Histórico

Obras que estuvieron en cartel y que ya forman parte de nuestra amplia base de datos

 

TEATRO LAGRADA

presenta

YO ESTABA EN CASA Y ESPERABA QUE VINIERA LA LLUVIA

  Hace años que el hermano, el hijo, el nieto, abandona la casa después de que su padre le echara tras una discusión. La madre, la más vieja, la mayor, la mediana y la pequeña esperan su regreso consumiendo su vida. Al cabo del tiempo, ya desaparecido el padre, regresa el hermano con su macuto, testigo de viajes infinitos. Regresa cansado, extenuado, moribundo. Aparecen entre las enlutadas mujeres, recuerdos y reproches, alusión a vínculos trenzados entre unos y otras y otras y unos, connivencias, desencuentros….La madre y las más vieja se quedan con el hijo moribundo, la mayor decide quedarse con ellas, la mediana duda si quedarse o intentar rehacer su vida, la pequeña decide irse provocando el desasosiego del resto de mujeres; ¿o quizás queden todas juntas? La palabra es la acción fundamental de la obra. Con un verbo barroco no gratuito, rico, ágil y abierto propone a las actrices ir encontrando las relaciones entre los miembros de la familia. ¿Qué desencadena la expulsión del hijo por el padre?¿Cuál es el vínculo entre la mediana y el hermano? ¿Y entre el padre y la mediana? ¿Y entre la madre y el hijo? Se abre un paréntesis con la  marcha del hermano, del nieto, del hijo y se cierra con su regreso. Pero el tiempo ha transcurrido.

Miguel Torres

 YO ESTABA EN CASA Y ESPERABA QUE VINIERA LA LLUVIA   Ficha: Dirección Miguel Torres Ayudante de dirección Pedro Ampudia Diseño de iluminación  Elías Torres. Diseño gráfico  Ana Cobo. Escenografía y vestuario  Goyo Calatayud. Producido por LAGRADA PRODUCCIONES TEATRALES S.L Intérpretes  Eva Bacardit  LA MAYOR Isabel Pascual   LA MADRE Ana Pilar Santos  LA MÁS VIEJA Alba Martínez Centenera    LA SEGUNDA Cristina Rodríguez Expósito  LA MÁS JOVEN Fechas y horarios:  24, 25 y 30 de noviembre. 1, 2, 6, 7, 8 y 9 de diciembre. Todos los días a las 21.00h y domingos a las 20.00h. TEATRO LAGRADA

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TEATROS DEL CANAL

ARACALADANZA

presenta

PLAY

La libertad, la diversión y la pasión de jugar simplemente para divertirse marca la tónica de Play

Entre el 26 y el 29 de diciembre de 2019.

  Tras años ideando coreografías que se inspiraban en pinturas famosas, Enrique Cabrera (Buenos Aires, 1960) ahora gira el timón en Play, la nueva creación de Aracaladanza, su agrupación para público familiar, que tiene como punto de partida la actividad más característica de los niños: jugar. La libertad, la diversión y la pasión de jugar simplemente para divertirse marca la tónica de este nuevo trabajo. “Play nace como un lienzo en blanco, sin mirada determinada, sin inspiraciones concretas. El juego se construye con el propio juego, que respeta el universo poético con el que siempre soñamos en Aracaladanza”, dicen sobre su nueva creación.   [gallery link="file" size="large" ids="72789,72790,72791"] Hasta los años noventa, y no solamente en España, lo que hoy conocemos como danza para público familiar no había encontrado arraigo ni desarrollo. Los espectáculos para niños y niñas, principalmente teatrales, vivían como una rémora del circo y arrastraban las prácticas usuales del payaso tradicional con su inequívoco ¡Hola, amiguitos!, pero algo cambió y algunos profesionales de la danza comenzaron a tomarse muy en serio al público más pequeño. Enrique Cabrera emprendía en solitario esta práctica en Madrid. Echando mano de su larga experiencia en Argentina con títeres, lo cruzaba entonces con su interés por la danza, y en 1994 ponía a andar su compañía Aracaladanza con el claro objetivode conquistar a las audiencias más pequeñas pero ambicionando también conmover y convencer a los adultos. [caption id="attachment_72792" align="alignright" width="300"] PLAY de ARACALADANZA en Teatros del Canal[/caption] Lo consiguió con propuestas imaginativas como Catalina y el cubo mágico (1995), Juana (1996), Maletas (2000), Visto y no visto (2001), o ¡Nada… Nada! (2005). Sin embargo, la verdadera eclosión y el reconocimiento internacional del que hoy goza llegaron con una ingeniosa trilogía, en la que tomando como referencia el mundo de un pintor, desplegaba todo un universo lúdico y visual de danza. Pequeños paraísos (El Bosco), Nubes (René Magritte) y Constelaciones (Miró), más Vuelos, una cuarta incursión para homenajear a Da Vinci, consolidaron a Aracaladanza por el mundo hasta el punto de ser habituales en el Sadler’s Wells, la relevante casa de la danza londinense.  

