Histórico

Obras que estuvieron en cartel y que ya forman parte de nuestra amplia base de datos

TEATRO PAVÓN

Fundación Arte que Alimenta

presenta

YO SOY EL QUE SOY

(más…)

TEATROS DEL CANAL

BackLight Studio (Francia), Fabrique d’Images (Luxemburgo), Actrio Studio (Alemania),  Teatros del Canal Madrid (España), Chaillot – Théâtre national de la Danse (Francia)

presentan

LE BAL DE PARIS DE BLANCA LI

19/12/2020 - 03/01/2021 

Invitación al gran Baile de París, una experiencia creada por Blanca Li para descubrir de manera espectacular la realidad virtual a través de la danza y la música. Blanca Li ofrece un espectáculo en el que 35 minutos transcurren en realidad virtual dentro de un mundo poético, fantástico, innovador, delicado y sorprendente. La experiencia se desarrolla simultáneamente en cuatro salas para 10 espectadores-participantes y 3 bailarines-actores cada una.

El público es invitado a participar y bailar de forma voluntaria durante la experiencia, en interacción con bailarines reales, de manera alternativa entre el mundo real y el mundo virtual.

Estructurada en torno a tres actos, Le Bal de Paris de Blanca Li (Versión Pandemic) sumerge al espectador en el torbellino de una gran historia de amor en la que el público será libre de bailar, de vivir la fiesta a su libre albedrío, y de interactuar con quien desee.

Adèle celebra su vuelta a París con un gran baile organizado en su honor por su padre. Pero Pierre, uno de los invitados, alterará el curso de los acontecimientos.

Una experiencia divertida, fabulosa y vanguardista para disfrutar con amigos o en familia.

LA HISTORIA DE UN ENCUENTRO
Le Bal de Paris de Blanca Li es el resultado de un encuentro entre diversos talentos. Por un lado, Blanca Li, coreógrafa y directora reconocida, apasionada por las nuevas tecnologías, que se lanza por primera vez a la concepción de un espectáculo en realidad virtual. Lleva con ella a sus compañeros habituales: Tao Gutiérrez en la creación musical y Vincent Chazal en la creación gráfica.

Por otro lado, BackLight, un premiado estudio de Realidad Virtual, pionero de los juegos inmersivos en “full body awareness”, que se suma al reto de realizar una experiencia que mezcla danza y espectáculo en vivo. Una creación híbrida tanto por la integración de los movimientos reales en el mundo virtual, como por la diversidad de las artes implicadas: danza, música, vocalistas, teatro, cine de animación y videojuegos.

Para envolver todo con poesía y estética, la casa de alta costura Chanel ha participado en la creación del vestuario. Por primera vez, una marca de lujo se implica en la realidad virtual para reimaginar el vestuario de la experiencia.

Programa de mano de Le Bal de Paris de Blanca Li

RECOMENDACIONES PARA DISFRUTAR PLENAMENTE DE LA EXPERIENCIA

  • Cada pase consta de varios grupos reducidos, algo que deberás tener en cuenta si vienes con otras personas, ya que no podrá haber cambios de un grupo a otro.
  • Al tratarse de un espectáculo de realidad virtual, portarás una equipación formada por gafas (tú puedes llevar tus propias gafas o lentillas, o cada casco se puede ajustar de +1 a -3.8 dioptrías), guantes y una mochila en la espalda.
  • Te sugerimos llevar poco maquillaje en los ojos, evitar la ropa larga, faldas anchas, coletas, moños y tacones altos), ya que te estarás moviendo durante el espectáculo con la equipación y en ningún momento permanecerás sentado.
  • Edad mínima recomendada: a partir de 13 años. Los menores deberán permanecer siempre bajo la supervisión de un adulto.
  • Si tienes algún problema de movilidad, antes de comprar la entrada, ponte en contacto con nosotros: 91 308 99 99.
  • Espectáculo NO RECOMENDADO para mujeres embarazadas, personas con condiciones preexistentes que pueden afectar su experiencia de realidad virtual, como anomalías en la visión, trastornos psiquiátricos, afecciones cardíacas u otras condiciones médicas graves (incluye dispositivos médicos implantados, como marcapasos, prótesis auditivas y desfibriladores, así como a cualquier persona con epilepsia o antecedentes de convulsiones y pérdida de conocimiento. Consultar con su médico antes de realizar la experiencia).
  • No participar a la experiencia si se siente mal o está enfermo.
  • La compañía no se hará responsable del público que no respete las normas indicadas.
  • Durante la experiencia el público puede parar en cualquier momento o consultar con el personal si tiene cualquier duda o necesidad. 
  • Una vez comenzado el espectáculo no estará permitido el acceso a la sala.
  • Los teléfonos de los participantes deben estar en modo avión.

