Histórico

Obras que estuvieron en cartel y que ya forman parte de nuestra amplia base de datos

GALDÓS EN EL ESPAÑOL

Centenario Benito Pérez Galdós

DEL 3 AL 26 DE NOVIEMBRE DE 2020

Las chicas Galdós”, se han organizado para rendirte homenaje y darte gracias por darles vida.

Algunas de tus chicas, como las de Almodóvar, “las chicas Galdós”, se han organizado para rendirte homenaje y darte gracias por darles vida. Isidora, trabajadora y voluntariosa. Electra, magnética y revolucionaria a su pesar. Laura de la Cerda, enferma y frágil, prudente y compasiva. Lucrecia con Nell y Dolly agarradas de su mano. Bárbara, con pose de estatua griega. Casandra, con la mirada perdida y Celia, curiosa y decidida. Siempre fuiste un “mujeriego”, criado por mujeres, enamoradizo y deseando siempre su compañía.

“Sin mujeres no hay arte; [...] Ellas son el encanto de la vida, el estímulo de las ambiciones grandes y pequeñas; origen son y manantial de donde proceden todas las virtudes. [...]. Obra de ellas son los más gloriosos triunfos del bien; obra nuestra las privadas desdichas y las públicas catástrofes. Es destino ineludible de ellas amar al hombre y este debe consagrarles toda su inteligencia y su amor entero.”

Las “chicas Galdós” han quedado para “gandulear” por el centro de Madrid, igual que solías hacer, y reunir un buen ramo de flores, flores exóticas, multirraciales, multiculturales, de colores brillantes y variados, con perfume a las Canarias de tu infancia, como una metáfora del actual Madrid. Han subido con paso alegre por la Cuesta de Moyano para dejar bajo tu estatua muchas, muchas flores frescas, las que te gustaban: “Cuando las rosas mueren, el mundo se pone serio.” Un ramo de flores frescas. Flores para Galdós

VOLUNTAD                                                 

3 – 5 noviembre
Dirección Carolina Román
Dramaturgia María Prado

ELECTRA                                                            

6 – 8 noviembre
Dirección Ester Bellver
Dramaturgia Irma Correa

ALMA Y VIDA                                               

10 - 12 noviembre
Dirección Pilar Massa
Dramaturgia Yolanda García Serrano

EL ABUELO                                                    

13 - 15 noviembre
Dirección Rosario Ruiz
Dramaturgia Sandra Ferrús

BÁRBARA                                                    

 17 - 19 noviembre
Dirección Maite Pérez Astorga
Dramaturgia Lucía Carballal

CASANDRA                                                 

20 - 22 noviembre

Dirección Aitana Galán
Dramaturgia Blanca Baltés

CELIA EN LOS INFIERNOS               

24 - 26 noviembre
Dirección Vanessa Martínez
Dramaturgia Eva Redondo

TEATRO ESPAÑOL

presenta

MUJERCITAS (EN PALABRAS DE JO…)

De Louisa May Alcott Versión Lola Blasco

DEL 15 DE OCTUBRE AL 8 DE NOVIEMBRE DE 2020

Reformulación de la inmortal novela de Louisa May Alcott, con la dirección de Pepa Gamboa y adaptación de Lola Blasco.


El Teatro Español, espacio del Área de Cultura, Turismo y Deporte del Ayuntamiento de Madrid, presenta el 15 de octubre el estreno absoluto de En palabras de Jo… Mujercitasobra de Lola Blasco en la que, a partir del original de Louisa May Alcott, se narra el proceso de escritura de la célebre novela, al tiempo que traza un repaso por la biografía de su autora.
Dirigida por Pepa Gamboa y protagonizada por las actrices Paula Muñoz, María Pizarro, Carolina Rubio, Clara Sanchis, Maite Sandoval y Andrea Trepat, la obra estará en cartel en la Sala Principal del Teatro Español hasta el 8 de noviembre

En palabras de Jo... Mujercitas narra el proceso de escritura de la célebre pieza de Louisa May Alcott y que tanto ha influido en diferentes mujeres de generaciones posteriores. Así, haciendo uso de otras piezas de la escritora (también sus dramas y sus novelas eróticas) y de sus firmes convicciones políticas y feministas, volvemos a revisitar la célebre Mujercitas, desde el presente, desde la ironía, desde el doble significado, leyendo “entre líneas”… desde lo que quizás… a la vista de la biografía de la autora… pensamos que quería decir. 