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Una oscura y divertida Navidad

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ARTESPACIO PLOT POINT

presenta

YO DECIDO

Amor, sexo y muerte

¿Quién toma las decisiones en tu vida?

A partir del 1 de octubre

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MADRID ES BALLET        

 

Madrid se llena de Ballet en Navidad. EL CASCANUECES y  EL LAGO DE LOS CISNES son dos de los clásicos que se podrán ver en el Teatro Nuevo Apolo y el Lope de Vega. Puntas, tutús, plié y demi plié,  devant, derrière, dessous, dessus.....

  EL CASCANUECES - Ballet Nacional Ruso en el Teatro Nuevo Apolo  

El Cascanueces, es un ballet de dos actos, originalmente coreografiado por Marius Petipa y Lev Ivanov con una partitura de Piotr Ilyich Tchaikovsky. El libreto es una adaptación del cuento de Hoffmann «El Cascanueces y el Rey Ratón». Se estrenó en el Teatro Mariinsky de San Petersburgo, el 18 de diciembre de 1892, en sesión doble con la ópera de Tchaikovsky, Iolanta.

EL LAGO DE LOS CISNES - Ballet de San Petersburgo en el Teatro de la luz Philips Gran VíaEL CASCANUECES - TEATRO NUEVO APOLO

Música: Piotr Tchaikovsky Coreografía de Lev Ivanov

25 DICIEMBRE – 1 y 6 ENERO (2019).

La Royal Russian Ballet llega al Teatro Nuevo Apolo para presentar el Gran Ballet de Navidad: EL CASCANUECES. Con más de 40 bailarines en escena.

‘El Cascanueces’, el último ballet de Tchaikovsky, fue estrenado el 18 de diciembre 1892 en el Teatro Mariinsky de San Petersburgo, Rusia.

La vistosidad de su escenografía y vestuario, la magia de su historia, sus imaginativos personajes y la música universal de Tchaikovsky han convertido El Cascanueces en un clásico de las Navidades, ideal tanto para los más pequeños como para los adultos. Bajo la forma de cuento infantil –los muñecos que cobran vida la noche de Navidad, y que arrastran a la niña protagonista a vivir mágicas aventuras–, el ballet es una fábula de espíritu navideño que habla de la añoranza por la infancia perdida y el choque entre la realidad de los adultos y el mundo de los sueños de los niños. El ballet, uno de los más conocidos de Tchaikovsky, con coreografía original de Lev Ivanov y libreto de Marius Petipa, deriva de un texto de Alejandro Dumas padre que se inspiró a su vez en el célebre cuento de E.T.A. Hoffmann El cascanueces y el rey de los ratones. Con más de 40 bailarines en escena, esta suntuosa producción el Royal Russian Ballet captura toda la belleza y el drama del auténtico ballet romántico, un clásico atemporal que apela a cualquier generación.

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    EL CASCANUECES Russian Classical Ballet

PREMIO AL MEJOR ESPECTÁCULO DE DANZA DEL TEATRO ROJAS DE TOLEDO 2014.

El mundialmente aclamado Ballet Imperial Ruso, fundado por Maya Plisetskaya y dirigido por Gediminas Tarandá, presenta ”El Cascanueces” de la mano de un elenco compuesto por 45 bailarines del más alto nivel.

EL CASCANUECES - TEATRO LOPE DE VEGA

Música: Piotr Chaikovsky Coreografía:Gediminas Taranda Diseño del decorado y vestuario: Andrey Zlobin, Anna Ipatieva Ballet en 2 actos (duración 2 horas con el descanso incluido)

¡Es la fiesta de Navidad, y el mago Drosselmeyer tiene preparadas muchas sorpresas para los niños! Juegos, bailes y regalos, pero a la noche comienzan a suceder cosas increíbles. Cuando la fiesta termina, los terribles ratones atacan a Clara, y su regalo, el juguete Cascanueces, la salva y se convierte en el Príncipe. Juntos, viajarán a través de las nieves al maravilloso país de sus sueños.

El gran clásico “El Cascanueces” en la versión coreográfica de Gediminas Tarandá es diferente a todo lo que hemos podido ver antes. En el espectáculo, al lado de las grandes figuras de Ballet, bailarán niños que estudian danza en las escuelas locales. El BALLET IMPERIAL RUSO, prestigiosa compañía de Moscú, fue creado en 1.994 por iniciativa de Maya Plisetskaya. El Director Artístico del Ballet es Gediminas Tarandá, quien, antes de crear la compañía, fue solista principal del Teatro Bolshoi y estudió la carrera de coreógrafo bajo la dirección de Yury Grigorovich, siendo en la actualidad el más destacado director artístico de grandes eventos de Rusia, condecorado por sus méritos cómo Artista de Honor de Rusia (2005) y Orden de Diaguilev (2008).  