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GRAN TEATRO PRÍNCIPE PIO

presenta

CONCIERTO DE AÑO NUEVO 

REPERTORIO CLASICO DE VIENA 

La Orquesta Sinfónica de Bankia será la encargada de interpretar el Concierto de Año Nuevo. Repertorio clásico de Viena, haciendo un recorrido por clásicos populares, donde no faltarán los valses y polkas de la familia Strauss, y temas como 'El Danubio Azul', 'Marcha Radetzky', 'Danza Húngara n5' de Johannes Brahms o piezas de 'Carmen' de Georges Bizet.

El Gran Teatro Bankia Príncipe Pío celebra por primera vez el Concierto de Año nuevo. La antigua Estación del Norte, tras 27 años abandonada, acaba de volver a abrir sus puertas convertida en un majestuoso espacio escénico hará las veces de la Sala Grande o Sala Dorada (Große Saal o Goldener Saal) de la Sociedad Musical, el Musikverein, de la capital austríaca.

No hay evento más multitudinario en el mundo de la música que el Concierto de Año Nuevo de la mano de la Filarmónica de Viena. Más de 50 millones de espectadores se juntan cada año para escucharlo la mañana del 1 de enero. Paradójicamente, el evento más elitista es a la vez el que concita mayor seguimiento popular,  principalmente porque una parte de su repertorio forma parte  de nuestra historia reconocible, una señal identitaria. Pero también despierta simpatía por la gente de pie, acompañando con palmas a la orquesta, algo muy poco común en auditorio y que rompe las estrictas normas de etiqueta que arrastra como condena la música clásica. Y, como todos los ritos que se repiten año tras año, el concierto sirve para
reflexionar sobre lo que ha ocurrido durante el último año.

La Orquesta Sinfónica de Bankia será la encargada de interpretar el clásico repertorio de Viena, haciendo un recorrido por clásicos populares, donde no faltarán los valses y polkas de la familia Strauss, y temas como “El Danubio Azul”, “Marcha Radetzky”, “Danza Húngara nº5” de Johannes Brahms o piezas de “Carmen” de Georges Bizet.

Un concierto único que podrán disfrutar tanto por los amantes y conocedores de la música clásica, como aquellos que aún están por descubrirla.

La forma más especial de empezar con magia el nuevo año y dejar atrás el 2020.

TEATRO LA LATINA

El Terrat.

presenta

EL ÉXITO DE LA TEMPORADA

Desde el 31 de marzo de 2021

La comedia con la que El Terrat celebra 30 años de trayectoria

Seis amigos que triunfan como cómicos en programas de radio y televisión, deciden unirse para sacar adelante el espectáculo teatral “Romeo y Julieta” y así poder reivindicarse como intérpretes más allá de los lugares comunes donde parece que los encasillan. Un incidente fortuito hace que el espectáculo no se pueda llegar a estrenar.
Veinte años después, estos seis amigos se reencuentran para intentar hacer realidad el espectáculo que no hicieron en el pasado. El mundo ha cambiado, ellos han cambiado, sus relaciones, sus cuerpos, su talento, sus objetivos vitales, su visión del teatro, sus fobias... todo ha cambiado.
Un espectáculo a caballo entre la realidad y la ficción donde Sílvia Abril, David Fernández, Fermí Fernández, Oriol Grau, Mónica Pérez y Jordi Rios se reencuentran para servir una comedia hilarante que reflexiona sobre la amistad, el paso del tiempo, el triunfo, la satisfacción vital y el oficio de los cómicos.

