Histórico
Obras que estuvieron en cartel y que ya forman parte de nuestra amplia base de datos
TEATRO LA LATINA
ELENA CARRASCAL SLU & Excéntrica Producciones en colaboración con ITÁLICA. Festival Internacional de Danza.
presentan
LA MALDICIÓN DE LOS HOMBRES MALBORO
Del 29 de junio al 4 de julio de 2021
SE TRATABA DE NO SER UNA MUJER
Me impusieron ser un hombre, como un deber, o lo que es lo mismo y por eliminación, el no ser una mujer. Como si la peor suerte existente para un hombre fuese ser eso, una mujer. Y tuve que aprender lo que es ser un hombre y tuve que aprender lo que es ser una mujer.
Espectáculo de danza contemporánea más aplaudido en Andalucía plantea una reflexión sobre los roles tradicionales de la masculinidad. La obra creada, dirigida y producida por Elena Carrascal e Isabel Vázquez llega al Teatro La Latina del 29 de junio al 4 de julio en la Semana del Orgullo LGTBiQ+
Seis virtuosos bailarines que también cantan e interpretan para desmontar un modelo masculino tóxico, de ausencia emocional, que todavía es hegemónico. La maldición de los hombres Malboro plantea una reflexión sobre los roles tradicionales de la masculinidad a través de este espectáculo de danza contemporánea cuya idea original, dirección artística y coreografía es de Isabel Vázquez con la producción de Elena Carrascal.
La obra llega a Madrid del 29 de junio al 4 de julio, celebrando su cuarto aniversariosobre los escenarios. El estreno tuvo lugar en el año 2017 en el Festival Internacional de Danza de Itálica y desde entonces no han parado de actuar. David Barrera, David Novoa, Arturo Parrilla, Javier Pérez, Baldo Ruiz, Indalecio Seura, Álvaro Copado y Maximiliano Sandford son los intérpretes que durante cuatro años han dado vida a los seis personajes de La Maldición de los Hombres Malboro, cosechando gran éxito entre el público y la crítica especializada.
“La mujer que más necesita ser liberada es la que reside en el interior de cada hombre”. Esta frase de William Sloane Coffin, activista por la paz y clérigo norteamericano, es la premisa de esta puesta en escena que la maestra, bailarina y coreógrafa Isabel Vázquez trabaja con exalumnos suyos y con la que decide hablar de los hombres, acompañada por Max Arel Rafael en los textos y en la dramaturgia por Gregor Acuña-Pohl.
Desde el 29 de junio al 4 de julio te espera en el Teatro La Latina coincidiendo con la Semana del Orgullo LGTBiQ+
PREMIOS LORCA 2018:
Mejor Espectáculo de danza
Mejor Coreografía
Mejor Intérprete masculino de danza contemporánea
PREMIOS ESCENARIOS 2017/2018:
Premio mejor espectáculo de danza
Premio mejor coreografía– Isabel Vázquez
Premio mejor bailarín– Baldo Ruiz
Candidato a PREMIOS MAX 2018:
Espectáculo de danza
Coreografía
Intérprete masculino
TEATRO DE LA COMEDIA
CNTC
presenta
TROYANAS
de Séneca. Dirección, Adriana Ozores.
Estreno aplazado al 15 de abril
Sabemos que el origen del teatro occidental, tal y como lo conocemos hoy, se remonta a más de dos mil quinientos años atrás. La conexión de nuestra literatura con la cultura clásica es infinita y durante el Barroco se harán más evidentes aún las raíces con los mitos fundacionales europeos. Los autores del Siglo de Oro se zambullirán fascinados en la lectura de sus predecesores grecolatinos. Terencio, Plauto y, muy especialmente, Séneca serán sus autores de referencia.
Es importante que la Compañía Nacional de Teatro Clásico se abra a ese repertorio. En él encontraremos los orígenes de muchos de los caminos que nuestra dramaturgia va a recorrer.