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El BALLET IMPERIAL RUSO, prestigiosa compañía de Moscú, fue creado en 1.994 por iniciativa de Maya Plisetskaya. El Director Artístico del Ballet es Gediminas Tarandá, quien, antes de crear la compañía, fue solista principal del Teatro Bolshoi y estudió la carrera de coreógrafo bajo la dirección de Yury Grigorovich, siendo en la actualidad el más destacado director artístico de grandes eventos de Rusia,

EL LAGO DE LOS CISNES - Ballet de San Petersburgo en el Teatro de la luz Philips Gran VíaEL LAGO DE LOS CISNES - TEATRO LOPE DE VEGA

El repertorio de la compañía incluye todos los ballets clásicos, como "El Lago de los Cisnes", "La Bella Durmiente", "Cascanueces", "Giselle", "Carmen", "Don Quijote", “Romeo y Julieta”, “Silfida”, "Chopiniana", “Sherezade”, “Danzas Polovtsianas”, “La Siesta de un Fauno”, “Petrushka”, “Consagración de la Primavera”, “Bolero” y varias coreografías cortas. La Compañía tiene su residencia en Moscú, aunque es bien conocida mundialmente gracias a sus giras nacionales e internacionales, en países como Australia, Nueva Zelanda, China, Japón, Finlandia, Francia, España, Alemania y muchos más.

El elenco del Ballet Imperial Ruso está compuesto por 45 bailarines del máximo nivel artístico, muchos de ellos han sido ganadores de prestigiosos concursos de ballet, como Lina Sheveliova, Nariman Bekzhanov, Anna Pashkova, Denis Simon, Vatautas Taranda, Vladimir Dorofeev y Maxim Marinin.

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Chopiniana (Les Sylfides) Bolero, de Ravel Gala de Ballet - Paso a Dos de Don Quijote, Gopak, La Muerte del Cisne y Can - Can Sorpresa

Creado en 1.994 por iniciativa de Maya Plisetskaya. El director artístico del Ballet, antes de crear la compañía fue solista principal del Teatro Bolshoi de Moscú y estudió la carrera de coreógrafo bajo la dirección de Yuri Grigorovich.

Chopiniana, Bolero y Gala de Ballet - Ballet Imperial Ruso

El BALLET IMPERIAL RUSO, prestigiosa compañía de Moscú, fue creado en 1.994 por iniciativa de Maya Plisetskaya. El Director Artístico del Ballet es Gediminas Tarandá, quien, antes de crear la compañía, fue solista principal del Teatro Bolshoi y estudió la carrera de coreógrafo bajo la dirección de Yury Grigorovich, siendo en la actualidad el más destacado director artístico de grandes eventos de Rusia, condecorado por sus méritos cómo Artista de Honor de Rusia (2005) y Orden de Diaguilev(2008).

El repertorio de la compañía incluye todos los ballets clásicos, como "El Lago de los Cisnes", "La Bella Durmiente", "Cascanueces", "Giselle", "Carmen", "Don Quijote", “Romeo y Julieta”, “Silfida”, "Chopiniana", “Sherezade”, “Danzas Polovtsianas”, “La Siesta de un Fauno”, “Petrushka”, “Consagración de la Primavera”, “Bolero” y varias coreografías cortas. La Compañía tiene su residencia en Moscú, aunque es bien conocida mundialmente gracias a sus giras nacionales e internacionales, en países como Australia, Nueva Zelanda, China, Japón, Finlandia, Francia, España, Alemania y muchos más. El elenco del Ballet Imperial Ruso está compuesto por 45 bailarines del máximo nivel artístico, muchos de ellos han sido ganadores de prestigiosos concursos de ballet, como Lina Sheveliova, Nariman Bekzhanov, Anna Pashkova, Denis Simon, Vatautas Taranda, Vladimir Dorofeev y Maxim Marinin.

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El mundialmente aclamado Ballet Imperial Ruso, fundado por Maya Plisetskaya y dirigido por Gediminas Tarandá, presenta su ”Romeo y Julieta” de la mano de un elenco compuesto por 45 bailarines del más alto nivel.

Música: Serguey Prokofiev Coreografía: Leonid Lavrovsky / Mikhail Lavrovsky / Gediminas Taranda Escenografía y vestuario:Evgeniy Lysik y Anna Ipatieva Ballet en 3 actos Duración 1 acto 50 min., 2 acto 25 min., 3 acto 40 min.  

