Concha de Oro en el Festival de San Sebastián y Juan Mayorga Recogió el Premio del Jurado a Mejor Guion.

Un día, corrigiendo un examen de fracciones, leí algo parecido a esto: “Juan no puedo contestar nada porque no he estudiado pero últimamente estoy jugando muy bien al tenis el domingo me sacaron en el Marca voy a ser un campeón y tú y yo vamos a ir a celebrarlo”. Recuerdo que inmediatamente pensé: “Qué interesante que un alumno utilice un ejercicio escolar para contarte su vida”.

Lo cierto es que esas frases mal puntuadas que me entregó un adolescente me impulsaron a soñar una obra cuya acción tiene lugar en dos espacios de encuentro y, por tanto, de conflicto: el hogar y la escuela. Una obra sobre padres e hijos, sobre maestros y discípulos, sobre personas que han visto demasiado y personas que están aprendiendo a mirar. Una obra sobre el placer de mirar las vidas ajenas y sobre los riesgos de confundir lo vivido con lo imaginado, una obra que quiere hacer teatro del acto mismo de imaginar. Una obra, en fin, sobre los que eligen la última fila: aquella desde la que se ve todas las demás.

Juan Mayorga

SINOPSIS

Germán , es profesor de literatura en un instituto poblado de jóvenes con poco interés por los clásicos y nula capacidad de expresión escrita. Germán se desespera corrigiendo redacciones hasta que el texto de Claudio lo rescata de su tedio y lo engancha con la promesa de un continuará… A partir de aquí, surge entre el adulto y el chaval un vínculo tan intenso como peligroso. Peligroso para ellos y para quienes les rodean.

MAYORGA teatro 1899 - 2014

TEATRO MARÍA GUERRERO

Centro Dramático Nacional

presenta

TRANSFORMACIÓN

de Paloma Pedrero

del 2 de octubre al 8 de noviembre de 2020

Un día mi hija con dieciocho años me dijo que era un hombre. Al principio no acabé de creerlo, pero enseguida sentí que eso iba en serio. Entonces, tan ignorante yo entonces, comencé a hacerme muchas preguntas sin orden ni concierto. Pero, ¿qué pasó? ¿Por qué se siente hombre si su cuerpo es de mujer? ¿Por qué no acepta sus senos recientes o le desespera tanto la regla? ¿Cuándo descubrió lo que era? ¿Por qué es tan grande su deseo de hacer la transición aún a costa de jugarse su salud o su fertilidad? ¿Hice yo algo mal? ¿Qué pensarán los otros?

Esta obra nos habla de ese tránsito, de ese camino en el que nuestros protagonistas trans van decidiendo qué identidad desean construir y su relación con el mundo hostil que les rodea y les rechaza. Ellos nos van a revelar el significado de esa transformación, que es un “cambiar de forma”; un evolucionar, crecer, transmutar.

Un ejemplo de lo que, a mi entender, hemos de preguntarnos todos, ¿quién soy yo? Para así poder hacer el camino incesante de una transformación consciente. Para ser más felices. Para dar más felicidad. Para mejorar este desolado mundo que se resiste a aceptar la diversidad humana.

Nuestros valientes actores trans nos van a contar ese proceso. Su camino hacia el ser.

Paloma Pedrero

"Hay miedo a las personas 'trans', pero éstas nunca van a quitarnos nada"

Paloma Pedrero: “Ninguna persona trans tiene que esconder lo que es”

SALA CUARTA PARED

La Belloch Teatro

II Beca de Dramaturgia Contemporánea El Pavón Teatro Kamikaze.

presenta

OTOÑO EN ABRIL

Del 10 al 26 de febrero de 2022. De jueves a sábado a las 20h30. 

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TEATRO VALLE INCLÁN

Centro Dramático Nacional

presenta

NOCHE OSCURA

del 15 al 20 de septiembre de 2020

“Lo que el hombre recuerda, lo que el hombre entiende,
lo que el hombre hará”

entradas agotadas

Juan de Yepes y Álvarez, fue una figura solitaria y singular.
Tomó por filosofía la mística, que es ansia de lo absoluto y de la perfección hecha sustancia; hábito y virtud; un anhelo de llegar al Ideal del universo y de la Humanidad para identificar el espíritu con el cuerpo; un deseo de sentir la ciencia de tal modo que sea amor, y así, sustancia y acción refleja del alma.


Noche oscura plantea un trabajo de arranque que indague una dramaturgia en la que voces y silencios, nos abran paso a través de la idea de la experiencia mística del poeta, conectándola con el pensamiento sufí e interpelando al hombre de hoy.


El trabajo de investigación formal propone una construcción que se apuntale en una reflexión tanto como una invitación a observar el presente desde el lugar del itinerario místico, desarrollarse desde la pasión por el silencio y la palabra en la mística para articular un espacio de expresión donde gesto, movimiento, acción, palabra, imagen y música, se articulen como si de una experiencia espiritual se tratara.

OFF LA LATINA

KNOUT

presenta

EL GUANTE Y LA PIEDRA

Los días 17 y 26 de julio  en la Sala OFF Latina , 'EL GUANTE Y LA PIEDRA', texto unipersonal escrito por el actor argentino Quique Fernández, dirigido por Nacho Diago e interpretrado por Pablo Blasco, y el cual narra la historia de Nelson Villa, boxeador español exiliado en Francia. 

¿Elegimos o transitamos una camino ya trazado? Regresa EL GUANTE Y LA PIEDRA ,un original monólogo teatral escrito con humor y poesía por Quique Fernández.

La primera versión de este texto dramático nace en el año 2009. En principio como un tríptico que sería representado en un mismo espectáculo. Tres historias de tres personajes diferentes a quienes unía una misma línea argumental;  la toma de decisiones.

Desde aquel  punto de partida  y a lo largo de diversas revisiones, cada una de estas historias fue creciendo y mostrando muchas más capas subyacentes.

Ahondar en la condición humana, en las justificaciones que cada ser encuentra a su comportamiento, a su modo de andar por la vida. Este viaje a través de la vida de nuestro boxeador, estará rodeado por la influencia del destino y el azar, el eterno dilema acerca de hasta donde somos dueños de nuestro porvenir; ¿Son nuestras antiguas decisiones las que nos han llevado hacia dónde estamos? ¿O algo se interpuso en algún rincón del camino quitándonos la posibilidad de elegir?

SINOPSIS

“Yo que sé si uno elige o no elige, el caso es que hay cosas que no te las esperas en la vida ¿no te pasa? Despertarte una mañana, mirar alrededor y pensar; ¿En qué momento elegí todo esto?”

Nelson Villa, el personaje principal de nuestra historia, nos habla desde el recuerdo de una época pasada: la campiña Francesa donde vivía, su entorno, sus valores, su incursión en el boxeo y en la danza. Las divertidas anécdotas se suceden unas tras otras, dejándonos conocer, mientras tanto, un abanico de personajes que influyen en la vida de nuestro protagonista. En un momento del viaje conoceremos a André, quien tendrá un papel decisivo en el porvenir de Nelson y en el desenlace de su historia.

¿Elegimos? ¿O solo transitamos un camino ya trazado?