Entre las obras de Séneca, Troyanas claman para volver a nuestros escenarios por su fuerza y contemporaneidad.
- Adriana Ozores se estrena en la dirección con "Las Troyanas" de Séneca
- Troyanas: escépticas, estoicas y trágicas
SINOPSIS
Después de la caída de Troya, los sobrevivientes son hechos prisioneros por los dánaos, y debería ser la muerte de Políxena y Astianacte, la hermana y el hijo de Héctor, que son reclamados por los dioses en sacrificio a cambio de otorgar vientos favorables para el retorno de la flota griega.
Comienza la tragedia con los gritos de la madre de Políxena y abuela de Astianacte, Hécuba, que se lamenta de la caída de Troya y la muerte de su marido, Príamo, y por su hijo Héctor.
Taltibio, heraldo de Agamenón, anuncia para el caballo de troya de que la sombra de Aquiles ha presentado en su tumba, y pide que se vierte en él la sangre de Políxena, Agamenón argumenta con Pirro, hijo de Aquiles, y se muestra contrario a esta demanda.
Se llama el adivino Calcante, y anuncia que los dioses afirmó, además, el sacrificio de Políxena, la muerte del hijo de Héctor y Andrómaca, y el heredero del trono de Troya: Astianacte, que debería ser lanzado a partir de la última torre de la pared que queda en pie.
Después de escuchar las noticias de el mensajero, Andrómaca decide ocultar a su hijo en la tumba de Héctor, pero el ingenioso Ulises descubre la trampa y engaña a Andrómaca a entregar.
Mientras tanto, Elena se prepara para Políxena a su intención de matrimonio con Pirro. Pero poco después de que él le dice la verdad: que debe morir en la tumba de Aquiles. Políxena se alegra de su muerte inminente, viéndolo como una manera de salir de su propio sufrimiento y el de su gente.
La obra termina con el cuento de que hace Taltibio de la muerte de Astianacte y Políxena, y con más lamentos de Hécuba, esta vez por la crueldad de la muerte, que parece que huye de aquellos que buscan, al igual que ella, pero no la de sus seres queridos.
GRAN TEATRO BANKIA PRÍNCIPE PÍO
presenta
DUMBO Y A VOLAR
El Gran Teatro Bankia Príncipe Pío acoge la adaptación libre que la compañía Are you ready? ha realizado del clásico cuento popular de Helen Aberson.
Creado y dirigido Pablo Raya y Gerard Martí, este montaje familiar entremezcla el teatro, el musical, el circo, las marionetas, los juegos de sombras y el arte de la luz negra para relatar la historia del elefante más conocido del planeta.
Así, se narra como el Circo Rubí cuenta con un espectáculo de animales muy famoso. Una de sus elefantas tiene una cría a la que llaman Dumbo. Pronto todos descubren que no es un elefante como cualquier otro.
Dumbo se convierte en el centro de las burlas de los demás, pero Carla, la hija acróbata del Domador, le ayuda a potenciar sus habilidades. La situación se complica cuando la Protectora de animales aparece y logra liberar a todos los animales… menos a Dumbo.
Sin animales, el Domador piensa que es la ruina del circo, aunque le oculta a Carla el verdadero motivo de su huida. No obstante, Dumbo y Carla le hacen comprender que un circo sin animales es posible. Una vez hecho esto, el pequeño paquidermo viaja hasta el mundo salvaje para reencontrarse con su mamá.
La obra no solo busca entretener, sino también instruir a niños y adultos sobre la libertad de los animales y la necesidad de cuidar y respetar a la fauna.
TEATRO LAGRADA
presenta
UN ESPECTADOR ACCIDENTAL O LAS OCHO DE LA TARDE
Del 2 al 11 de abril
Un espectáculo que camina entre los límites del respeto a las reglas y cómo nos condiciona el juicio ajeno, en un contexto en el que está restringido el contacto físico.