MUJERCITAS (EN PALABRAS DE JO…) en el Teatro Español


Lola Blasco

Cuando tenía cinco años mi madre me leyó Mujercitas, y antes de cumplir los diez me regaló un ejemplar para que fuera mío y lo leyera yo. Eso fue a principios de los 70, y aquel mundo de mujeres de la familia March me deslumbró. La imagen de Jo leyendo un libro en lo alto de un árbol se me quedó grabada para siempre. Con el paso del tiempo me di cuenta de que aquella experiencia era compartida. Casi todas las chicas que he conocido recuerdan algo especial asociado a su lectura. Y con los años esa lista no ha hecho más que crecer en el ámbito de la cultura: artistas como Gertrude Stein, Patti Smith, Simone de Beauvoir y Joyce Carol Oates le brindan un sincero elogio. Y lo hermoso es que bajo sus palabras se percibe el reconocimiento de una deuda para con esta obra, que de alguna manera marcó sus vidas. ¿Cómo pudo marcar positivamente la vida de tantas mujeres, incluida la autora de El segundo sexo? ¿Qué hay de especial en Mujercitas? Preguntas emocionantes sin duda, ante las cuales me lanzo a la aventura de dirigir esta nueva relectura de un clásico de la literatura femenina y mundial.


Pepa Gamboa

https://twitter.com/TEATROMADRID/status/1318663440676900869?s=20

TEATRO ESPAÑOL

 Teatro Español y La Radical Teatro

presentan

AMBIENTE FAMILIAR

(Mínimo 2 noches)

De  Aitana Galán y Jesús Gómez Gutiérrez

DEL 8 DE OCTUBRE AL 1 DE NOVIEMBRE DE 2020

Anita, una joven turista norteuropea, se hospeda unos días en la habitación de una casa particular que ha alquilado a través de una conocida plataforma de internet. El devenir de la vida de sus anfitriones se integra así en la alegre despreocupación de sus días de vacaciones. Éste es el punto de partida de Ambiente familiar (mínimo 2 noches), una comedia escrita en siete trancos que transcurre en el Madrid de hoy, donde el sol, las excursiones a lugares emblemáticos, el vino y la fiesta de un turismo masivo conviven con una población acuciada por la especulación inmobiliaria y los desahucios. 

Un personaje de Valle-Inclán, quizá el mejor de los madrileños nacidos en Galicia, afirma en La corte de los milagros que en Madrid no hay secretos; tampoco los hay en esta historia de causas dignas y hogares rotos en un país que tiene motivos extraordinarios para no perder el sentido del humor. 

Memoria, olvido, tiempo. El hilo de Ariadna se teje en los términos expresados por Antonio Machado: «ni el pasado ha muerto, ni está el mañana -ni el ayer- escrito», y así nació la obra que les presentamos, entre la Plaza Mayor de Madrid y la Plaza Mayor de Toledo, aferrada a leyendas y a hechos difícilmente discutibles. Para un turista, sus calles son lugares de diversión con fondos perfectos para hacerse fotos: llegan, pasean y se van, quizá notando la placa que en tal o cual fachada mencionaba el nombre de un autor, una batalla, un libro. Cuesta no verlas; los siglos han escrito mucho. Y abajo, donde la arquitectura se  transforma en carne, quizá no vieran los cuerpos del ejército de desahuciados y excluidos que tienen por hogar esas mismas calles. Evidentemente, no nacieron allí. Algunos crecieron y vivieron en esos mismos edificios, reconvertidos en hostales, hoteles y, en la mayoría de los casos, huecos vacíos que tienen que estarlo porque, si no lo estuvieran, la oferta superaría a la demanda y hundiría los precios. De eso trata nuestra historia, que está lejos de haber terminado.
Aitana Galán y Jesús Gómez Gutiérrez

TEATRO DE LA ABADÍA

Teatro Real y Teatro de la Abadia 

presentan

MARIE

Libreto: Lola Blasco . Música: Germán Alonso

Del 9 al 17 de enero, 2021. 