https://youtu.be/66CMV_yQz7A

TEATRO MARIA GUERRERO

Centro Dramático Nacional, Teatro Nacional D. Maria II y Terra Amarela

presentan

CALíGULA MURIÓ. YO NO

a partir del texto de Albert Camus, con versión de Clàudia Cedó y dirigida por Marco Paiva

19 MAY – 06 JUN 2021

Una compañía de teatro retirada vuelve a los escenarios para representar una adaptación de Calígula de Camus. El director de la obra, Jesús (Jesús Vidal), ha soñado que se suicidaba y se ha replanteado el sentido de su existencia. El estreno del espectáculo se convertirá de repente en su objetivo vital, el absoluto, la luna. Pero su apetito de unidad y orden no encaja con la irreductibilidad de este mundo a un principio racional, ni con la diversidad que existe en su propia compañía de teatro: una actriz mayor que no puede memorizar texto, un escenógrafo que no ve, una cantante que no oye, actores que hablan idiomas distintos… los ensayos imposibles llevaran a Jesús a tomar la decisión de matar a la actriz sorda que interpreta a Calígula, en un torpe intento de acercarse a la perfección.

Pero la tiranía es como los geranios, vuelve a nacer cuando la cortas. Aparecerá un segundo Calígula. Y un tercero. Y un cuarto. La compañía se dará cuenta de que la revuelta es el único camino hacia la libertad, así que mataran a Calígula una y otra vez. Y aún cuando el último Calígula muera, deberán mantener los ojos abiertos. Pues cómo dice Camus, la verdad está ahí, en lo que continúa.



"Un reparto del Mundo, por la necesidad de ser libre
"

Por paradójico que vos parezca, en estos raros días que atraviesa el mundo, siento aún más, y de manera abrumadora, la urgencia de estar cerca y tender puentes.

En estos días hay un nuevo enemigo invisible que ha transformado el mundo y nos ha obligado a detenernos. Ahora tenemos que ser cautelosos, cuidarnos aún más a nosotros mismos y a los demás.

¿Pero no debería haber sido siempre así? ¿No deberíamos cuidarnos siempre de nosotros mismos y de los demás? ¿Cuándo perdemos el sentido de la empatía? Esta obra es un encuentro del Mundo en el escenario, luchan con el mayor peligro de la humanidad: ella misma.

Marco Paiva


Albert Camus decía en El mito de Sísifo que una de las pocas posiciones filosóficas coherentes es la rebelión. El enfrentamiento perpetuo del hombre con su propia oscuridad. La exigencia de una imposible transparencia. Poner el mundo en tela de juicio en cada uno de sus segundos. La rebelión es esa presencia constante del hombre ante sí mismo. No es aspiración, carece de esperanza. La rebelión no es sino la seguridad de un destino aplastante, sin la resignación que debería acompañarle. Ante el absolutismo, ante la asfixiante homogeneidad que se nos impone, existe una alternativa feliz: La posibilidad de encajar el absurdo, entender el desorden y la diversidad cómo la parte y el todo de la vida. Sísifo, sentenciada a subir a cuestas la misma roca hasta la cima de la montaña una y otra vez, se da cuenta de repente de que aquello no es una condena, sino que sencillamente es su condición. Aceptar el absurdo no tiene nada de conformismo, nada de resignación, no es una actitud estática, debe ser una lucha constante. Una tensión en contra de todo totalitarismo que no comprenda que la contradicción, la diferencia, la diversidad deben ser vividos. Y en ésta lucha, en ese equilibrio en el límite, es en dónde se halla la dignidad.

“La lucha por llegar a las cumbres basta para llenar un corazón de hombre” –A. Camus.