El desconfinamiento trajo consigo el abandono del único evento social físico que la población podía disfrutar en compañía de personas no convivientes. Aquella cita de las ocho de la tarde para aplaudir en apoyo al personal que estaba en primera línea de la pandemia y que se convirtió en un símbolo de cohesión social en tiempos de Coronavirus. La obra ‘Un espectador accidental o Las ocho de la tarde’ revive este acto social y teatral que puso de relieve la necesidad generalizada del contacto físico entre personas, ‘del contacto entre los cuerpos que viven un mismo momento’, en contexto marcado por el distanciamiento social. Esta representación de la compañía Montajes en el Abismo, es además una apuesta decidida por un teatro en vivo y sin pantallas, que saldrá de “su confinamiento”.
Producir en el abismo
Ana y Jorge, además de fundadores de la compañía Montajes en el Abismo, son los personajes protagonistas, reales y ficticios, de esta historia producida en tiempos muy difíciles para la creación y exhibición teatral. “Si producir teatro es siempre una aventura al filo de lo imposible, hacerlo en tiempos de COVID es probablemente una temeridad. Somos conscientes de ello", afirma Jorge Jimeno, que es también el autor del texto.
Esta es una obra que nació en el abismo de la “nueva normalidad”, producida durante el verano del 2020 y pre-estrenada en octubre en la Sala Real de Becerril de la Sierra con una clara intención: la apuesta irrenunciable al teatro en vivo y sin pantallas. La obra es, en sí misma, una invitación a no renunciar a la magia y satisfacción del teatro porque, como recita Ana en la función “hay algo que solo se recibe de los cuerpos que están cerca, de los cuerpos que viven un mismo momento”. Así lo resaltaba la Organización Mundial de la Salud (OMS) en un informe publicado antes del Coronavirus, donde se destacaba que llevar el arte a la vida ofrece una dimensión adicional que contribuye a mejorar la salud física y mental.
Como Montajes en el Abismo son muchas las compañías de teatro que siguen apostando por el teatro en vivo y sin pantallas, a pesar del incierto futuro del sector con limitaciones de aforo y, sobre todo, con una disminución dramática de las contrataciones por parte de ayuntamientos y otras instituciones públicas sobre las que se sostienen económicamente las pequeñas compañías de caras poco conocidas y responsables de llevar el teatro a todos los rincones del Estado.
Alejarse del mensaje ó el desafío de la reglas
Esta obra no pretende mandar un mensaje de desafío a las reglas, según indican desde la compañía. “Nuestra única pretensión es crear un espacio para que resuenen en el público asuntos como las reglas sociales, la hegemonía de la imagen, el lugar donde han quedado relegados los cuerpos...”, explica Jorge Jimeno.
La intención por tanto de Un espectador accidental o Las ocho de la tarde es que cada espectador construya su propio mensaje, que le otorgue a la obra un sentido propio construido a partir de su mirada, lo que en opinión de Jimeno “es el mayor grado de participación que puede tomar el público, y que desde luego no requiere de ninguna tarea adicional más que la de su atención”.
TEATRO LARA
presenta
LA SOMBRA DE AUDREY
Marni Nixon fue durante muchos años uno de los secretos mejor guardados de Hollywood. Ella fue la voz cantada de Natalie Wood en West Side Story, la dulce voz cantada de Deborah Kerr en la película musical El Rey y yo y cantó las canciones de Audrey Hepburn en My Fair Lady. Esto le hizo ganarse el sobrenombre de «la voz de Hollywood» (The Voice of Hollywood). Dio a conocer su voz y su talento mayúsculo des de la oscuridad del estudio de doblaje y no fue hasta años más tarde que su trabajo fue reconocido. En la gran pantalla seguramente la habréis visto haciendo de monja en la película Sonrisas y lágrimas. Es la del carburador.