 

ROMEO Y JULIETA – BALLET IMPERIAL RUSO

Las obras de Shakespeare han inspirado a multitud de compositores a lo largo de los tiempos, pero Prokofiev fue el primero en componer un verdadero ballet shakesperiano, uno de los mejores ballets del siglo XX. La brillante historia escénica de esta obra comienza en 1938 en Brno. En 1940 “Romeo y Julieta” se estrena San Petersburgo, y después de la II Guerra Mundial, en 1946, con la misma coreografía de Leonid Lavrovsky, este ballet triunfó en el Bolshoi de Moscú. La versión que presentamos ahora es la adaptación para el Ballet Imperial Ruso de la famosa coreografía de Leonid Lavrovsky hecha por su hijo Mikhail Lavrovsky, que en las producciones de su padre interpretaba el papel de Romeo. Se estrenó en febrero 2004 y su puesta en escena cuenta con un magnífico diseño escenográfico de los mejores escenógrafos de la actualidad: Evgeny Lysik y Anna Ipatieva. El BALLET IMPERIAL RUSO, prestigiosa compañía de Moscú, fue creado en 1.994 por iniciativa de Maya Plisetskaya. El Director Artístico del Ballet es Gediminas Tarandá, quien, antes de crear la compañía, fue solista principal del Teatro Bolshoi y estudió la carrera de coreógrafo bajo la dirección de Yury Grigorovich, siendo en la actualidad el más destacado director artístico de grandes eventos de Rusia, condecorado por sus méritos cómo Artista de Honor de Rusia (2005) y Orden de Diaguilev (2008). El repertorio de la compañía incluye todos los ballets clásicos, como "El Lago de los Cisnes", "La Bella Durmiente", "Cascanueces", "Giselle", "Carmen", "Don Quijote", “Romeo y Julieta”, “Silfida”, "Chopiniana", “Sherezade”, “Danzas Polovtsianas”, “La Siesta de un Fauno”, “Petrushka”, “Consagración de la Primavera”, “Bolero” y varias coreografías cortas. La Compañía tiene su residencia en Moscú, aunque es bien conocida mundialmente gracias a sus giras nacionales e internacionales, en países como Australia, Nueva Zelanda, China, Japón, Finlandia, Francia, España, Alemania y muchos más. El elenco del Ballet Imperial Ruso está compuesto por 45 bailarines del máximo nivel artístico, muchos de ellos han sido ganadores de prestigiosos concursos de ballet, como Lina Sheveliova, Nariman Bekzhanov, Anna Pashkova, Denis Simon, Vatautas Taranda, Vladimir Dorofeev y Maxim Marinin  

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  [caption id="attachment_72790" align="aligncenter" width="653"] PLAY de ARACALADANZA en Teatros del Canal[/caption]  

La libertad, la diversión y la pasión de jugar simplemente para divertirse marca la tónica de Play

Tras años ideando coreografías que se inspiraban en pinturas famosas, Enrique Cabrera (Buenos Aires, 1960) ahora gira el timón en Play, la nueva creación de Aracaladanza, su agrupación para público familiar, que tiene como punto de partida la actividad más característica de los

PLAY

La libertad, la diversión y la pasión de jugar simplemente para divertirse marca la tónica de este nuevo trabajo. “Play nace como un lienzo en blanco, sin mirada determinada, sin inspiraciones concretas. El juego se construye con el propio juego, que respeta el universo poético con el que siempre soñamos en Aracaladanza”, dicen sobre su nueva creación. Hasta los años noventa, y no solamente en España, lo que hoy conocemos como danza para público familiar no había encontrado arraigo ni desarrollo. Los espectáculos para niños y niñas, principalmente teatrales, vivían como una rémora del circo y arrastraban las prácticas usuales del payaso tradicional con su inequívoco ¡Hola, amiguitos!, pero algo cambió y algunos profesionales de la danza comenzaron a tomarse muy en serio al público más pequeño.

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LA ESCALERA DE JACOB

Nuevo Teatro Fronterizo

presenta

TODOS ME DEBEN ALGO

texto de José Sanchis Sinisterra

¿Recuerdan los Monólogo para no reír, aquel Club de la tragedia?

  Todos me deben algoes un monólogo interpretado por Jordi Buisan, bajo la dirección de José Sanchis Sinisterra, que pretende ser un reflejo violento de nuestra sociedad, una sociedad llena de deseos creados que casi nunca pueden ser satisfechos. Un monólogo que sugiere la íntima relación entre el dolor propio y el daño ajeno: puesto que yo sufro, otros deben pagar por ello. Esta es, a menudo, la ley del más débil.   Sinopsis Soy un poeta, un vengador, un hombre-verga, soy el Cobrador. El Cobrador, un asesino que escribe poemas, cobra una cuenta pendiente con la sociedad pues todos le deben cosas y él está dispuesto a cobrárselas. “Leo los periódicos, para saber qué es lo que están comiendo, bebiendo, haciendo. Quiero vivir mucho para tener tiempo de matarlos a todos.” Un hombre en resistencia, un poeta que encuentra su arte en el odio, la repulsión y la violencia, y nos narra algunos trechos de su vida. Un sujeto que cansado de pagar ha decidido tomar el camino de la revolución individual y cobra al precio de la vida todo lo que el sistema le debe.   Ficha: Dramaturgia y dirección: José Sanchis Sinisterra Elenco:Jordi Buisán Una propuesta de:Nuevo Teatro Fronterizo Fechas y horarios: 6 de diciembre a las 20:30h, 13, 20 y 27 de diciembre 21:30h en la ESCALERA DE JACOB

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INTEMPERIE TEATRO

presenta

EXPEDIENTE K (la carta al padre)

30 Nov – 9 Dic 2018

Expediente K (La carta al padre) es una obra de teatro que combina fragmentos de La carta al padre de Franz Kafka con detalles históricos y la visión de un joven de hoy en día sobre las psicofonías, el holocausto nazi y el propio Kafka. 