Clàudia Cedó

https://twitter.com/TEATROMADRID/status/1397459994237308929?s=20

Teatro Valle Inclán

presenta

Nueva Escena Italiana. Tres lecturas. Premio Riccione Teatro

escrita por Elvira Frosini y Daniele Timpano, Tatjana Motta y Pier Lorenzo Pisano y dirigida por Manuela Cherubini

11 MAY 2021- 13 MAY 2021
de martes a jueves a las 20h.

Se renueva la cita con el nuevo escenario de la dramaturgia italiana, nacida de la voluntad del Istituto Italiano di Cultura di Madrid de dar a conocer las nuevas tendencias de la escritura para el teatro. El proyecto se realiza con la colaboración del Premio Riccione per il Teatro, el premio italiano de dramaturgia más antiguo y prestigioso, nacido en 1947, con una primera edición que concluyó con la victoria de Italo Calvino (en aquellos años el premio estaba también abierto a obras de narrativa). Por el premio han pasado los principales nombres de la cultura italiana, desde Dacia Maraini a Pier Vittorio Tondelli, quien da nombre al premio destinado a los autores de menos de 30 años, hasta las figuras más importantes de la dramaturgia actual, como Fausto Paravidino, ganador en el pasado y luego presidente del jurado durante tres ediciones. La atención a las jóvenes generaciones y a la calidad de la escritura han consolidado, con el tiempo, el papel del Premio Riccione como un punto de encuentro para los autores de todas las tendencias: los más literarios, los innovadores, los textos nacidos expresamente para la escena, los autores emergentes.

La selección de esta segunda edición de Nueva Escena Italiana se compone de tres textos de estilos y temáticas muy diferentes, elegidos de las dos últimas ediciones del premio y confiados a la directora Manuela Cherubini, quien ya se encargó de la precedente edición.

Ochenta y nueve es un texto centrado en la revolución francesa y sobre la larga ola de sus ideales y de sus consignas, que han llegado hasta otro “89”, el de la caída del muro de Berlín. Escrito por Elvira Frosini y Daniele Timpano con un estilo irreverente e irónico, según una reinterpretación personal de la escritura post-dramática, esta narración del ocaso de las ideologías ha ganado la mención Franco Quadri 2019 (dedicada a los textos que presentan una sobresaliente calidad literaria).

Por tu bien de Pier Lorenzo Pisano en 2017 ha ganado el Premio Tondelli, destinado a los escritores emergentes. Es un trabajo que afronta el eterno tema de la familia, en una clave personalísima, de refinada ironía y con una escritura teatral madura y rica en una voz personal, que logra transformar los acontecimientos de un vínculo familiar, en una alegoría de cuestiones universales.

Tatjana Motta ha ganado la última edición del Premio Riccione con Noche en blanco, un trabajo onírico y afilado que coloca en paralelo las cuestiones del turismo de masas y la de los países de los que parten las migraciones, cuyo revés es la imagen exótica que hay que explorar. Con un trabajo actual, pero rico en ecos de grandes autores del pasado, como Camus, Tatjana Motta ganó el premio principal después de haber sido finalista entre los jóvenes en la anterior edición.


  • OCHENTA Y NUEVE, de Elvira Frosini y Daniele Timpano, con dirección de Manuela Cherubini.
  • NOCHE EN BLANCO, de Tatjana Motta, con dirección de Manuela Cherubini.
  • POR TU BIEN, de Pier Lorenzo Pisano, con dirección de Manuela Cherubini.

Teatro María Guerrero

País Clandestino, Festival Internacional de Buenos Aires (FIBA) e Institut Français

presentan

PAÍS CLANDESTINO

escrita por Jorge Eiro, Pedro Granato, Florencia Linder, Lucía Miranda y Mäelle Poésy y dirigida por Jorge Eiro y Mäelle Poésy

5 – 16 MAY 2021

Enmarcado como obra de teatro autodocumental, el proceso de este trabajo no se parece a ninguna de las creaciones que cada uno de nosotros ha llevado a cabo en su país. Partimos de trabajar con lo que tenemos, el tiempo y las herramientas que se nos dan: a veces juntos en procesos de residencias (Madrid y Buenos Aires), a veces en un solo lugar, a veces a través de Skype o por correo electrónico.

Hemos grabado nuestras conversaciones, nos hemos escrito cientos de emails, y nos hemos dejado mensajes de voz a través del whatsapp. Durante las residencias hemos llevado a cabo ejercicios y entrevistas que versan sobre nuestra familia, la herencia política, el viaje o las manifestaciones. Entrevistas que se han convertido en material dramatúrgico y escénico.  Hemos entrevistado a nuestras madres, hemos hablado con los hijos que algún día nos gustaría tener, hemos bailado y cantado y hemos recuperado vídeos y material de nuestra infancia y juventud para crear un puzzle que relaciona nuestra vida con la de nuestro país.