En un estudio de doblaje, cotillearemos sobre el Hollywood de la época dorada, asistiremos a una audición para la película Sonrisas y lágrimas con el mismísimo director y nos trasladaremos en el set de rodaje del musical, donde compartiremos con Marni uno de esos incontables momentos de espera del mundo del cine. Una comedia agridulce sobre el poder de Hollywood y su capacidad de oscurecer los sueños.
PEQUEÑO TEATRO GRAN VÍA
presenta
BENGALA
Una vida en doce asaltos
Del 26 de noviembre de 2021 al 28 enero de 2022. Viernes: 18:00 horas
(más…)TEATROS DEL CANAL
Fundación Siglo de Oro
presenta
EL PERRO DEL HORTELANO
Del 3 al 30 de abril de 2021
El equipo conformado por la Fundación Siglo de Oro para la producción de la clásica comedia de Lope de Vega inicia los ensayos en Madrid de esta obra que se estrenará en los Teatros del Canal el próximo 3 de abril.
“El teatro de Lope De Vega, como el de Shakespeare, fue un teatro de acción. Representado a la luz del día, sus historias retratan a un ser humano en movimiento, que se cambia a sí mismo y cambia a los demás con patrones dinámicos y a una velocidad de vértigo. Estas historias psicológicas turbulentas están adornadas con un lenguaje de belleza rica e ingeniosa que sirve de paisaje a sus obras.
En el teatro de Lope y Shakespeare el lenguaje de sus personajes, expresivo y rebelde, se convierte en telón de fondo del drama. En ambos hay un sentido de la sociedad cambiante, de las placas tectónicas de la historia moviéndose bajo las historias humanas. Esto amplía la sensación de que todas las acciones que tenemos ante nosotros ocurren en un precipicio, al borde de un abismo.
En El perro del hortelano hay una sensación de cambio de las normas en los límites de la clase social y de la emoción que se da cuando las personas prueban y transgreden esos límites. Se produce una rápida pérdida de identidad y con esta, una sensación de que las posibilidades son ilimitadas. Como ocurre con el ritmo acelerado de la farsa, esto produce un sentimiento liberado de comicidad divertida, aunque sea una comedia ensombrecida por el peligro. Es también una obra sin pudor en su descripción del deseo y del caos que este puede producir.
Después de pasar gran parte de mi vida explorando el trabajo de Shakespeare dentro de la arquitectura para la que escribió, el teatro The Globe, he afrontado el reto de El perro del hortelano de Lope de Vega revisitando desde la mirada actual la arquitectura que él imaginó para su obra: la de los corrales de comedias. Invito a que el público pueda, tal y como me ha sucedido a mí, profundizar en el entendimiento de Lope y fascinarse por lo que nos plantea en una obra de una calidad incuestionable: El Perro del Hortelano”.
—Dominic Dromgoole
“El teatro de Lope De Vega, como el de Shakespeare, fue un teatro de acción”. Dominic Dromgoole, tras 10 años al frente de la dirección artística del Shakespeare’s Globe Theatre y aclamadas puestas en escena de obras de Shakespeare, Chéjov o Strindberg, será el director de esta nueva producción del clásico de Lope.
Dromgoole, como experto conocedor del teatro clásico, admira este texto y muestra un gran interés por hacer su primera incursión en la lengua de Cervantes, aportando una mirada renovada en la puesta en escena pero dentro de un marco clásico. Dos teatros y una sola visión que sitúa el verso clásico de Lope de Vega en el espacio físico al que pertenece.
El perro del hortelano es una obra que refleja el cambio social y la transgresión de los límites en las clases sociales y la emoción de aquellos que los transgreden, como todo texto llamado a pasar a la historia como eterno, infinito y atemporal.
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TEATROS DEL CANAL
Lajoven
presenta
ULLOA
1, 2, 3 y 4 de abril de 2021
Inspirada en Los pazos de Ulloa, de Emilia Pardo Bazán, la historia se condensa en las horas que preceden a una rave y todo lo que sucede durante la misma. Describe la deseperación de unos seres humanos cuyo único propósito es sentirse amados.