  Carlos, un técnico de sonido y DJ ocasional, a quien sus amigos llaman K, consigue, por error, un trabajo muy peculiar: grabar psicofonías. Sí, sí, voces de fantasmas. Después de recorrer algunos de los campos de concentración nazis de Europa, incluido el campo de concentración de Terezin, el trabajo lo lleva a un extraño castillo, en una pequeña isla, cerca de Creta. Dicha isla pertenece a la familia Reichel, que tiene un turbio pasado relacionado con los nazis. ¿Qué grabará en el castillo? ¿Qué es un gólem? ¿Qué hacían los nazis en Terezin? ¿Qué hace Franz perdido en una obra de fantasmas? Y sobre todo, ¿dónde está el lavabo? DAFNIS BALDUZ Actor Joven actor con una extensa trayectoria en cine, televisión y teatro. En televisión sus últimos trabajos han sido en las series El incidente, Amar es para siempre, Jubala, Moreno y Manchón, Desclasisificats, 14 de Abril Maciá contra Companys, Ermessenda. En cine Hablar, Mil Cretino, Xtrems, Tres días con la familia o Forasters. En teatro El zoo de cristal, Sí Primer Ministre, Don Carlos, Pel devant y pel darrera. Directores como Josep María Pou, Abel Folk, Calixto Bieito, Joaquín Oristrell o Ventura Pons han contado con él en sus producciones. Ha sido nominado a los Premios Gaudí por su papel en Forasters. Ficha: TEXTO Frank Kafka y Susana García-Prieto DIRECCIÓN Alex D.Capo ACTOR Dafnis Balduz Fechas y horarios: Viernes y Sábado, 20:30 h. Domingo, 19:30 h. INTEMPERIE TEATRO

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TEATRO DE LA ZARZUELA

presenta

MARÍA DEL PILAR

(Versión en concierto)

Música de GERÓNIMO GIMÉNEZ Libreto de Francisco Flores García y Gabriel Briones, en una adaptación de María Velasco Estrenada en el Teatro Circo de Price, el 17 de diciembre de 1902

Dedicado a la memoria de Jesús López Cobos

Se ofrecerán dos funciones los días 30 de noviembre y 2 de diciembre

 El Teatro de la Zarzuela rescata ‘María del Pilar’ tras más de un siglo en el olvido

Imponente Zarzuela de Gerónimo Giménez, se presenta ahora en versión de concierto y en una nueva adaptación de la reconocida dramaturga María Velasco

  La “exigente escritura vocal” de la obra requiere un plantel de cantantes de primera fila, que estará integrado por Carmen Solís, Iwona Sobotka, Marina Rodríguez-Cusí, Andeka Gorrotxategi, Rubén Amoretti, Damián del Castillo, David Sánchez y Jorge Rodríguez-Norton

Mario Gas será quien vaya conduciendo y reconduciendo la historia, en su papel de narrador Los conciertos están dedicados al añorado maestro Jesús López Cobos, fallecido el pasado mes de marzo, que iba a dirigir las dos veladas. ‘María del Pilar’, considerada por los estudiosos como “una partitura con trazas de obra maestra”, se estrenó en 1902 en el Teatro Circo Price de la madrileña plaza del Rey (donde hoy se ubica el Ministerio de Cultura y Deporte) e incomprensiblemente desapareció de nuestro repertorio lírico como tantas obras hoy injustamente olvidadas.   El Teatro de la Zarzuela cumple una labor esencial en la preservación, estudio, recuperación y divulgación de nuestro patrimonio lírico. Es por esta razón elemental e indispensable, entre otras de idéntica importancia, que la programación de ‘María del Pilar’, zarzuela en tres actos de Gerónimo Giménez,  es uno de los hitos más saludables y propicios de la temporada. Con libreto de Francisco Flores García y Gabriel Briones, la partitura, en palabras de la experta musicóloga María Encina Cortizo, tiene “trazas de obra maestra que incomprensiblemente ha desaparecido de nuestro canon lírico como tantas otras, hoy injustamente olvidadas”. Se estrenó en el Teatro Circo Price de la madrileña plaza del Rey (donde hoy se ubica el Ministerio de Cultura y Deporte) el 17 de diciembre de 1902, y tras las 26 funciones programadas para esa ocasión, solo volvió a programarse de forma esporádica en dicho coliseo y muy puntualmente en provincias. Por esta razón,  el viernes 30 de noviembre (20h00), y el domingo 2 de diciembre (18h00) serán dos días especialmente valiosos para nuestra lírica. La obra, de la que no hay registrada grabación alguna, volverá a escucharse más de un siglo después de su última audición. Será en versión de concierto y con adaptación libre de la reconocida dramaturga María Velasco. Nueva música, por tanto, para nuestros oídos del siglo XXI.   Ficha: Director Musical: Óliver Díaz Reparto María del Pilar CARMEN SOLÍS, Esperanza IWONA SOBOTKA, Señá Nieves MARINA RODRÍGUEZ-CUSÍ, Rafael ANDEKA GORROTXATEGI, Valentín RUBÉN AMORETTI, Marcelino DAMIÁN DEL CASTILLO, Tío Licurgo DAVID SÁNCHEZ, Almendrita JORGE RODRÍGUEZ-NORTON, Narrador MARIO GAS.Orquesta de la Comunidad de MadridTitular del Teatro de La ZarzuelaCoro Titular del Teatro de La Zarzuela Director: Antonio Fauró Fechas y horarios: 30 de noviembre de 2018, a las 20:00 horas 2 de diciembre de 2018, a las 18 horas en el TEATRO DE LA ZARZUELA  