Hemos explorado la idea de testimonio, de memoria y de recuerdo, de su materialización  y su evolución en un mundo digital como en el que se mueve nuestra generación.

La propuesta es un viaje al espectador hacia un país clandestino, el de la sala de ensayo viéndonos trabajar en directo, dirigiéndonos y reescribiéndonos en cada función, en un tiempo particular, el que dura la representación, el aquí y ahora.

30/04/2021 El Centro Dramático Nacional presenta 'País Clandestino' CULTURA CENTRO DRAMÁTICO NACIONAL

En 2014, en el Director´s Lab del Lincoln Center de Nueva York se conocen los autores y directores Mäelle Poésy (Francia), Jorge Eiro (Argentina), Lucía Miranda (España), Pedro Granato (Brasil) y Florencia Lindner (Uruguay). Aquella experiencia y la diversidad de sus puntos de vista (artísticos y políticos) les llevaron a continuar el intercambio durante más de dos años a través de citas por Skype, email y otros medios. Cada vez que se encontraban hablaban sobre sus prácticas teatrales, el contexto artístico y político en el que cada uno se movía en su país y fantaseaban con la idea de realizar un proyecto a cinco manos.

Durante el Festival de Avignon 2016, Mäelle Poésy y Federico Irazábal, director del FIBA, coincidieron. Irazábal que conoce la obra de Jorge Eiro les invita a ambos a crear un proyecto para el FIBA 2017. Una ​​creación “de frontera y pertenencia”, codirigida por Jorge Eiro y Mäelle Poésy donde los cinco artistas que se conocieron en Nueva York también serán autores e intérpretes.

Cuatro años después del primer encuentro, su primer proyecto País Clandestino, ha recorrido los festivales de Chile, Brasil, México, Argentina, Portugal, Uruguay y Francia.

Teatro Valle Inclán

Centro Dramático Nacional y Check-in Producciones

presentan

SHOCK 2 (La Tormenta y la Guerra)

escrita por Albert Boronat, Juan Cavestany, Andrés Lima y Juan Mayorga y dirigida por Andrés Lima

27 ABR – 13 JUN 2021

Primero fue SHOCK 1 (El Cóndor y el Puma) ahora....

La expresión “doctrina del Shock” describe la táctica, sumamente brutal, de utilizar sistemáticamente la desorientación de la gente que trae consigo un shock colectivo -guerras, golpes de estado, ataques terroristas, desplomes del mercado o catástrofes naturales- para impulsar medidas radicales favorables a las grandes empresas, lo que suele denominarse “terapia de choque” (shock therapy, en inglés).”

Naomi Klein


Shock 2 está siendo creada bajo otro gran shock: el impacto del coronavirus, y todavía estamos desorientados, presos del miedo y la incertidumbre, esto nos hace enormemente vulnerables. De nuestra reflexión conjunta, de nuestro coraje para enfrentarnos a esta enfermedad, de nuestro sentido de la fraternidad es de donde podremos sacar la fuerza y la inteligencia para salir de esta gran crisis con la esperanza de ser mejores. Pero de todo gran shock se puede sacar provecho en detrimento de otros, el poder del dinero lo sabe, las grandes corporaciones de todo el mundo lo saben y será extraño pensar que no aprovecharán la oportunidad para hacerlo. De eso trata este montaje, de nuestra historia reciente y de cómo el neoliberalismo ha sabido avanzar como una apisonadora hasta el día de hoy (Naomi Klein y su libro La doctrina del shock son nuestra inspiración). Shock 2 empieza donde acabó Shock 1 (El Cóndor y el Puma), que iniciaba con el auge de la doctrina monetarista de Milton Friedman y sus Chicago Boys (Universidad de Chicago), y que continúa avanzando a través de la 2ª mitad del siglo 20. Los primeros experimentos del shock económico y militar son el golpe de estado de Pinochet en Chile seguido de la Operación Cóndor en gran parte de América Latina, maridando economías neoliberales con regímenes dictatoriales impuestos por la violencia y la violación de los derechos humanos. Shock 2 comienza en los años 80, con la revolución conservadora capitaneada en Europa por Margaret Thatcher y en EEUU por Ronald Reagan y culmina en el primer gran shock del siglo XXI: la guerra de Irak, guerra en la que fuimos partícipes. Porque de eso trata Shock, de reflexionar sobre en qué medida somos partícipes de nuestra historia, de nuestros shocks, de nuestros golpes, de nuestra violencia.