Inspirada en Los pazos de Ulloa, de Emilia Pardo Bazán, la historia se condensa en las horas que preceden a una rave y todo lo que sucede durante la misma. En un solar abandonado, Pedro, Tabo, Sabela, Jessy, Julián y Nucha descubrirán y atravesarán aquello que siempre temieron, la soledad, el abandono, la lucha contra uno mismo, contra los demás…
La desesperación de unos seres humanos con el único propósito de sentirse amados sobre la tierra.
DE LO FEMENINO. NOTAS DE IRMA CORREA
Emilia Pardo Bazán escribe Los pazos de Ulloa cuarenta años después de que Emily Brönte escribiera sus Cumbres borrascosas. Comparten ambas la visión tétrica y siniestra de un lugar alejado de la urbe en el que imperan unas leyes restrictivas y alienantes que
lleva a actuar, más como salvajes que como hombres, a todos los que viven en él. Sus actos, sus conductas, giran alrededor de una animalidad que muestra una violencia y una agresividad virginal.
Y aquí es donde Nucha, la protagonista de esta historia, recibirá una a una las dentelladas de esas almas hambrientas que luchan por dominar en un territorio que consideran como propio y acotado. No es Nucha una mujer “de carácter”. De la misma manera que tampoco lo es el sacerdote Julián. Ambos representan el asombro y, en última instancia, la impotencia ante lo salvaje.
Al releer esta fantástica y dura novela de Pardo Bazán, no han dejado de rondarme una cosmogonía de personajes que, de una manera u otra, encuentro ligados a nuestra protagonista: Emma Bovary, Anna Karenina, la Colometa de Merçè Rodoreda. Aunque de formas, texturas y contextos distintos, encuentro que todas llevan desde el principio impregnado en la sangre el destino trágico inevitable.
En esta propuesta de Los pazos de Ulloa quiero contar, junto a José Luis Arellano, la historia de una mujer del siglo XXI sujeta a estas leyes animales y ancestrales, que luchará por desasirse de ellas en un combate moral, psicológico y carnal. Será una historia contemporánea. Tendrá nombres propios. Un pálpito nuevo, un rugido atroz. Porque hoy, como ayer, siguen existiendo estas leyes que tienen la misma raigambre que el tiempo.
Pero estamos ante un cambio de era. Y no sólo porque la epidemia del COVID-19 haya derrumbado todos los pilares de nuestro presente, sino porque verdaderamente estamos asistiendo a unos cambios de paradigmas que vinculan al hombre con la conciencia de su rol ancestral, y muchos de ellos gritan pidiendo, asustados y voraces, un giro histórico en nuestra sociedad.
Porque hay que contar nuevas historias y romper las viejas. Ya viene siendo hora de añadir a la Historia todas las losas de nuestra no existencia.
TEATRO DE LA ABADÍA
presenta
DESCENDIMIENTO
Del 8 al 25 de abril, 2021
El 21 de marzo del 2019 escuché a Ada Salas leer-decir la primera parte de su Descendimiento en el Museo del Prado, y tras la lectura fuimos a ver ese otro Descendimiento: el de Van der Weyden. Al salir del museo me di cuenta de que quería trabajar sobre ese texto, pensar en la posibilidad de llevarlo a la escena.
No montarlo, ni tampoco ponerlo en escena; solo llevarlo, cuidarlo en su camino hacia la escena, trasportarlo hasta ella. No hacerlo teatro, teatralizarlo. Tampoco explicarlo, ni buscar en él una narración lineal determinada. Solo, y no es poco, darle sentido en la escena. Sentido, como dice Ada Salas: “Un sentido que no tiene nada que ver con la racionalidad, sino con ser: decirlo es hacerlo ser, eso es todo.”