Inspirado en el icónico personaje de WoyzeckMarie es una tragedia contemporánea a partir del libreto de Lola Blasco, que fue Premio de Literatura Dramática 2016; la música del internacionalizado Germán Alonso, en cuyas composiciones está muy presente la música electrónica; y bajo la dirección de Rafael Villalobos, una de las figuras emergentes de la ópera española, Premio Europeo de Dirección 2013.

Marie ahonda en las dificultades de una madre soltera frente a su libertad sexual que acaba siendo lapidada por la sociedad y asesinada por su amante. 

Si la obra de Georg Büchner y su homóloga Wozzeck de Alban Berg están consideradas la tragedia del hombre contemporáneo, Marie plantea la tragedia de la mujer contemporánea. A través de catorce estaciones asistiremos al ViaCrucis de Marie. Como si de un juicio se tratase, conoceremos a nuestra protagonista tanto a partir de los testimonios que se ofrecen de ella como de la creación ficcional que su autora hace de un personaje que es silenciado antes de tiempo, en una obra donde la superposición de planos hace que la realidad se diluya.

Marie supone a su vez una deconstrucción de la composición de Berg, paradigma de la música del siglo XX, así como una vuelta a los orígenes de la ópera como género intrínsecamente ligado a la tragedia griega entendida como una amalgama de expresiones artísticas con vocación.

TEATRO DE LA ABADÍA

Inés Gutiérrez ( Impulsarts)

presenta

RONEM RAM

de Jesús Nieto

Del 16 al 30 de diciembre, 2020. 

R O N E M R A M Ficción especulativa sobre un planeta dañado es una evocación dolorosamente bella de una realidad desaparecida, contada en retales y paisajes de naturaleza y envuelta en una brisa cálida de melancolía. Es una mirada sobre el futuro desde un presente cambiante, veloz e incierto, construida a través de la investigación científica, tecnológica y artística para proponer una reflexión sobre la crisis climática a partir del actual colapso medioambiental del Mar Menor, en el campo de Cartagena (Murcia).

Este espectáculo-instalación de Jesús Nieto/Onírica Mecánica, es un complejo dispositivo escénico de ciencia y ficción que combina artes plásticas, arte sonoro y diversos recursos tecnológicos desde una mirada narrativa y teatral. Cada espectador/visitante recorrerá, siguiendo el sonido de sus auriculares, diferentes piezas plásticas interactivas y alguna presencia humana en un extraño viaje a un ecosistema especulativo de futuro.

Además de una obra física, R O N E M R A M Ficción especulativa sobre un planeta dañado es una pieza expandida en el ámbito virtual. Es una emisión en directo desde el propio espacio o festival en horario distinto al de las representaciones. Así, expandimos la propuesta a otros lugares y colectivos que no tienen la posibilidad de acudir al teatro. Esta adaptación a un nuevo formato (zoom), forma parte de un proyecto de investigación y creación de Jesús Nieto/Onírica Mecánica sobre el proceso de adaptación de cualquier ser vivo a sus condiciones medioambientales como metáfora de la creación escénica actual en profunda transformación y cambio. Asistimos al nacimiento de este y otros organismos escénicos híbridos que conforman mecanismos de adaptación y supervivencia para las artes vivas.

TEATRO DE LA ABADÍA

Sleepwalk Collective

presenta

SWIMMING POOLS

Del 9 al 13 de diciembre, 2020. 

Swimming Pools es el nuevo proyecto de creación de la compañía hispanobritánica de escena contemporánea Sleepwalk Collective. El proyecto parte de una nueva fase en el trabajo de la compañía: a medida que han comenzado a distanciarse de las estrategias lo-fi y diy propias de la creación a pequeña escala que han definido la primera década de su trabajo colaborativo, y se han acercado a prácticas y estructuras mayores, más expansivas y ambiciosas. 