El teatro es emoción, es ritmo, es armonía y esa es nuestra propuesta, nuestra manera de mirar, de hacernos preguntas. El periodismo es crítica, es documento, es reflexión, es otra forma de mirar, es también un espejo como lo es el teatro. La mezcla de los dos es Shock.

Intentaremos reflejar los hitos históricos que han marcado este “Final de la Historia” como lo llamó Fukuyama. Se equivocó, la historia sigue y como una buena historia teatral nos tiene en suspenso.

Wojtila, Yeltsin, Deng Xiao Ping, Mandela, la familia Bush, los Aznar, Rumsfeld, Cheney o Saddam, además de Margaret o Ronnie son algunos de los personajes de nuestra obra. También los miles de anónimos, auténticos protagonistas de Shock, el pueblo. El pueblo iraquí, el pueblo sirio, el pueblo americano, el pueblo español, el pueblo kurdo…

Moscú, Washington, Johannesburgo, Polonia, Irak, Afganistán, los campamentos de Sabra y Chatila en Libano, el Hotel Palestina en Bagdad o la plaza de Tiananmen en Pekín serán nuestros escenarios.

Beatriz San Juan, Jaume Manresa, Miquel Raió, Pedro Yagüe, Laura Ortega, Enrique Mingo y Joseba Gil son el equipo artístico y de producción. Y el CDN coproduce.

Antonio  Durán "Morris", Natalia Hernández, Juan Vinuesa, Paco Ochoa, María Morales y Guillermo Toledo recrean todos estos personajes en todos estos sitios con la maestría camaleónica que les caracteriza y su compromiso con el teatro y esta historia.

Juan Mayorga, Juan Cavestany, Albert Boronat y Andrés Lima, escribimos. Pero esta vez contamos con la colaboración de grandes periodistas como Olga Rodríguez y Robert Fisk, y de cineastas como Alba Sotorra. Documento y ficción. Verdad y teatro.

En el intento de comprender y de disfrutar con el público estamos empeñados. Y como Dorothy en El Mago de Oz, decimos: “Como en el teatro no se está en ningún sitio”.

Andrés Lima

https://open.spotify.com/playlist/7nel82ktTyTrJ6UZtZPgCO?si=7ebad68648ad44c3
https://twitter.com/TEATROMADRID/status/1395119431450337280?s=20

Teatro Valle Inclán

Centro Dramático Nacional, Sala Beckett, el Grec 2020 Festival de Barcelona y Teatre Principal de Palma de Mallorca

presentan

EL COMBATE DEL SIGLO

escrita y dirigida por Denise Duncan

Texto escrito en el marco del programa “Autor en residencia” de la Sala Beckett la temporada 2019/20

A principios del siglo XX, un boxeador norteamericano llega a Barcelona. Se llama Jack Johnson y ha sido el primer afroamericano que se ha proclamado campeón mundial de pesos pesados. Se enfrentó a Jim Jeffries en el llamado «Combate de siglo» y, contra todo pronóstico, lo ganó. Una victoria contra el racismo. Johnson tuvo que pagar un precio elevado por su triunfo: una sentencia injusta que le hizo abandonar su país natal. Y aunque en Barcelona encuentra unos aires diferentes, tal vez más libres, Jack Johnson se verá perseguido por los fantasmas de su pasado que, de la mano de tres cabareteras, le harán revisar su historia y el recuerdo de su rival, Jim Jeffries.