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TEATRO MARÍA GUERRERO

presenta

QUIRÓFANO

Texto y dirección Almudena Ramírez-Pantanella

ESCRITOS EN LA ESCENA

Un trabajo de investigación dramatúrgica del Laboratorio Rivas Cherif

Del 14 al 23 de diciembre de 2018 y del 1 al 3 de enero de 2019

 
Quirófano tiene como temática central el racismo. Concretamente, el microrracismo, un tipo de racismo que persiste en el tiempo y que suele ser consecuencia de la interiorización de prejuicios. En este proyecto de investigación, lo denominaremos racismo infraleve. Según Marcel Duchamp,infraleve es aquello que está en los márgenes de lo no medible y que sin embargo lo redefine todo. INFRALEVE es: El calor de un asiento que se acaba de dejar, el exceso de presión al apretar un botón, la exhalación del humo del tabaco, el crecimiento de las uñas o del cabello, los movi- mientos impulsivos del miedo de la risa, de sorpresa, la caída de las lágrimas, los gestos demostrativos de las manos, estirarse, los vómitos, el ruido del bigote, los vahos... Los grupos, en sus prácticas, crean el ambiente social que estructura sus juicios. Es decir que cualquier familia, por ejemplo, podría considerarse un entorno favorable para legitimar los prejuicios. Quirófano abre con la muerte de Bibiana, mujer sudamericana, y a partir de ahí, una sucesión de comidas familiares en donde los protagonistas son los miembros de una familia española. En lo cotidiano, el lenguaje nos delata. Ficha: Texto y dirección Almudena Ramírez-Pantanella Reparto (por orden alfabético) Mireya Arauzo, Silvia Casanova, Rodrigo Mendiola, Pilar Matas, Manuel Millán, Marisol Ronaldi, Verónica Ronda y Ángel Savín Escenografía e iluminación  Javier Ruiz de Alegría Música y espacio sonoro  Eduardo Ruiz “Chini” Ayudante de dirección  Laura Ortega Fotos Mario Zamora Diseño cartel Javier Jaén Producción Centro Dramático Nacional Fechas y horarios: Del 14 al 23 de diciembre de 2018 y del 1 al 3 de enero de 2019, en el Teatro María Guerrero. Sala Princesa QUIRÓFANO en el Teatro María Guerrero
 

REVOLUTION ON ICE on Tour

 

Javier Fernández presenta el mayor espectáculo de patinaje sobre hielo nunca antes visto en España.

"Volver a España para patinar con mi gente es mágico. Mi equipo y yo llevamos tiempo trabajando este proyecto con mucha ilusión. Nuestro objetivo es hacer vibrar al público con un show revolucionario."

Patinaje sobre hielo y música en vivo en una fusión revolucionaria.

  [gallery columns="5" link="file" size="full" ids="71929,71930,71931,71932,71933"] NOTA: Desde que nació esta gira, Javier Fernández tuvo claro que Revolution on Ice tenía la obligación de involucrarse con una causa en la que se ha volcado desde hace años: la lucha contra el cáncer infantil.Por eso, a través de la Fundación CRIS contra el cáncer, 1 € de cada entrada vendida será donado para financiar un proyecto único en España que abrirá próximamente en el Hospital La Paz de Madrid. La Unidad CRIS de Investigación y de Terapias Avanzadas en Cáncer Infantil es uno de los proyectos más innovadores del momento que cuenta con un equipo de especialistas de diferentes campos inmersos en la lucha contra el cáncer. Gracias a todos los que compréis una entrada para Revolution on Ice, sumaremos un granito de arena en esta lucha de todos. Web http://www.revolutiononice.com Fechas y horarios: 29 de diciembre Madrid

Palacio Vistalegre

  • Apertura de puertas 19:00
  • Inicio del Show 20:30
  • Dirección: C/ Utebo, 1 28025 Madrid
  • Metro: Linea 5
  • Bus: Autobús 34
   