A través de una serie de piscinas imaginadas, dispuestas como los niveles ascendentes de un videojuego retro, se desborda una secuencia de monólogos íntimos, todos ellos equilibrados sobre el fino filo que separa revelación de delirio. A medida que nuestras protagonistas susurran y ejecutan sus confesiones a través de las voces y cuerpos de las cuatro mujeres que habitan la escena, la piscina en sí misma vuelve a concebirse como una especie de utopía artificial, un paraíso en miniatura, un lugar para milagros extáticos y belleza de otro mundo.

Luchando intrépidamente con los demonios particulares de principios del siglo XXI: capitalismo despiadado, masculinidad tóxica, aburrimiento cibernético y fatiga emocional, Swimming Pools es una nueva pieza psicodélica de danza-teatro acerca del deseo y la melancolía, y de cómo parece que podríamos vivir juntos bajo el brillo cegador del futuro.

TEATRO DE LA ABADÍA

 Sala Beckett, Titus Andrònic, SL, Heartbreak Hotel y Temporada Alta 2019

presentan

UN PAÍS SIN DESCUBRIR DE CUYOS CONFINES NO REGRESA NINGÚN VIAJERO

de Àlex Rigola

Del 24 de noviembre al 6 de diciembre, 2020. 

Àlex Rigola recibió la propuesta de hacer una obra sobre la muerte. Y lo que salió fue, en realidad, una sobre el individualismo, el neoliberalismo, la familia, lo inmaterial, la humanidad, lo grupal, el existencialismo, la supervivencia, la amistad, el amor. En definitiva, un espectáculo sobre la vida a partir de la muerte.

En Un país sin descubrir de cuyos confines no regresa ningún viajero la puesta en escena es muy sencilla: una actriz, un actor, una mesa, un ordenador y una pantalla donde aparecen preguntas. La dramaturga y actriz Alba Pujol mantiene una conversación con su padre, Josep Pujol, catedrático de Historia de la Economía, e interpretado por Pep Cruz, durante su último ciclo de quimioterapia.

La obra se estructura a través de la adaptación de las transcripciones de las conversaciones entre padre e hija, con Cioran, Shakespeare, Lacan, Gil de Biedma, Eugenio, los hermanos Coen, o Peter Handke como compañeros de un viaje en el que la pulsión de muerte nos lleva a la vida. 180 páginas de material que, después, se perfilaron, releyeron y recolocaron para generar esta obra en el que la preparación del entierro y el funeral conduce a profundas reflexiones, pero también a una mirada repleta de sentido del humor.

Hablando directamente con el público, los dos intérpretes relatan y reviven estas conversaciones. Rigola nos da, con la ayuda de las palabras de Josep Pujol, una lección de vida, de amor, de relaciones entre personas y de enfrentamiento a la muerte digna de una perspectiva apacible y rica en conocimientos.

una lección de vida, de amor, de relaciones entre personas y de enfrentamiento a la muerte digna de una perspectiva apacible y rica en conocimientos.

TEATRO DEL BARRIO

El Teatro del Barrio, en colaboración con La Abadía

presentan

LOS QUE HABLAN

de Pablo Rosal

Domingos de mayo a las 13h.

(más…) Comprar entradas

TEATRO DE LA ABADÍA

Matarile Teatro

presenta

DAIMON Y LA JODIDA LÓGICA

de Ana Vallés

Del 8 al 11 de octubre, 2020. 

Matarile Teatro lleva la friolera de tres décadas creando vanguardia sobre las tablas. Pionera de un teatro innovador en España, es un referente indiscutible de nuestra escena contemporánea. Su teatro provoca el milagro por el que el espectador se siente partícipe de algo único e irrepetible. Matarile no busca espectadores, sino interlocutores. Como demuestra con la puesta en escena de Daimon y la jodida lógica.

El Daimon, como el teatro de Matarile, puede adquirir distintos significados en función del contexto en el que se sitúe. Para la creadora Ana Vallés, esta figura mitológica de la cultura griega o romana es, desde su perspectiva, “el destino, la voz de la conciencia, la intuición, un ángel o un demonio, el rumoreo de la voz interior que detiene o empuja. Una presencia oculta, imprevisible, que determina actos y decisiones que no podemos explicar racionalmente”.