Un hombre negro de más de un metro noventa de estatura camina por Las Ramblas, Barcelona. Estamos en 1915. Viste de traje entero blanco, impoluto. Una lujosa piel y un sombrero bombín, blancos también, completan el atuendo. Se lleva las manos, llenas de anillos de oro, a la cara. Ríe y muestra dos dientes de oro. Una prostituta lo saluda, son amigos. Se trata de Jack Johnson, campeón mundial de pesos pesados… el primer negro en conseguirlo. A lo lejos una mujer, blanca, lo llama. Se dan la mano y avanzan por las calles de la ciudad. Una ciudad cosmopolita, sórdida, llena de vida. Una ciudad que, a diferencia de su EEUU natal, le permite vivir, gozar, beber, luchar. Johnson huye de una condena hecha sobre mentiras, pero encuentra en Barcelona un refugio fulgurante.

La historia de Jack Johnson es apasionante, no solo por las circunstancias históricas que lo rodean sino porque se trataba de un hombre sumamente contradictorio: sonreía mientras combatía, hacía juegos de palabras, amaba a su madre por sobre todas las cosas… pero también apostaba el dinero que ganaba, caía en la ruina y volvía a levantarse. Hablamos de un boxeador negro que, contra todo pronóstico, gana el campeonato del mundo de pesos pesados contra un blanco. Johnson derrota a un Jim Jeffries apodado “La Gran Esperanza Blanca” llamado a devolver el título a los blancos. La esperanza se diluye… gana el negro que tantos blancos deseaban ver vencido. Una oleada feroz de revueltas y linchamientos raciales se desata en Estados Unidos, el aparato estatal se pone en marcha para derrotarlo… y lo conseguirá unos años más tarde.

Johnson es la personificación del límite: todo en él era excesivo, extremo. El dinero, los lujos, su estatura, su estilo de vida, sus provocaciones, las mujeres blancas con que salía… Un hombre al límite que vive coqueteando con la leve línea entre la vida y la muerte. No en vano se enamora de una Barcelona que, también, parecería mecerse al borde de lo sórdido y abyecto. El encanto de la decadencia. Pasará entonces casi tres años en la ciudad condal, donde prueba cada cabaret de El Paral·lel, boxea, prueba con una agencia de publicidad, pelea con Arthur Cravan (poeta dadaísta, sobrino de Oscar Wilde).

El combate del siglo es un ejercicio de ficción. De alter-ficción, donde nos alejamos del biopic para entrar en una ficcionalización del personaje. Como el mismo Johnson, que cambiaba pasajes de su vida cada vez que los relataba, aquí imaginamos los momentos que más nos interesan.

El relato está mediatizado por la presencia de tres mujeres, ninfas, moiras, parcas, cantantes y cabareteras que son la excusa para recordar su pasado, reinventarlo, revivirlo. Pero también las catalizadoras de su presente y las que anuncian su futuro. Con ellas vemos esas luchas que ganó Johnson en el ring y las que perdió, con todas las mujeres de su vida.

Así, construimos un retrato subjetivo de Jack, en sus complejidades y contradicciones, en su absoluta imperfección, admirable y detestable… como todos los grandes héroes/antihéroes contemporáneos.

El combate del siglo es una historia que habla de boxeo, ese deporte marginal y limítrofe, que nos recuerda que los seres humanos tenemos el germen de la violencia, incluso la colectiva, que reclama su espacio. Como bien explica Joyce Carol Oates en su libro Del boxeo, el ring es una especie de altar a nuestros impulsos más primarios, uno de los sitios donde mejor se recrea una sensación “de juicio final e incontestable” y en sus puntos más álgidos, es capaz de evocar “el sangriento quinto acto de las tragedias clásicas, cuando ese misterioso elemento que llamamos «trama» alcanza su apoteosis”.

Es también una historia que, paradójicamente, habla de la fragilidad humana. De cómo las pulsiones de Eros y Thanatos conviven con nuestros actos más cotidianos. Ahí donde está la exageración está la falta… y Jack, que parecía comerse el mundo a bocados, en realidad no hizo más que buscar el amor, el reconocimiento, huir del miedo y de la muerte: la de sus seres queridos, la de su madre mientras era un fugitivo, la de una de sus exesposas que se pega un tiro y la suya propia: porque desde muy pequeño Jack decía que haría cosas grandes y que sería inmortal.