LA SALA MIRADOR

La Sala Mirador y La Rota Producciones

presenta

TRÁGICAS’, EL CLAMOR DE UNA MUJER DESESPERADA

  • Trágicas, versión libre, realizada y dirigida por Cristina Rota de Un trágico a pesar suyo, de A. Chéjov vuelve a la Sala Mirador del 30 de noviembre al 23 de diciembre.
  • La dramaturgia está planteada desde el punto de vista de las vivencias y el sentir femenino ofreciendo así una doble lectura de la pieza chejoviana.
  • La obra parte de algunas premisas: el hecho de que los conflictos no resueltos nos instalan en una queja estéril; la necesaria toma de conciencia de la posición oprimido-opresor. Y la decisión de asumir, mediante un pensamiento, una actitud activa para provocar un cambio.
La Sala Mirador y La Rota Producciones reestrenan Trágicas, una versión libre realizada por Cristina Rota de la pieza de Antón P. Chéjov Un trágico a pesar suyo que se estrenó la pasada temporada en la V Muestra de Creación Escénica SURGE MADRID. El clamor de una mujer desesperada que siente que todo lo que hace carece de interés para los demás y en especial para su pareja. Una mujer que busca recuperar la fe en sí misma volcando de forma compulsiva el conflicto que le angustia en su mejor amiga sin encontrar el consuelo esperado. Mujeres que se mueven y expresan sus vivencias, sus sentimientos, con la ilusión de libertad dentro de un espacio que las aprisiona y termina siendo una confortable cárcel. La obra aborda el clásico de Chéjov desde el punto de vista de la mujer y otorga de esta manera un doble significado al texto al escucharse el reclamo desde voces femeninas. Trágicas se gesta en un laboratorio de la Escuela de Interpretación Cristina Rota donde el objetivo es investigar sobre textos cuyos temas se extienden a nuestra época: desigualdad, posición masculino-femenino, la prepotencia del poder, la indefensión del débil, una sociedad cansada… En Trágicas la acción comienza con la angustia de una mujer que acude a su mejor amiga en busca de fe y confianza en sí misma. A partir de este conflicto se mantiene una situación de constante tensión y fluidez. El humor, siempre presente, acentúa el sentido trágico. La versión libre que Cristina Rota realiza de Un trágico a pesar suyo parte de algunas premisas: el hecho de que los conflictos no resueltos nos instalan en una queja estéril; la necesaria toma de conciencia de la posición oprimido-opresor. Y la decisión de asumir, mediante un pensamiento, una actitud activa para provocar un cambio. La obra está interpretada por dos jóvenes actrices con una prometedora trayectoria: Raquel Villarejo (ha intervenido en la serie Cuéntame de TVE ) y Candela Solé (forma parte del reparto de Cuerpo de Élite. de Antena 3 TV). Ambas dan vida a las dos posturas contrapuestas de la función, una unidad de opuestos que va destapando sus propios conflictos. El espacio escénico está concebido para acentuar el realismo poético, lo más conmovedor y bello, el lirismo tierno y fino que Chéjov introduce en sus creaciones. Trágicas estará en la Sala Mirador viernes, sábados y domingos del 30 de noviembre al 23 de diciembre de 2018. FICHA ARTíSTICA Versión libre sobre Un trágico a pesar suyo de A.Chéjov: Cristina Rota Intérpretes:​ Candela Solé y Raquel Villarejo Diseño de iluminación:​ Cristina Rota y Luis del Valle Concepto de escenografía:​ Cristina Rota Realización de escenografía y atrezzo: Féliz Delgado (Cooperativa Vestiario) Música:​ Alejandro Pelayo ​ Directora de producción:​ Nur Levi Fotografías:​ marcosGpunto Dirección: Cristina Rota Una producción de ​LA ROTA producciones FECHA Y HORARIO: Del 30 de noviembre al 23 de diciembre 2018. De viernes a sábado, 20:00h; domingo, 19:30h en la SALA MIRADOR