Daimon y la jodida lógica se representa con un equipo de 14 personas. Actores, músicos y bailarines forman parte de un montaje en gran formato, con música original, y la constante búsqueda de huir de todo tipo de etiquetas para definir el trabajo de esta compañía gallega de vanguardia tras 30 años de trayectoria.

A Vallés le interesa que “DAIMON también es yo, nuestro yo incomprensible, una parte de nosotros que conecta con lo irracional, con el misterio, con lo fantástico; una puerta a lo extraordinario, a lo que nos salva, a lo sublime o a la locura”. Y sentencia: “digamos que esta mujer no es feliz, nunca lo fue. Digamos lo que fue hallado dentro de un armario, en el ropero. Hablemos de pelucas conviviendo con ensayos de filosofía. Hablemos de desayunos, de cigarrillos, de manos, de refugios, quizás del gato, de aquella voz; de las cosas que importan”.

EL TEATRO DE LA ABADÍA

presenta

QUIJOTES Y SANCHOS

Carlos Tuñón

Experiencia itinerante.

Del 27 de abril al 23 de mayo, 2021.

Quijotes y Sanchos es una travesía audioguiada para 20 participantes, una experiencia inmersiva por el barrio de Chamberí; mirarás el mundo con los ojos de Quijote o de Sancho durante dos horas y media.

En el prólogo de El Quijote, Cervantes pregunta a un amigo: “¿Cómo llenar el vacío de mi temor? ¿Cómo reducir a claridad el caos de mi confusión?”. Como respuesta a esta pregunta, la compañía [los números imaginarios] bajo la dirección de Carlos Tuñon, proponen: camina y escucha con nuevos ojos.

Quijotes y Sanchos es teatro inmersivo, una travesía audio-guiada a través del madrileño barrio de Chamberí y que parte de El Quijote para convertir a los participantes en protagonistas de una experiencia única: durante dos horas mirarán el mundo con los ojos del Quijote o de Sancho.

La experiencia no intenta recrear literalmente los acontecimientos de El Quijote, sino que los usa de marco para reflexionar con el espectador de manera íntima sobre qué es ser Quijote o Sancho hoy en día, en qué mundo nos encontramos, cómo observarlo desde otro prisma y, sobre todo, qué es acompañarnos y cómo hacerlo.

Diseñada para un grupo máximo de 20 oyentes, participantes-protagonistas, esta experiencia es individual, pero como sucede en la obra maestra cervantina, siempre habrá una presencia cerca de ti acompañándote. Nunca caminarás en soledad.

Cada participante utilizará una audioguía personalizada que le dará instrucciones para caminar conectando el Teatro de la Abadía con sus alrededores y con el mundo imaginado en El Quijote de Cervantes, una obra universal que atraviesa culturas y continentes, y que ofrece un marco único para compartir un imaginario común con el público.

TEATRO COFIDIS ALCÁZAR

Ainé Producións, Undodez y Oqueteño Media

presentan

FARIÑA

De José L. Prieto y Nacho Carretero

Desde el 17 de diciembre de 2020

Nacho Carretero y Xosé A. Touriñán llevan al teatro Cofidis Alcázar de Madrid Fariña, una adaptación de la exitosa obra de Carretero sobre la historia del narcotráfico en Galicia en las últimas décadas del pasado siglo. Dirigida por Tito Asorey, cuenta en su elenco con Marcos Pereiro, María Vázquez, Sergio Zearreta, Víctor Duplá y Cristina Iglesias, además del propio Touriñán.

Fariña no permite al espectador ni acomodarse en la butaca. A una imponente descarga suceden conversaciones entre jóvenes y vecinos de los pueblos hablando, comprando, consumiendo y manejando con soltura el famoso Winston de batea. El fenómeno está en marcha.

El elenco de actores entra y sale de la escena metiéndose en la piel de decenas de personajes entre situaciones familiares: un alcalde corrupto dispuesto a financiar una verbena, los vecinos más jóvenes probando la mercancía a escondidas...

El salto al narcotráfico ocurre en el escenario con la misma soltura con la que tuvo lugar en la realidad. De pronto, en escena, se escucha acento colombiano y marroquí. Se escuchan ritmos de percusión y canciones. Se escuchan bromas y bravuconadas. Las drogas toman el control: ostentación y subidón llenan el teatro.