Denise Duncan

Teatro María Guerrero

Centro Dramático Nacional coproducción con ANTZERKIZ (Teatro Arriaga de Bilbao, Teatro Principal de Vitoria-Gasteiz y Teatro Victoria Eugenia de San Sebastián)

presentan

LOS PAPELES DE SÍSIFO

escrita por Harkaitz Cano y dirigida por Fernando Bernués

09 ABR – 02 MAY 2021

¿qué pasa cuando el interrogado es el periodista?

Tal y como afirma uno de los personajes de la obra, un periódico “es como Guerra y paz en pequeñito”. Una novela interminable que caduca cada día. El caos del mundo apretado en cuatro columnas. No es de extrañar que su vocación les guíe: la de los periodistas es una misión imposible: mientras en la redacción del diario combaten la precariedad y el desengaño y luchan contra el reloj por la precisión y la veracidad, el poder mueve los hilos para intentar controlar la información. Es labor del periodista indagar y preguntar, pero ¿qué sucedería si cambiasen las tornas y el interrogado fuese el periodista?

Esta obra, inspirada libremente en el “caso Egunkaria”, es un homenaje al periodismo, así como a todos aquellos medios que han sido clausurados injustamente.

https://youtu.be/Z-lLnnSAdLA

Teatro Valle Inclán

Centro Dramático Nacional y Proyecto 43-2

presentan

Y LLEGAR HASTA LA LUNA

escrita y dirigida por María San Miguel

07 – 11 ABR 2021

Maria San Miguel , responsable de magníficas producciones con PROYECTO43-2, nos acerca al supuesto mundo tabú del sexo.

¿con la luz apagada o encendida?

Un proyecto de investigación y creación dentro de la convocatoria «¡Enrédate!» del festival «Una mirada diferente. Reto 2019» del CDN realizado con el apoyo del programa de ayudas a la creación y la movilidad del Ayuntamiento de Madrid.

¿El sexo continúa siendo un tabú? ¿Cómo son las relaciones sexuales contemporáneas?
¿Nos preguntamos por el disfrute del Otro? ¿Se prioriza una forma de relacionarse, de estructurar el deseo? ¿Somos capaces de superar los patrones que ha establecido el patriarcado en cuanto al sexo? ¿Lo practicamos realmente con libertad? ¿Experimentamos deseo, amor, consumo? ¿Qué relación tiene el sexo con la violencia? ¿Cómo de acostumbradas estamos a sufrir sexo no consentido o deseado y que esto forme parte de la cotidianidad de las relaciones sexuales? Y el porno, ¿qué lugar ocupa en nuestros deseos, fantasías y relaciones?
¿Hablamos y compartimos libremente y del mismo modo los hombres y las mujeres nuestra relación íntima con el sexo y con todo lo que le rodea? ¿Cómo afecta una diversidad funcional física o intelectual a la relación con la sexualidad y al desarrollo de la misma? ¿Qué ocurre con los cuerpos diversos que desplazamos a los márgenes?
Y llegar hasta la Luna es un proceso de investigación documental que parte de las propias experiencias, el peso de la palabra y las relaciones del cuerpo con el espacio, desde lo íntimo hasta lo público.
Un estudio de cómo aceptamos comportamientos y cómo a su vez nos modifican.
Un experimento basado en la belleza y en la libertad.


El sexo se continúa viendo desde una perspectiva profundamente patriarcal y falocéntrica. Por una parte, es un tabú que no forma parte de la programación educativa en prevención y educación sexual y, por otra, el negocio de la pornografía impregna las relaciones sexuales y favorece la perpetuación de la idea patriarcal donde el hombre mantiene el poder y lidera la cotidianeidad de las relaciones sexuales. Estos patrones de comportamiento se extienden y repiten más allá de las relaciones binarias.
Todo esto genera comportamientos violentos a los que estamos profundamente familiarizadas. Forman parte de nuestras vivencias.
¿Cómo afecta todo esto cuando además tienes un cuerpo diverso o una diversidad funcional?
Y llegar hasta la Luna parte de un trabajo de investigación basado en juegos físicos para encontrar nuevas relaciones corporales a partir de la búsqueda de la belleza de los cuerpos diversos, de la presencia escénica, la relación con los otros cuerpos, con el espacio.

María San Miguel