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TEATRO FERNÁN GOMEZ

PASIONARTE S.l. / Pincheforn Producciones S.L. / Eusebio Pacha / Eva Cebrián

presentan

TOM DE LA GRANJA

  La Sala Jardiel Poncela del teatro Fernán Gómez, Centro Cultural de la Villa acoge la obra Tom en la Granja del autor canadiense Michel Marc Bouchard, del 30 de noviembre al 16 de diciembre. Un montaje dirigido por el mexicano Enio Mejía e interpretado por Yolanda Ulloa, Alejandro Casaseca, Gonzalo de Santiago y Alexandra Fierro.   Tras la muerte de su novio en accidente de moto, sumido en la agonía de un profundo dolor, Tom, un joven ejecutivo de publicidad urbanita, viaja al pueblo de su novio en medio del campo en una apartada zona rural para asistir al entierro y funeral y conocer a su suegra, Agatha, y a su hijo Francis -ninguno de los cuales sabe que Tom existe si quiera. A su llegada a la remota granja, cogido completamente por sorpresa, descubre con horror el legado de engaños y mentiras que tras de si ha dejado su compañero fallecido. A pesar de su horror y rechazo inicial, Tom se siente casi inmediatamente atraído y absorbido por la disfunción de las relaciones de la familia. Tom en la granja es la primera obra que se ha estrenado en España del autor canadiense Michel Marc Bouchard, y que según sus propias palabras: Es difícil imaginar lo dura que puede ser una vida construida alrededor de las mentiras y las consecuencias que puede tener aprender a mentir antes que aprender a amar.   TOM DE LA GRANJA en el Teatro Fernán Gomez   Tom en la Granja explora las consecuencias en la edad adulta de la homofobia sufrida durante la adolescencia y los años de formación de la personalidad cuando más vulnerables somos.  En qué compleja maraña nos atrapamos cuando nos alejamos de la verdad.  Un thriller psicosexual donde el drama del homosexual rechazado y humillado es tan solo la puerta a otros temas principales como el dolor de la pérdida repentina, la mentira como forma de supervivencia y como forma de amar y vivir, la búsqueda pertinaz del amor incondicional, y la desesperada necesidad de encontrar respuestas.  Recorre aspectos poco frecuentados en el teatro contemporáneo que se puede ver en Madrid, en cuanto a temática y ubicación de la historia (en el mundo rural), a la vez que introduce recursos del teatro psicológico casi policíaco con elementos poéticos e introspectivos. Con una sensibilidad extraordinaria, el autor despliega cierta carga de denuncia social (la homofobia y sus consecuencias) a la vez que despliega un clímax de serie negra cargado de imágenes poéticas e impactantes. Es un drama que posee intriga, sensualidad omnipresente y un trágico e inesperado final en torno a los temas que vertebran esta impactante historia: la homofobia y la violencia que aquélla despliega como un odio que encubre un deseo inconfesable, la mentira como consecuencia de la homofobia y la violencia que esta suscita, y la pérdida repentina de un ser querido y cómo nos enfrentamos a ella. Michel Marc Bouchard es uno de los autores contemporáneos más importantes y más prolíficos de Canadá. Cuenta con una dilatadísima carrera, es autor de más de 25 obras de teatro. Varias de sus creaciones se han adaptado al cine (como Tom en la Granja) e incluso a la ópera, y traducidas a más de 15 idiomas. Sus trabajos han sido producidos por los teatros y festivales de Canadá, y en los escenarios de todo el mundo. Entre los numerosos premios y distinciones recibidos que ha recibido destacan la Orden Nacional de Quebec, la Orden de Canadá y su entrada como miembro permanente de la Academia de las Letras de Canadá. Alessio Meloni firma la escenografía que está conformada a partir de piezas de madera con la inequívoca señal del paso del tiempo, piezas que expanden el aroma de los hogares de campo. Jesús Almendro ha realizado una delicada, sugerente y atmosférica iluminación que profundiza en las luces y sombras de unos personajes llenos de claroscuros. El espacio sonoro y la música original están compuestas por Nacho Campillo y Jacobo Aguirre. Ficha : Autor: Michel Marc Bouchard Traducción: Line Connilliere / Gonzalo de Santiago Dirección: Enio Mejía Reparto Agatha - Yolanda Ulloa Francis - Alejandro Casaseca  Tom - Gonzalo de Santiago Sara - Alexandra Fierro Producción: Pasionarte S.l. / Pincheforn Producciones S.L. / Eusebio Pacha / Eva Cebrián Con el patrocinio de Cambridge Institute Ayudante Dirección y Regiduría: Javier Moresco / Manu Báñez Iluminación: Jesús Almendro Escenografía: Alessio Meloni Ayudante Escenografía: Héctor Ayuso Vestuario: Guadalupe Valero Espacio Sonoro: Nacho Campillo / Jacobo Aguirre Maquillaje y Peluquería: Jorge Hernández Fotografía y Cartel: Carmela. Work Vídeo: Joan Grau Fotos Función: Gloria Monis Ayudante Producción: Sara Herreros Coreografía: Soe Pérez Prensa: Josi Cortés Comunicación Construcción Escenografía: Escenografías Cubells con la ayuda de Pedro Moreno Agradecimientos: Fernán Gómez, Teatro Español Naves de Matadero, Cambridge Institute, Centro Cultural Nicolás Salmerón, Eva Cebrián, Eusebio Pachá, Estudios El Sonado, Céline Vincent, Pablo Bautista, Ignacio Mateos, GarciaMadrid. Fechas y horarios: Del 30 de noviembre 2018 al 16 de diciembre. De martes a sábados a las 20:30 Domingos y festivos a las 19:30. TEATRO Fernán Gómez

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TEATRO EDP GRAN VÍA

presenta

BERTO ROMERO, MUCHA TONTERÍA

Del 10 al 12 de septiembre de 2021
Viernes 19:00 y 21:30 h. Sábado 18:00 y 20:30 h. Domingo 17:00 y 19:30 h.

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