Y, de nuevo como sucedió en la realidad, aparece la tragedia. En forma de madres y jóvenes hundidos y, por fin, operaciones policiales. Todo cabe sobre un escenario que recoge un recorrido fiel por este oscuro capítulo de la historia de Galicia desde un punto de vista único. Un viaje en el tiempo desde una óptica próxima, real y familiar, con la sensación, y la reflexión que el espectador hace al salir del teatro, llegando a adquirir una eficacia inédita.

«Nos pusimos manos a la obra con dos premisas. Primera: hacer algo grande, algo que no olvide quien lo presencie. Con comedia, con verbena, fiesta y música. Con lágrimas, realidad y proximidad. También con rigor y memoria. Segunda: ofrecer algo nuevo que ni un libro, ni una serie, ni una novela pueden aportar. Contar este capítulo de la historia de Galicia de una forma que solo el teatro permita.
Ambas condiciones están detrás del telón. Un equipo de primera línea en el panorama teatral gallego en un espectáculo que nos permitirá introducirnos en esta parte de nuestra historia solo como el teatro puede lograr. Querido espectador o espectadora: tú también formas parte de este gran show que fue y que es el contrabando y el narcotráfico. ¿Piensas que no? ¿Piensas que eres inocente o que estás a salvo? Presta atención y prepárate.»
Nacho Carretero

TEATROS DEL CANAL

 Compañía Sharon Fridman

presenta

DOSIS DE PARAÍSO

Sharon Fridman

MADRID EN DANZA. Entre el 26 y el 30 de mayo de 2021

Dosis de paraíso es la nueva creación de Sharon Fridman, una exploración sobre el amor y las relaciones, en la que se desarrolla un diálogo con las nuevas tecnologías en búsqueda de espacios emocionales, gracias a la colaboración con artistas internacionales de Bélgica e Israel. Este trabajo de investigación y creación se ha desarrollado en el marco de residencias técnico-artísticas en el Teatro Francisco Rabal de Pinto, donde la compañía es residente desde octubre de 2018.

Ellas se encontraron y se entregaron la una a la otra. Descubrieron el hábito de la turbulencia, la oportunidad del abrazo y el miedo a la soledad. Mantenerse en el paraíso no fue tarea fácil, mantenerse en el presente, sin la refracción del pasado ni la proyección del futuro.

Todos nos buscamos, todos en el camino, bajo la luz incierta que nos percibe y que difumina los límites del tiempo, dirigidos hacia un horizonte sin memoria, hacia una soledad plena en la que el amor quizás se desvele en el latido del corazón.

Un corazón se precipita

escurriéndose de la soledad.

Fugado en el Otro

confunde el latido

perdiéndose en la unión,

¿dónde el paraíso?

NATURALEZA DEL PROYECTO

Dose of Paradise nace de la necesidad de tratar el amor y la relación entre dos personas en escena, estableciendo un diálogo con las nuevas tecnologías que permita encontrar nuevos espacios subjetivos, emocionales, internos, en los que poder sumergirse en la complejidad de esta materia.

La evolución de las relaciones humanas y sus posibilidades para lograr la armonía siguen siendo fuente de inspiración y territorio de exploración para Sharon Fridman.

La repetición es clave en este trabajo, a través de ella se va desarrollando la transformación de un estado dentro de un ciclo. El movimiento en una relación, que nace desde una necesidad, demanda una satisfacción por parte del otro. Repitiendo una acción, un gesto, consolidamos una ruta, y sólo llevando ese mismo movimiento a su límite podremos bifurcar hacia otro lugar.

Para la determinación del espacio escénico se ha desarrollado una intensa investigación sobre cómo las nuevas tecnologías lumínicas y audiovisuales pueden contribuir a la creación de atmósferas emocionales y sugerir alteraciones en el transcurrir del tiempo. La dramaturgia de la luz se convierte en un enfoque fundamental, es una vía de materialización de la energía, que adquiere múltiples propiedades y desarrolla sus propias intenciones. Es fundamental para lograr en el espectador un estado de apertura en el que sea posible la inmersión escénica.

Comprar entradas